关于美术的常识篇1
关键词：美术理论；美术教育；艺术创作；意义
上个世纪初期具有现代意义的美术教育在我国开始兴起，至今已有了近百年的发展历程，这期间其经历了渐兴、停止、恢复与发展的几个阶段，如今已进入繁荣发展的时期。然而，在美术教育发展的过程中存在着不少问题，这在一定程度上影响了美术院校、美术从业者及美术学生的发展。
一、对美术理论的重视不足
我国美术界在最近几年的发展过程中出现了几大艺术浪潮，比如“85美术”、“玩世”、“波普”、“艳俗”等等。在美术界的艺术浪潮之中，美术从业者创造了不少既有中国特色又具世界特点的艺术作品，但是也存在对西方艺术简单模仿的情况。之所以有如此现象的存在是因为部分美术家的理论知识基础不牢，没有形成关于中西方艺术发展的系统认识。
“人类通常难以避免同样的错误”，这是叔本华的一句名言。现阶段，美术界中有部分人认为理论是以美术创作的附属品的形式存在着的。在他们看来，艺术家进行创作并不需要理论的支撑，他们需要的是情感经验、是手上工夫、是创作灵感。而事实上，艺术创作是不能离开理论的，没有了理论的支撑，就失去了灵感的来源，也就难以创作出好的作品来。因此，对当前存在的对美术理论重视不足的现象，我们必须充分重视，并采取措施来加强理论知识的学习。
举个简单的例子，笔者有次碰到了几名毕业于艺术院校的自由画者，他们竟对“八大山人”一无所知，甚至认为“所谓八大山人就是八个大山人”，由此，不难看出，现如今艺术从业者的理论修养水平已到了让人担忧的地步了。之所以出现这一情况，很大程度上与美术院校的课程设置密切相关。我国部分专业美术院校没有充分认识到理论修养的重要性，在课程设置时对美术理论课程的课时量安排较少，难以满足学生理论学习的需要。
二、西方视阈下的美术理论的意义
根据格内尔与艾斯纳（西方本质主义美术家）的观点，美术是人类实践与文化中极具特殊性的一部分，人类的美术能力是经过不断的学习与教育所形成的，而非自然发展所得。所以，格内尔与艾斯纳认为，作为大众化现代教育的重要组成部分的美术教学应当由美术创作、美学、美术批评及美术史四个部分的内容构成。在美术教学的过程中，美学理论占据了很大的比重。因此，不难发现，西方的美术教育家非常重视美术理论的学习，注重培养学生的美术理论修养。
美学与人生价值问题关系密切。美术学校借助设置美学课程的方式，让学生形成关于美的类型、本质及形态的系统认识的同时，提升自身的对美的判断、感悟、认识及鉴赏的能力。美术批评则是基于美术欣赏的基础之上的，是按照相应的标准对美术现象与美术作品进行价值判断及理论分析。对学生而言，学习美术批评的相关知识有着非常重要的意义，能够培养学生高层次的审美判断力、艺术感受力以及逻辑思维能力。美术史的相关知识的学习也同样具有非常重要的意义。对任何专业的学生而言，都必须了解自己所学专业的学科历史，形成关于自己学科的发展过程、意义等内容的系统认识。“读史使人明智”，因此，学生通过对中西方美术发展史的学习，能够掌握美术的发展脉络及发展现状，并且能在吸收其精华的基础上拓展美术发展的崭新局面。
三、美术教育的本质与美术理论的意义
近代，我国美术教育的发展有赖于蔡元培，上世纪初蔡先生提出了“美育救国”的口号。当前，“美育救国”依然意义重大，它对全民审美意识的形成于发展而言意义深远。所以，以大众化教育的生力军的身份存在的美术教育的本质是审美文化与美术文化的教育。针对当前人们对美的需求不断增加的现状，作为具有社会责任感的社会教育机构的美术学院，其所培养的人才应当是顺应社会发展方向的、能够自觉审美的人才；培养的人才应当是服务于社会的美术爱好者、美术工作者及美术教育者。转贴于
现阶段，我国高等美术院校的审美教学的比较科学的途径应当是理论与实践相结合的教育方式，对学生进行的是理论知识与实践能力的双重培养。具体而言，专业理论知识培养的是学生的精神素质；而专业实践教育培养的是学生的技巧与技能，二者是缺一不可，相得益彰的。只有在既重视学生专业理论知识的学习，又重视对学生实践能力的培养的情况下，才能培养出社会所需要的合格的美术人才。
四、结语
关于美术的常识篇2
关键词：美术；经济建设；意识；美育
中图分类号：J05文献标识码：a文章编号：1005-5312（2013）21-0265-01
美术是人类精神文明的结晶。在古今中外几千年的文明史中，美术曾经愉悦了多少人的视觉，牵动了多少人的情感，影响了多少人的意志。一谈到美术，人们就会想到气魄宏大的汉代石刻、辉煌灿烂的盛唐壁画；就会想到古希腊的建筑和雕刻、意大利文艺复兴的绘画和法国近代大师的杰作；还会联想起现实和理想中许多美好的事物。几乎人人都欣赏美术、喜爱美术。美术作为一种社会现象、社会事物，它在社会中处于一种什么样的位置，同时又有着怎样的作用呢？
一、美术是一种社会意识形态，是经济基础的上层建筑
美术这种社会事物是一种相对于物质关系的社会意识形态，是建立在一定经济基础之上，并从根本上说是为经济基础所决定的上层建筑，它反映经济基础，也反作用于经济基础。
二、美术具有不同的社会意识形态的共性
不同的社会意识形态的共同性，可以用恩格斯在《致瓦・博尔吉乌斯》的信中所说的一段话来概括：“政治、法律、哲学、宗教、文学、艺术等的发展是以经济发展为基础的。但是它们又都相互影响并对经济基础发生影响。”这种决定作用，表现在美术的发生和发展上，是经济基础最终决定了各个历史阶段美术的主要内容和形式。美术一经产生，就不是消极地反映经济基础，而是要对经济基础发生反作用，而且在特定的社会经济基础改变后，旧的美术形态并不一定会随之消亡，反而会在相当长的时期内产生影响。
三、美术是一种特殊的社会意识形态
不同形式的社会意识形态同经济基础有着不同的距离，有些意识形态同经济基础的距离非常近或比较近，它们同基础的关系非常密切；而另一些意识形态同经济基础的距离则比较远或很远，它们同基础的关系也不那么直接或密切。在各种不同形式的意识形态中，有些“更高的”、“悬浮于空中的”、“更远离物质经济基础的”特殊意识形态，包括美术和文学等。
四、美术通过“中间环节”联系于经济基础
作为更高的、更远离经济基础的特殊意识形态的美术，它同经济基础的联系不是直接的，而要通过政治、法律、道德等中间环节，因此它同这些中间环节的关系是直接和密切的。人们常说：“爱美是人的天性。”随着社会生产力的不断发展和人民生活水平的不断提高，人们在物质和精神生活方面都需要更多的美。创造美的任务虽然不完全依靠美术，但是，美术却是创造美的最重要的手段。因此，美术的社会作用，归根结底地说，是与建设社会主义现代化的物质文明和精神文明密切相关的。历年来，随着教育改革的发展，心育日益受到人们的重视。所谓“心育”是心理教育的简称，它旨在培养发展学生的健康心理，从而促进其个性完善的教育。心育与德、智、体、美、劳诸育并驾齐驱，同步发展，是教育整体工程中不可缺少的一个子系统。最近，据报道，当今约30%的中学生不同程度地存在着心理障碍，并且把依赖、脆弱、焦虑、孤独、固执称为当代青少年（多为独生子女）的五大不良心理。为此，正确认识和积极发挥美术的心育作用，是每个美术教育工作者面临的任务。美术作为美育的主要手段和途径，它的主要任务不仅仅是传授美术知识，也不仅仅是美术技能的训练，而是使学生内心达到审美状态，良好心理得到培养和发展，不良心理受到治疗和矫正，各种心理功能趋于和谐，各种潜能协调发展，最后达到提高人的生存价值、体验与实现美好人生的目的。人们掌握美术这一交流手段，在交际活动中能够增强自身的群体意识和认同感。这种群体意识与认同感通过美术的中介活动，便反映为人类情感的共同性或人类精神的感召力。人一旦进入此境，便踏上了通往他人、群体、社会乃至通往全人类心灵的道路。正如瑞士心理学家荣格所说：“只有在艺术中，人们才理解到一种能允许所有人去交流他们情感的韵律，从而使人结合成一个整体。”所以艺术又被幽默地称为调节人际关系的特殊“处方”。从上面所谈美术的范围可以知道，美术不仅与人们的精神生活有关，而且与人们的物质生活也有着非常密切的关系。因此，美术的社会作用，除了体现在一般艺术作品所共有的教育、认识和审美作用之外，它还具有其他艺术所无法比拟的实用价值，那就是人类还要创造出更多、更好、更美的各种物质产品，以满足人类不断增长的物质和精神生活的需求，这在工艺美术和建筑中体现得尤为明显。现达国家迅速兴起并获得很大发展的服装设计、室内设计、工业设计、商业美术、环境艺术等新的美术领域有力地说明了这一点。
总之，美术含有音乐及诗之意味，故感人尤深。美术宁静致远，具有不可替代的社会地位和作用。
参考文献：
[1]王宏建，袁宝林.美术概论.高等教育出版社，2010.
关于美术的常识篇3
【关键词】高职；学前教育专业；美术素养
人文素养的提高对美术素养起重要的作用，学生了解美术知识及相关文学知识后，把丰富的阅历和生活经验结合起来进而提高美术方面的感受、认识、想象、审美、鉴赏和表达等方面的意识与思维能力。老师要千方百计使学生多了解和加强人文素养或全面的艺术知识和技能，学前教育美术专业学生的涵养应该是我们美术教育中需要进一步改善的重要组成部分。高职学前教育专业应重视从中外美术史、美术鉴赏、美术理论、素描、简笔画、色彩、装饰画、线描画、版画、儿童情景画、儿童国画训练等方面培养学生的美术素养。
一、高职学前教育专业学生美术素养现状研究
美术是高职学前教育专业的重要课程之一，而学生进校之前没有一点美术基础，完全处于一种茫然不解的状态。美术素养是学前教育专业学生必备的基本素养，基本的美术素养是对美术的整体所学的基本内容和一种现象有一定的了解，对美术作品创作技巧与流程有基础的理解，对美术在现实社会中的意义和作用有根本领悟。就目前高职学校的情况来看，学前教育专业美术教学具有一些问题，例如学生欠缺基本的美术常识、基础的概念理论知识不清缺乏欣赏技能、美术独立创作中缺乏感情的投入等。笔者针对这些现象，研究适合引导学前教育专业学生美术素养的培养方法。
二、高职学前教育专业学生美术素养的培养
（一）对于高职学前教育专业学生美术素养要改变传统的教学方式
守旧的美术教学中教师死板地照着大纲进行教学，会扼杀学生的学习兴趣。因此在教学过程中，美术老师不要生搬硬套美术大纲来教学。美术是一门特殊的专业，这种技艺和实操的教学，单一地依赖老师在课堂上教和做示范并不能激发学生的浓厚兴趣。而要引导学生怎样去欣赏，课外让学生自己去发现身边的美，经常利用多媒体辅助教学，播放相关的一些动画片、电影和宣传片等。让学生领会种种技法和了解历史原因，建议学校经常组织学生参观展览，邀请名家来校定期进行知识讲座，增强学生对艺术进一步的认识。这样不仅改进课本上欠缺的内容，还为他们的生活增添了色彩，也提升了他们对艺术的夂裥巳ぁR虼搜生的“学”要上升到一个新的台阶，成为美术教学过程中起重要作用的一环，能够调动学生的热情及对知识的渴望，培养他们对美术的热爱，这也是很有必要的。
（二）对高职学前教育专业美术基础知识的掌握要在能力培养中激发兴趣
美术带给人情感的愉悦是其他任何学科都无法代替的，必须要注重加强学生基础的美术知识培养，提升学生的审美技能，让学生在以后的幼儿园教学工作中能遵循儿童的特性，扩展幼儿的独创能力和创新能力。美术教育的首要任务之一是通过审美教育培育学生认识美、欣赏美、寻找灵感和缔造美的才能。学前美术教育专业课程主要由美术理论、素描、简笔画、色彩、手工制作等组成，这就要求我们对这些基础课程知识与技能掌握要非常熟练。美术史论对美术素养的综合提升有重要的影响，在以往传统的美术教育中，总是忽视美术史论欣赏课程的研习，培养的只是技能的制作者。美术欣赏是利用自己的视觉感受、生活阅历和文化学识对美术作品进行体会、想象、推断，赢得审美偃意。而美术理论就是要对美术历史有充分的认识、理解和掌握。对美术理论知识和美术鉴赏有了深入的理解与鉴别基础后，再进入绘画阶段就很轻松，这样理解性的绘画，有自己的情感在里面。经常揣摩对美的认知，才可以提升本身的艺术修养。
（三）对高职学前教育专业学生要营造良好的艺术氛围，提高审美情感
利用学前教育专业课程设置的优势，美术教学可以多元化，重视美术学科与其他艺术学科的渗入和统一，乃至可以与文学、政治进行联系。这样不但使美术学科本身发挥作用，还能够有利于多方面的学习。如美术与音乐的融合，其中能感受音乐的格律与和谐，又能感受到感情的细腻和瑰丽多姿的色彩。教师在教学中要灵活借鉴美术馆、博物馆的优秀作品进行分析，平常多举办美术展览，带学生参观大型作品展览，让学生互相学习，多找灵感和创新点。在美术素养培育的过程中要着重培养学生本身情感和外部事物之间自然联系。因此，教师需要对该专业的学生进行一定的“审美培养”，让学生足够了解幼儿园不同年龄学生的审美水平和审美要求，从而有重点地推行美术教学计划，帮助幼儿园学生产生奇特的审美眼界，强化学生的审美体会，然后关注美的本身。同时，教师要经常通过美术作品调动学生欣赏的积极性，锻炼学生独立思考的能力、跨界思考的思维方式，提高学生对艺术魅力的感知和审美情感。
（四）对高职学前教育专业学生培养要注重将美术与生活联系起来
美术教学要与日常生活联系起来，艺术来源于生活，而高于生活。生活是什么？生活就是我们平常的衣食住行。而艺术是什么呢？艺术是我们在生活中有实践的体验却有着不同的体悟，对大自然现象进行加工、提取、感悟、体会，并用艺术形式去描绘它。例如：用音乐去表现人之常情，用绘画去表现春夏秋冬，用书法去表现行云流水，总之用艺术诠释自然生活。在美术教学活动中，美术素养需要长时间的积累与训练才能达到。教师在美术课堂上可以安排形式多样的教学活动，通过种种手段的教学活动培养学生的审美能力和动手能力。从而引发学生的学习兴趣，让学生在实践中快乐学习，拓宽他们的视野。
结语
在当今日常生活中，人们对生活品位的要求越来越高，日益注重对幼儿德智体美劳的全面综合培养，十分重视对孩子美术才能的培养，因此高职学前教育专业的学生应该提升自身的文化修养和美术涵养。在培养学生美术素养的过程中，指导教师要注重培养学生本身的美术审美品位，将实际生活中的美与美术教学有机联系，注重学生综合美术素养的培养。
参考文献：
[1]王宏建.艺术概论[m].北京：文化艺术出版社，2010.
[2]程明太.美术教育学[m].哈尔滨：黑龙江美术出版社，2001.
关于美术的常识篇4
[关键词]审美教育审美体验想象力情境体验实现意义
[中图分类号]G401-014
[文献标识码]a
[文章编号]1000-7326（2015）05-0147-05
玛辛・格琳（maxineGreene）（1917―2014）是美国著名教育哲学家、作家与社会活动家，深具影响力，被誉为继杜威之后最重要的美国教育领域的哲学家、审美教育的哲学女王。她的审美教育思想对当代中国的美育教学和实践具有启发意义，可促进国内审美教育理论的突破与发展。
一、审美教育的界定
学术界认为，美学研究的是审美现象，即处于人与世界的审美关系中的现象或审美活动，审美关系乃是人对世界借助感性形式建构起来的、自由的情感体验关系。因此，美学关涉到感知、想像及其与认识、理解、感觉世界的关系。格琳即是从审美关系、艺术体验的视角来界定审美，认为美学聚焦于“艺术作品以何种方式成为体验的对象，以及它具有的影响，即如何改变人们体验自然、体验人类、体验即时即地的视角。”而“审美”是用来描述、甄拔人们与艺术作品相遇时所形成的体验方式。
格琳提出，审美教育意味着启动观看、倾听、感觉、运动的新方式，对意义进行探寻，从而进行学习与实践。审美教育具有重要地位；它不隶属于边缘学科，也非某种装饰性知识，而是个体人生发展必要的组成部分。格琳实践的审美教育并非常规的学校教育，而在于培育独特的思考力与表达力；个体从审美体验起步，进入到生动反思、不断生成的意义世界；审美教育呈现为开放的空间，尚未探索的诸多可能性，它既不是预想或量化的对象，更不是社会控制力。格琳认为，“审美教育是人类在世界上探寻更加伟大之条理的努力之一。它具有强大的动力，可推动个体寻找立身处世的根基，促使人们能冲破常规、被动、乏味所构成的‘脱脂棉’状态，警醒地进入到活色生香且错综复杂的问题世界之中。”
因此，审美教育是一项培养关注的事业，目的使学习者学会关注对象，为艺术作品赋予生命，使之富有各种各样的意义，从而培养鉴赏的、反思的、文化的、参与式艺术体验。审美教育鼓励人们以不同方式去观看与共鸣，形成新的构图，开启新视野。格琳鼓励人们与世界建立更多联系，艺术作为审美经验最集中的表达，艺术教育关注不同的艺术媒介，着重诸多艺术表达形式，运用技艺的各种方式，以及物化艺术的各种手段。艺术教育与审美教育可相互促进。艺术教育者能促成艺术作品产生，审美教育者也能为艺术探索敞开空间。因此，当人们能对自己的审美体验提出问题时，审美教育即由此产生。
二、审美体验与关注力
与国内侧重审美理论与范畴的教育不同，格琳从审美体验、问题意识与反思实践的视角从事审美教育。审美教育培养人更敏锐地鉴赏与理解艺术，审美的目标在于实现生动的审美体验，激发个体生命抒情瞬间的鲜活。在审美体验时刻，人能自由地感觉、认知与想像，刹那间觉悟本己的生命与周围世界的关联；审美还能引领人们发现新景象，使彼此孤立的部分结成整体。审美教育者首要关注的课题是：如何使学生具有更积极的敏感性与自觉性？教育者有必要引导学生感知、理解与体验各种艺术，深入内部去感受什么是艺术作品以及艺术表情达意的能力，在这种审美体验的基础上促成富有意义的领悟。
那么，怎样才能获得有深度的审美体验？这涉及到人们如何理解艺术。就艺术作品而言，它远离世俗、程式化的日常生活，有其存在的空间与世界。但它要成为真正的审美对象，则必需一种特殊的观照。当个体全神贯注进行审美观照时，审美对象就会自然脱离了日常生活与实用关系，以个体的、富有历史的、活生生的方式敞开自己。个体与艺术作品进行自由交流时，他便会意识到可能的新视角与新理解，并寻找新启示与新视野，甚至敢于为求新而冒险。格琳强调，只有通过超越凡俗的自由的行为与探索（审美观照），这一体验才能称之为审美体验。这种审美关注是一种过程，它始终在进行之中，永无止境。绘画、舞蹈、音乐、诗歌等一切门类都是为审美经验而创造的，审美体验不仅能发现不同艺术的特质，而且每次体验同一作品都会有新的发现。格琳将培养审美关注看作一项事业，激发教育者帮助他人积极地想像、思考、感受、观察，并促使其有所发现。因此，惟有当关注者愿意跃出平常的世界，以本真而不完整的人来面对艺术作品时，才能使之富有意义。
艺术的真实并非纯粹的现实，而是艺术的真实。艺术家运用不同的艺术媒介或象征系统来创造艺术，人们以纯真的个体去感知艺术作品，审美对象就产生于个体主动与艺术作品交流的过程，艺术应被理解为创造意义的模式，它们在积极地鼓动、搅动、感动着人们，使其以不同的方式体验世界。那么，人们如何通过审美体验来实现作品的价值？格琳指出，价值的实现与观照方式、对话空间、身心参与密切相关。要充分理解艺术作品，人们不仅需要积极、有见识的感知力，也需要区分艺术媒介的特质。而具备区分各种艺术语言特质的能力，则须亲身参与和体验不同艺术门类。通过这种实践，人们的理解能力便能得以丰富，并使人去接近、专注于艺术表演与创作作品，开启更多感知的可能性，觉察更多的层面，从而更有意识地生活在世界上。为了把握一个完整而独立的作品，人们还要既了解审美空间，又要保持适当的审美距离。当人们从关注作品整一性的审美方式逐渐过渡到在场的瞬间，人们感到身临其境地发挥与驰骋想像，化身于作品中，将作品人格化，使之成为自己的世界。在这种时刻，艺术作品才会融入人们的意识，人们在体验与反思中能发现崭新的模式，从而高屋建瓴地观察世界。
格琳赋予了艺术以鲜活的现实生命，揭示了审美体验中深刻的反思与领悟。对格琳而言，审美体验并非风花雪月般沉迷欣赏，也非艰深晦涩的理论表征，而是反思艰难的生存境遇，寻求与领悟世界的意义，从而促成积极有效的社会空间与声音。建构个体与作品关联的前提，即是处于现实语境的、活生生的主体。惟有这样的个体才能创造崭新的构图与关联，这种创造实质上是在创造意义。在审美体验中，位于主体前方的不仅是新的秩序，还有对意义更为强烈的探寻。个体理解、感悟的主观维度将变得活跃，艺术作品也随之活跃起来。审美教育不仅使人们对艺术的理解不断深化，还能为共享世界的自由而效力。通过这种教育而带来的感悟和充分觉醒，人们将会在一定意义上自由地寻找自己的声音。
三、想像的力量与培养
审美教育不仅涉及对艺术形式的深刻认识与理解力，还须通过直接的审美体验开启丰富、自由层面的意义，审美体验离不开想像力的发挥与体现。“杜威曾指出，‘审美’的对立面就是‘麻木’。因此，我们可以把审美教育看作致力于彻底清醒的教育――一种更加积极、敏感、热情的人类探索方式。”格琳致力于实现这种智性的愉悦，即调动意识所有层面的领悟：认知、情感、观察、意动（付出努力、发挥能量、探索超越）。目的在于寻求一种复杂的领悟或创造意义的形式，引导人们更深入地理解共享的自然和世间，并从中感到更丰富的愉悦。正如杜威所描述，审美经验包括“做出精确的分辨，辨识微妙的联系，指认象征体系……解读作品，并且在作品中认识世界、在世界中认识作品。我们的很多经验和技能被调动起来，并在审美体验的过程中发生改变。审美‘态度’是不安的、探索的、试验性的――与其说是态度，不如说是行动：创造和再创造”。
格琳特别强调想像的重要性，它是教育话语中经常被忽略的一种认知能力，然而它对于学习与生存却非常必要。想像力在艺术上是洞察力，它能创造关联，建立秩序，开启新视野，对人们习以为常的事物发起挑战。想像能让人们理解事物的特殊性，洞见其内在生命，并把握深层的意象。想像有助于培养学生学习的原动力，使之有意识地进行选择，并为选择付出行动，乐于开创与提出批判性问题。想像不仅是心理成象的能力，也是设身处地去感受情境的能力，更是创造虚构情境的力量。想像使人们在现实中开发可能性，并有所超越与创造，揭示出其他的真实。格琳认为，想像的意识有不同的阶段，教育者要激发出每个阶段的想像力。在集中关注力阶段，可使艺术作品展现出独特性和完整性。人们搁置功利、道德、历史的考量，教师可通过交谈、引导或揭示来激发、扩展学生的意识。在释放想像力阶段，学生进入充满惊奇的阅读空间，需要保持开放的心灵去探索，并置身其中。所有这一切都意味着打破局限与束缚，以更多从角度来观察世界，并且认识到世界永远是不完整的，从而需要重塑与更新。
审美教育和艺术教育的重大区别在于，前者是以过程为导向的教育，后者则以结果为导向。格琳认为，艺术教育教人如何消费，而不是如何充满感情地、真诚地面对艺术作品，应让全神贯注、充满渴求的意识为艺术赋予持久的生命。审美教育永远在过程之中，永远在探索文本，永远在寻找某种教学方式来打动人们，使其自我反思，创造意义，并改变他们的生活世界。审美体验如同人生历险，驶向可能性与不可预料的世界，赋予艺术作品以常新的生命。审美体验的关键是将学过的东西内在化并对其产生共鸣，同时也对关注的作品产生共鸣，之后就能实现一种转变。为此，个体必须运用更多语汇表达自己，以不同的视角看待事物，在凡俗世界开启新窗口。审美教育的最终目标既不是复制和背诵的能力，也不是展示精通某种技能；它需要强化意识，鉴赏力的提升。“我的目标旨在挑战想当然的、被冷待的、被束缚与被限制的东西”。格琳受萨特自由想像思想的影响，认为想像不仅是超越与否定现实的意识能力，更是积极介入行动、争取自由的手段和工具。如果教育者保持充分地开放并勇于探索，知道如何去关注、倾听、观看，有效地调动学生的感觉能力与认知能力，在实施审美教育的过程中，就能培养并激发学生用自己的方式对世界有所醒悟，并将持续醒悟。只有改变自己，并且感染他人进行转变，这才能成为真正的审美教育者，才有能力穿梭于杜威所描述的“紧迫且更加丰富的”意义王国。
四、课程设置与情境体验
审美教育的主题在于感知、想像、以及对意义的探寻。对于审美把握和审美理解而言，感知是起点和基础。它需要心理和想像的参与，艺术作品的充分呈现依赖于人们参与和把握的方式。感知包含着对某种复杂整体的直观理解，它也是一种积极的探索，探索逐步变得清晰可见的整体。这意味着感知必须脱离被动、消极、漫不经心的姿态，以活生生的、能感知的人去面对艺术。感知过程包含着一种永远看不尽的感觉，一种尚未被揭示的可能性；感知还需要一个内部品味、详尽阐述、深入渗透的过程。此时，审美体验就变成了个体意识，并照亮人们生活的世界。格琳的审美教育对教育者提出了很高的要求，教师应努力创造出激发审美体验的环境，尽力引导学生去思考不同的生活方式与可能性，继而帮助他们认识到积极的想像内部与外部视野的相互作用，在艺术作品的世界与审美体验者参与的世界之间创建出各种联系，从而探寻世界的意义与秩序。教师进行课程设置，有必要引进各门艺术课程，并结合着自身对不同文化的理解。教师须要创造出合适的环境，让学生能自由地创造自己，有创意地成为自己。
关于美术的常识篇5
1明确美术作品的种类和欣赏角度
在美术欣赏环节中，通常欣赏客体与主体发生一种审美关系。一方面，客体对人的审美感知和体验、审美能力和需要的本质特性的制约。另一方面，由于客体具有审美价值，主体对其感知与体验必定表现为评价性；客体在主体心理中的地位和认可程度，都具有主体的评价标准和情感态度。虽说评价本身不能创造价值，但审美价值必须经过评价才能被认识和掌握。美术课作品欣赏大致可归纳为三类：①古今中外名作的欣赏，如达・芬奇的《最后的晚餐》、拉裴尔的《椅中圣母》、宋代张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》，还有徐悲鸿的《八骏图》、蒋兆和的《流民图》等现代名家作品，这些作品风格各异，艺术水平很高，是欣赏教学的重头戏；②范图的欣赏，范图主要是针对某一概念或某一技法而配备，它直观明了，学生易于接受，对于提高学生的绘画知识与技能至关重要；③其他门类的欣赏，如雕塑、建筑以及剪纸、编织、印染、拼贴等工艺制作。这类作品制作精妙，具有很高的艺术观赏价值，深受学生们的欢迎。
欣赏美术作品通常可以从四个方面来引导：①艺术风格特色的欣赏，它包括画面的构图、色彩、透视、表现手法等，主要指绘画的技巧。如在《最后的晚餐》画中，画家把人物都安排在桌子的一边，全部面对观众，这种独特的构图法更便于表现众门徒的各种表情；再如徐悲鸿的《八骏图》，画家采用国画水墨技法，通过线条的干湿、浓淡、粗细、疾徐，寥寥数笔，便将马的奔腾气势淋漓尽致地表现了出来；凡高《阿尔的吊桥》，画家采用鲜艳浓烈的色彩，有力的笔触，奔放的线条，使画面给人一种明快跳动的感觉，充满了生机与活力；②画面直观形象的欣赏，也就是画面给人的视觉印象，如《最后的晚餐》画的耶稣和门徒们共进晚餐，当耶酥说出“你们当中有一个人出卖了我”这句话时，众门徒的惊异神情动态；齐白石的《虾》表现的是一群活蹦乱跳的虾在水中嬉戏争食的情趣；③与作品相关的边缘内容的讲授，包括艺术家的生平、爱好、传说、趣闻及当时的社会背景等。比如在讲达・芬奇的画时，教师可以给学生讲达・芬奇画蛋的故事，以及他刻苦研究解剖学、透视学的有趣事例；在欣赏齐白石的画时，可以讲他三十岁学画，为了画好画，在家里养了很多花鸟鱼虫，经常观察写生的例子；④对作品思想内容的挖掘，如雕塑《艰苦岁月》，表现的是长征中一位红军小鬼依偎在老红军身旁，被悠扬的笛声所吸引的感人场面。但其表现的并不仅仅是这些，作品还歌颂了红军战士在艰苦条件下不怕牺牲不怕吃苦的革命乐观主义精神，也表现出了红军战士对未来美好生活的憧憬。再如徐悲鸿的《八骏图》，画面中绝非单单表现了八匹马，而主要讴歌了那种勇往直前、战斗不息的大无畏精神，当然，像一些静物画、肖像画及一些工艺品就不必非得深究其思想内涵了。
2巧妙设疑，培养学生欣赏意识
也许因为在欣赏传统的再现性作品时，有关史料和作品内容丰富了教学内容，符合了学生追求现实意识和经验的需求，故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受，学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限，因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的，审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动，但一个不具有较强审美意识的人，往往能欣赏前者而不能欣赏后者。美术课上，学生想知道的东西可能比教师想象的还要多，如关于作品本身创作背景、艺术家的创作生活等等。引导学生了解或理解美术知识并不难，但激发学生探索的勇气、培养独立思考能力却不容易，这是引发学生创新思维的必备条件。教师在允许学生对作品有多种多样解释的同时，也应给学生提供对各种相关问题质疑的机会，因为问题是探索的开端。所以欣赏课有必要巧妙地设置“质疑”环节。
课堂教学通常有两种质疑方式：①教师问学生，学生思索、讨论并作答；②学生问老师，教师作答，可称之为学生对老师的“质疑”。两者虽然都能从不同程度上体现学生学习的主体地位，但性质上有很大不同。前者问题源自教师，是有意设问，学生的回答大部分教师可以预料，后者问题源自学生，问题本身带有自发性和不可预料性；前者学生回答与否、答对与否教师不强求，后者教师必须作答；前者是一人问全体，后者是多人问一人。从运用的角度说，前者居多；从难度来说，教师回答问题难度大。由于学生质疑的问题完全是自发自愿的，具有很强的独立性，因此教师必须做好充分的思想准备和相应的知识准备。事实证明，教学设计中“质疑”环节的安排，对学生独立思考习惯的养成起着积极的作用，对学生的个性发展和健全人格的形成是非常有效的。
3激发学生欣赏潜能，延伸学生审美意识
审美教育是素质教育要达到的一个重要目标之一，它对于培养学生的爱好、欣赏能力，陶冶情操等方面都有极其重要的意义。在欣赏美术作品过程中，学生们往往注意某个细节的观察而忽视整体或注意整体而忽视其它。通常是凭第一印象的感觉来欣赏作品，无意识属性强，受情绪牵制的随意性大。他们对作品的感受总是激动片刻、粗略领会便心满意足，未能仔细琢磨，对作品的感受能力难于在较长的时间内持续增长。
关于美术的常识篇6
关键词：美术；设计；工艺美术；意识形态
中图分类号：G613.6文献标识码：a文章编号：
研究和探讨美术、设计和工艺美术之间的关系是研究美术以及美术相关学科必须研究的课题。研究这三者之间的关系就要从这三者的概念入手。了解它们的内涵从而区别和联系它们之间的关系。下面我从三者的概念、表现形式和分类阐述这三者的区别与联系。
一、设计的概念、表现形式和分类
设计是把一种计划、规划、设想通过视觉的形式传达出来的活动过程。
设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展的最基本的活动，它包含于一切人造物品的形成过程之中。从这个意义上来说，从人类有意识地制造和使用原始的工具和装饰品开始，人类的设计文明便开始萌发了。设计的萌芽阶段从旧石器时代一直延续到新石器时代，其特征是用石、木、骨等自然材料来加工制作成各种工具。设计便是造物活动进行预先的计划，可以把任何造物活动的计划技术和计划过程理解为设计。
在设计概念的产生过程中，劳动起着决定性的作用。由于人类能从事有意识、有目的的劳动，因而产生了石器生产的目的性，这种生产的目的性，正是设计最重要的特征之一。
作为物质产品，它反映着一定时代、一定社会的物质的和文化的生产水平；作为精神产品，它的视觉形象（造型、色彩、装饰）又体现了一定时代的审美观。
一般分为两大类：日用工艺、陈设工艺。我国工艺美术品的制作较早，如新石器时代已有彩陶，商代以前已有刻纹白陶，商代已有玉器等，写实的造型和图案化的手法即表现出很强的实用性和艺术性。它们的生产，常因历史时期、地理环境、经济条件、文化技术水平、民族习尚和审美观点的不同而表现出不同的风格特色。
人类早期使用的石器一般是打制成形的，较为粗糙，通常称打制石器时代为“旧石器时代”。通过观察世界各地遗址中发现的石器，人们可以了解到人类设计概念产生和演化的过程。事实上，整个人类的设计文明就已在这里萌发了。
二、美术的概念、表现形式和类别
美术，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术。一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，前后传入中国，开始普遍应用。也称“造型艺术”。按照目的可分为两大类，即：纯美术和工艺美术两类。
这里我们可以从美术的概念看到美术的大概念包括了工艺美术。工艺美术是美术的一个分支。
美术，是以一定的物质材料，塑造可视的平面或立体形象，以反映客观世界和表达对客观世界的感受的一种艺术形式，因此，美术又称之为“造型艺术”、“空间艺术”。
在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。
美术的主要表现形式：美术是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。
美术，也称造型艺术或视觉艺术，它是运用一定的物质材料（如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等），通过造型的手段，创造出来的具有一定空间和审美价值的视觉形象的艺术。
美术通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。十七世纪欧洲开始使用这一名称时，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。
三、工艺美术的概念、表现形式及类别
实用性艺术同样包括两大类：工艺美术和建筑。目前，国内外对工艺美术这个概念的理解虽有不同的看法，但按照通常的说法，工艺美术包括了传统手工艺品、现代工业美术和商业美术三大部分。传统手工艺品如玉雕、象牙雕刻、漆器、金属工艺品等；现代工业美术（或称“工业设计”）包括一切为满足人民日益增长的物质生活和精神生活需要的适用而美观的生活用品（如花布、陶瓷、玻璃器皿、家具、地毯、家用电器等），以及现代化的交通工具和机械的造型和色彩设计；现代商业美术主要是指商品标志、包装装潢和商业广告等。建筑之所以也属于美术的范围，那是由建筑本身包含的技术科学和艺术的两重性所决定的。任何一座建筑物总是以具有某种空间形体的物质结构矗立在大地上的，这就必然有一个造型是否美观的问题。从这个意义上讲，建筑和雕塑一样是一种非常具体的造型艺术。
工艺美术是造型艺术之一。它是一种集装饰、绘画、雕塑为一体的空间性的综合艺术。工艺美术品是以美术的技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品。它是因人们的实际生活要求而产生的，与人们的日常生活有极密切的关系。
工艺美术通常指美化生活用品和生活环境的造型艺术.它的突出特点是物质生产与美的创造相结合,以实用为主要目的,并具有审美特性.造型艺术之一。以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品。故通常具有双重性质：既是物质产品，又具有不同程度精神方面的审美性。
综上所述，设计是一种有意识指导下的行为过程，是一种意识形态指导下的活动。这种行为过程包含了美术这一意识形态。而美术又包含了它的分支之一的工艺美术。因此我们说美术是包含在设计中，而工艺美术又包含在美术中。这就是设计、美术和工艺美术之间的关系。
参考文献：
[1]《中国美术史》主编：屈健宋晓峰王旭西北大学出版社
关于美术的常识篇7
中国当代的教育体系中已经逐渐开始加大了艺术教育的份额，特别是幼儿教育阶段，基于幼年学生的年龄、兴趣和认识水平条件问题，美术教育占有着非常大的比重，此后的小学、初中再到高中、大学的各阶段，审美意识培养的美术课程虽然相对而言有着比重的不同，但是仍然贯穿始终。纵观整个阶段的美术教学课程过程可以发现一个相对简单的教学规律：只有不断提升日常教学过程中的教学实效性，才能促进青年学生的审美观念提升。而审美观念和趣味的提升是“授人以渔”的重要问题，这对青年人而言远远要比学会某一门专业绘画技巧重要得多，因为它直接关系着“人之所以为人”的宏观命题以及学生成长之中人生观与价值观的建立。但是我国的中小学美术教育和大学美术教育却存在一定的区别，这种区别主要体现在中小学的美术教育往往还作为必修的美术课程，到了大学阶段则其重视程度明显降低。当前的大学教育中美术课程都是作为学生的选修课程来设置，不仅份额小，而且受轻视，这样就导致大学美术教育没有受到应有的重视。大多数高校学生都认为大学中的美术课程只是作为选修的参考课程，只要能够拿到相应的学分就可以了，没有认识到大学阶段中美术教育的重要意义所在，没有认识到审美观念的培养在个人成长和民族素质提升中的重要意义。可以说，“不重要”是导致高校教育中美术课程没有受到重视的一个根本原因。于是青年学生在大学阶段几乎失去了在美术教育与日常生活的结合中培养和建立个人审美观念的重要时机。所以说，中国当前的教育体制中，大学美术教育在一定意义上尚未得到政府、高校、教师以及学生各个方面的积极重视。这是当前大学教育当中美术教育的一个困境所在。
二、提升青年学生的审美观念和审美趣味是大学美术教育的根本所在
1925年，史学家陈寅恪先生回国并在清华大学任教。他在王国维的碑铭中提出了自己对于理想人格与学术精神的标准：“独立之思想，自由之精神。”这是在民国的时代背景中，知识分子对于独立和自由的渴望，这是中华民族近百年一直传承的最为宝贵的人文精神。而在当下这个全球化的社会里，对于大学生来说，进入高等学校有两件重要任务：第一，充分学习科技文化知识，认知真理；第二，在学习的过程中塑造独立的、积极的、健康的人生观和世界观。对于当前的社会人才培养而言，审美观是继人生观的培养之后不可忽略的重要素质。
三、大学美术教育在提高和塑造学生审美观念方面的可行性策略
尽管当前的高校教学中，美术教育尚未引起充分的重视，但是仍然应该看到大学美术教育的积极作用，在提升学生审美观问题上大学美术教育还是已经扮演了重要角色。
1.立足多元化的社会价值取向，着重塑造学生的传统文化观念和审美趣味。近百年的中西文化思想在交互中冲撞和杂糅使得中国社会的思想意识和人文精神出现了前所未有的复杂和多元，其中教育尤其显现出了在与世界接轨中对于西方和本土精神的取舍和侧重的两难之间出现的尴尬，而最终本土的、传统的文化精神渐渐被忽略和遗失。但是与科学技术的学习和效仿不同的是，文化精神的根本是地域和思想，绝非可以效仿其他民族的。所以近百年的文化艺术或者说由之而来的审美观念培养一直是中西结合的教育缺失，这种缺失的结果就是科学技术高速发展的同时，文化艺术和社会审美与之发生断裂，而这是一个国家、一个社会文明程度的重要标志。所以，青年学生审美观念和审美趣味的提升是这一代人的整体素质的提升。
2.利用现有社会文化资源和信息平台，丰富学生的视知觉信息和审美渠道。大学美术教育和中小学美术教育在培养方式和培养目标上存在着很大的差异，中小学美术教育侧重于直观审美感受的传达，而大学美术教育则重在建立学生审美观念和提升学生审美趣味，尽可能塑造学生的审美感悟力与创造力。尽管从一定意义上来说，不同阶段的美术教育在培养学生审美观念上存在共性，但大学美术教育阶段，学生的年龄特点使他们已经有了成熟的理解力和个性化的感受力，所以这个阶段的美术教育要让学生充分认识到社会的文化艺术特点与时代变迁，本土文化艺术与世界文化艺术的异同、优劣与个人化的取舍，进而建立自身的审美观念。具体的方式是让青年学生通过美术作品来了解艺术本体知识，更重要的是通过美术作品了解不同的社会、文化和思想，了解美术作品传达出的审美内容和审美规律。同时，还应该看到目前高校美术教育中的一个普遍问题是很少在大学生的日常生活中加强审美教育。这就需要高校美术教师在教学过程中充分利用博物馆、展览馆以及画廊、工艺品工厂、市场等历史文化与社会文化资源，将大学美术教育与历史文化感知和实际生活应用有机地结合起来，引导和培养青年学生在生活中具象地建立自己的审美观念和审美趣味，这是当今大学美术教育的关键所在。
3.审美意识的培养应在大学美术教育课堂和日常生活中同时进行。大学美术教育通常采用的教学方式是美术技法传授或者美术作品欣赏课程。诚然，这种传统的教学方式在资源相对匮乏的条件中有着它的合理性和有效性，但是就当代社会的情况而言，则逐渐显现出了它的忽略社会资源与结合实际生活方面的狭隘性。所以，今天的高校美术教育需要积极思考和发现具有当代性的美术教育教学方式，有效地引导学生建立具有时代意义的审美观念和审美趣味。学生通过美术课程不仅能够了解美术在实际生活中的积极意义，而且通过美术的学习认知了解历史文化，了解时代艺术趋势，进而塑造和建立审美意识。青年学生审美观念与审美趣味提升的有效途径是充分重视和合理规划高校教育中的美术课程，要在课堂教育的同时将美育合理贯穿于大学生的日常生活中。大学美术教育不只是在课堂上通过欣赏分析来传授美术知识，因为对于大学生而言，审美意识的培养绝不是在短短两个小时的课堂教学中可以做到的。大学美术教师除了要能够在课堂上通过美术知识引导学生发现美、认识美、分析美，积极引导学生建立审美观念外，更重要的是在课堂之外的生活中尝试灵活有效的教学方式。无论在课堂上还是在生活中，应该清楚地看到，审美观念的培养与审美趣味的建立是大学美术教育的关键所在。目前而言，具体的教学方法和教学内容的建立完善是需要教育界共同关注和探讨的问题。
四、结束语
关于美术的常识篇8
关键词：小学美术；欣赏教学；意义
美术欣赏教学旨在最大限度地满足学生对美好事物的追求，不断在教学课堂上提高学生的审美情趣，提高学生的审美素养和综合素质。
一、学生欣赏心理以及欣赏习惯的一些弊端
1.儿童对于五彩斑斓的色彩有天生的好奇心，所以要巧妙抓住学生这一心理特征，激发学生学习美术的欣赏兴趣。例如，在画板上勾勒出一些蓝天、白云和红花来吸引学生的注意力，这种五彩缤纷能够使学生保持愉悦的心情，对于课堂上所教学的知识也能欣然接受，一些色彩鲜艳的颜色往往最能吸引学生，所以美术教师应当采用一些类似彩色图片的辅助教学工具来进行教学，成功地将学生的目光吸引到课堂，有助于教学工作的开展。
2.学生在欣赏美术艺术品的时候，因其年龄特点与所学知识经验的局限性，常常会忽略对一些细节的观察，不能全面认知事物的整体。例如，在教学中发现一年级学生在学习《美丽的天空》时，在天空中他们会被色彩斑斓的颜色吸引，以至于忽略了天空中飞鸟和随风飘向远方的气球。
3.美术教师在教学实践中，常常发现学生在欣赏过程中，往往是凭借第一印象来欣赏艺术作品，受主观情绪影响较大，对于作品的认知比较片面，尤其是当学生初次接触艺术作品的时候，开始热情高涨，欣赏过程走马观花，还没来得及仔细观摩，热情就已经不再，不利于培养学生对于作品的感受能力以及感悟能力。
二、实施欣赏教学的相关策略
对上述，学生的一些欣赏弊端，美术教师应当在教学实践中采用科学有效的教学方法。
1.民族气节激励学生
在教学十一册建筑方面的内容时，首先在课堂上出示我国一些古建筑图片，例如，故宫、长城等，成功地把学生的注意力吸引到课堂上，直观地感受建筑的艺术特点，让学生受到美的熏陶，进而提升他们的民族自豪感。这一章节的教学目的是为了能够让学生了解建筑绘画的三要素，掌握中西建筑特点的不同，进一步引导学生了解古代的灿烂文明，提升他们的民族荣誉感也是一大教学收获。
2.巧设情境，吸引学生
美术教师在日常的课业中穿插欣赏教学，例如，美术教师在教学《东北大秧歌》时，美术教师可以把提前准备好的一些例图和一些关于东北大秧歌的资料展示给学生，例如，现在比较流行的宋小宝在荧幕上的搞笑图片，告诉学生宋小宝的东北二人转跟东北大秧歌的渊源。成功吸引学生的注意力，顺势引入在课堂上让学生进行小组讨论，自主地去分析东北大秧歌的艺术特点，让学生在学习本节知识点的时候能够更加深入的了解，同时也让学生了解我国民间曲艺的悠久历史。
3.德育渗透，教化学生
其实，诗词跟画有着共同的特性，它们都是作者思想感情的载体，画家将对于生活的所思所想，全部体现在画中，学生欣赏这样的艺术品，可以收到来自画中情感的熏陶，提升他们的思想道德意识，以及综合素质的提高。
例如，在教学《妈妈和孩子》这一板块知识时，美术教师可以用一首《世上只有妈妈好》来导入课堂，成功地把学生引入课堂之后，可以给学生欣赏一些关于母爱的图片，美术教师巧妙抓住时机，引导学生在课堂上讲述自己跟妈妈的实例，让学生深切感受来自母亲的关爱，这样温馨充满爱意的课堂，巧妙地将德育渗透。不仅能让学生掌握本版块的绘画技巧，还能将课堂生活化，激发学生对于母亲的热爱之情。
4.辅助工具的辅助功能
学生的年龄一天天增长，由于他们的年龄特点和心理特征，学生对于美好事物的追求变得更为强烈，小学美术教师应当最大限度地满足学生对于美好事物的需求，美术教师可以在课堂上借助多媒体经常为学生播放一些跟教学相关的视频或者电影片段，这些更能引起他们的兴趣，例如，在教学《中国龙》的时候，用事先准备的关于龙的视频，播放出来，让学生感受龙的神秘与庄严，龙的气息扑面而来，有利于学生对于龙的文化、龙的外貌特征以及跟龙有关的寓言故事和传说有更深的了解，知识变得更形象化、具体化，能帮助学生更好地掌握绘画龙的技巧。
总之，小学美术教师应当抓住学生的欣赏心理，将美的事物带入课堂，吸引学生的注意力，提高他们的学习兴趣。美术教师应当在教学实践中不断改进教学手段，培养学生良好的欣赏习惯，学生通过欣赏作品能够透过艺术品的表象，发现其“艺术闪光点”，提高学生的审美情趣，传承文化文明。
参考文献：
关于美术的常识篇9
美术是要教会学生发现美、欣赏美，而美术设计意识的普及则给学生一种创造美的意识，即便不是每个学生都要成为艺术设计家，这些美术设计意识也会使他们以后的生活充满着美的创造与美的享受。在韩国、德国、日本等这些经济比我国发达的国家，他们的人民对美术设计意识就很重视，德国管理经济的前联邦部长格罗斯曾表示他们国家“三分之二的14岁以上的人理解设计并积极参与设计活动”。而我国人民的设计意识却非常薄弱，几乎没有，在中小学当中也没有对美术设计意识给予太多的重视，这就使得我国的美术设计意识长期落后，长期处于“亚健康”状态。新课标指出，现代设计艺术的基本规律及其在提升生活质量中的作用，需要通过美术设计教学来让学生了解，美术教学中的美术设计教学也可以让学生认识日常生活与设计的关系，也能掌握一些基本的美术设计知识、技能与方法，建立初步的设计意识与设计观念；提高学生的劳动素质与综合素质，也丰富学生的生活情趣，发展探究与创造精神，并继承和弘扬我国优秀的传统手工艺。同时，根据国外对学科教学的长期研究，在对学生的培养与教育过程中，要注重学生的个体差异性，重视个性发展的多样性以及教学的多元化。美术设计课可以打破传统的教学方式，在设计的过程中也能充分体现学生的个体性，是个性化教学的良好策略。
2培养学生美术设计意识的策略
美术设计的教学是一种实践性的教学形式，而对学生美术设计意识的培养也需要在这种实践的过程中进行。既然是培养学生的美术设计意识，那么美术设计课的教学当然是以学生为主体，至于如何在设计课程的学习中让学生树立起美术设计的理念，具备美术设计意识，笔者认为有以下切实可行的方法。首先就是教会学生美术设计的基本知识。在进行美术设计课的教学时，教师要让学生明确美术与设计之间的关系，进行美术创作的人需要的是在灵感冲击心灵的一刹那及时把它抓住，并以艺术的形式表现出来；而美术设计不但要有美术的灵感，而且还要具备设计者所具有的理性思维以及动手能力。第二是带领学生做生活的有心人。在高中美术课程中进行“设计”环节的教学时，要引导学生培养自身的观察能力，能够善于发现自己身边事物所包含的设计匠心。在新鲜事物层出不穷的今天，想要发现生活中包含着设计理念的事物还是很简单的事情，最常见的就是我们睁眼就能看到的广告。广告充斥着我们生活的每一个角落，有些广告匠心独运，设计得让人百看不厌，有着很深的艺术内涵，而有些广告却低劣不堪、俗不可耐。教师对设计理念的教学就可以首先从广告开始，让学生留意观察并思考自己常见的广告，并对其中的设计原理、主导思想提出自己的见解。学生在经过一段时间的观察之后，一定会在设计上有着自己的想法，甚至还能以自己的想法设计精彩的广告或者唯美的塑像。第三是把美术设计的作用与实际生活联系起来。设计的目的常常是为了生活服务，美术设计也能处处体现于我们的生活当中。在美术设计课上，为了强化对学生美术设计意识的培养，教师应该把美术设计与生活相联系。比如对自己卧室的设计，书桌、床等家具如何摆放，窗帘、床单以及墙壁等的颜色如何搭配，如何为自己营造更为温馨的生活、休息的氛围等都是日常生活的设计问题，教师把这些问题置于学生面前时，美术设计的意识也就悄然渗透到他们的生活当中了。第四就是鼓励学生动手设计。只有在实际的动手操作过程中，徘徊在他们脑中的设计理念才能以实物的方式展现在他们的面前。他们在动手设计或者画设计图的时候，才能将设计的意识更为深刻地融入到自己的思维意识当中，美术设计意识才能够逐步成为他们生活中的一种习惯。
3培养学生美术设计意识的意义
关于美术的常识篇10
关键词：视域学科；美术学；研究
跨国别的美术研究中，不能只是从中西方的美术中进行相互比较，要逐渐重视中西方美术学视域地位，对比国内外民族之间文化不同，可以是对一个民族美术历史文化研究，侧重对于比较美术学的范畴研究，不同的民族和国别之间美术研究都是相互融通的，有很强的共性存在。
一、美术与宗教的跨学科研究比较分析
纵观人类发展历史，可以看出宗教和美术之间关系非常密切，很多时候美术学来自宗教学，美术学和宗教学之间紧密联系是肯定的，人类美术和宗教之间有非常深的关系。比如中国山水诗应用而出的山水画，和西域传统宗教都有必然联系，宗教对于中国山水画影响也是非常明显的，受到儒释道影响因素也非常明显，同时也体现了宗教边缘补充和整合，最经典的就是中国石窟艺术，就是非常典型的宗教艺术，分为石刻和壁画，这些都是为宗教服务的，也充分显露了宗教和艺术之间相互融合关系。
美术和宗教具有天然关系，比如巫术和宗教是一体的，巫术也是原始宗教仪式活动，这些都有宗教精神物质载体，巫术活动从外在的行为方式超自然的精神力量，促进了美术创造力，促使美术研究逐步推动美术学发展。
二、美术和哲学之间跨学科比较方法研究
哲学主要是将事物物理本质进行抽象化研究，是表现事物本质关系，和美术学研究方式不同，美术是一种形象思维模式表达，通过作者对于美的认识进行客观表达形式，有很多表现形式和手法，美术一直都是属于一种审美意识形态研究。美术学和哲学之间区别非常明显，主要是形象性和抽象性问题，哲学描述具有一定绝对抽象性和形象性，非常不同于美术学，美术学是生动和具体的，形式上的哲学对于美术有着非常重要影响，哲学思想可以很好帮助美术创作进行更加丰富创作研究，提供一定建设性的思想主题，帮助美术学从形象思维逐步到理性思维跨越。一个美术家的思维方式直接会表现艺术作品中，同时一个非常有哲学思维的艺术家更是非常有内涵的美术家。
美术是一种形象思维艺术，美术家从事美术创作需要注入大量的理性思维，作品主体思想表达需要人的精神，社会现实问题都需要理性思维，具体到如何表现就是形象、色彩和构图等，一个美术家思维方式需要理性和感性相互结合，更需要一定哲学观点。中国美术学和哲学之间关系非常密切，绘画先布众色，再根据意向对于绘画整体把握绘图，老子道主要就是哲学最高概念，以形媚道就是中国山水画性质最早界定，中国绘画追求的是虚静、淡泊和平远美学精神，这些都是受到老庄哲学思想影响，本质上是完全一样观点，艺术家由此也成就了艺术作品，庄子也由此成就艺术的人生。
三、美术和考古民族学之间研究分析
随着社会进步和发展，科技和人文学科研究也得到非常深远发展，各个学科之间分工也更加细化，民俗和考古学之间有着非常紧密联系，同时也取得了非常好的发展，整个美术研究一直都是走向丰富多彩程度，研究也越来越深入和多样化，从考古研究可以很好对于古代美术学做系统研究，提出非常新型美术学考古理论，美术民俗是今天民俗美术学研究主要方法，主要表现是美术和民俗之间关系。
很多研究都表明考古学和美术学之间相互补充关系，一种相互印证关系，美术学要深入研究，需要考古学支持才可以，同时美术学和考古学是相互联系和相互影响的，考古发现的新问题都可以通过美术学理论知识得到一定解决，从而很好推动考古发展。相反考古研究可以很好丰富美术学理论体系，美术学研究要借助于考古学理论方法才能进行，对于美术学研究要结合考古学进行，二者之间是相互推动和相互作用关系。
四、美术学和文学诗歌之间比较研究
美术学和文学诗歌之间一直都是相互渗透和补充的，文学史上的流派和美术史上流派是相互联系的，主要表现形式有现实主义、浪漫主义、象征主义和表现主义，这些都是文学诗歌和美术之间艺术流派表现形式。
中国美术史关于诗歌和绘画之间也存在一定定律，苏轼以为绘画和诗歌本来就是一体不可分割的，书画同源，王维也强调中国山水画和诗歌有着必然联系，诗歌，志之所在，诗歌和绘画都是源于心，绘画是视觉的，诗歌是听觉的，绘画写的是物体外在想象，诗歌表达的是内在思想主题，诗歌和绘画相互结合，可以很好达到一定艺术手法。中国文化中对于传统艺术表现手法非常侧重，美术和诗歌相互都可以很好描述事物的美。
五、结语
综上所述，跨学科研究是中西美术学比较必然，需要中西美术跨学科研究学者共同进行，跨学科研究是以美术为中心，将相互之间联系做到非常深入研究，比较形式上关系，揭示和相互印证对比，构成了美术和别学科的多纬度思维，跨学科拓展中西比较美术学研究，可以很好对于研究空间和领域进行一定分析。需要指出的是中西比较美术学研究是美术学研究重要工作，以美术为中心研究其他学科和美术学之间关系，可以直接表现美术和其他学科之间相互吸收、借鉴和联系，跨学科研究也是中西比较美术学史学科很好定位。
【参考文献】
[1]李倍雷.比较视域中跨学科的美术学方法研究[J].设计艺术（山东工艺美术学院学报），2008（05）：65-68.