艺术创作的意义篇1
在拉里•里维斯的架上绘画里常常会见到多种风格与技法汇集在一个画面中，比如运用古典主义的写实方式与单纯的线描或拼贴方式杂糅在一起构成一幅绘画作品，或是通过对于边缘线的不同处理方式给人在平面使用拼贴的错觉(有的是真正的拼贴，有的是画出来的拼贴效果)等等。观者在似乎随意的处理方式中寻找到了另一种观看的乐趣，形象的叠加压平了画面的空间感，使空间交织在一起。他与大卫•萨利在架上绘画上都运用了比较多样的技法，有时一幅画面上同时出现古典技法、广告画的技法以及一些文字等元素。大卫•萨利异质混成的绘画作品显示出对大众传播媒介的强烈兴趣。既有抽象意味又包含自然主义的写实技巧。他的绘画作品主题来源广泛，有用严肃艺术中的素描等基础造型材料的，也有从艺术史中寻找的意义深刻、难以理解的绘画符码的。他同时也借用色情杂志作为图像来源，将这些主题相互重叠地加以描绘，比如在扩散的背景上再勾勒人型。
现代人和现代文明令人迷惑的视觉信息组成了大卫•萨利的代表性图解。他的绘画结构极为复杂，但是多种绘画元素在集结时都达到了较好的统一，同时作品也产生了新的视觉语言。给观者耳目一新的视觉感受。如果生活已经不同，艺术也就不同，那么实现艺术的手段也会不同。综合已经成为风格。
与集合概念有关的当代视觉艺术样式
除了被命名为集合艺术的艺术形式之外，还有很多与集合概念有关的当代视觉艺术样式，它们是贫穷艺术、合成摄影、达达、新达达、高科技艺术、矫饰摄影、摭拾物、极限主义、波普艺术、废品雕塑、拼贴画、装置艺术、弗鲁克萨斯等等。合成摄影是明显运用了集合概念的艺术类型，是一种平面的拼贴。它把两个或两个以上不同影像组合在一起形成另一幅单独的照片，产生的影像可以是现实的或幻想的。实际上，无论是多次曝光还是多次印片，或合成印片或是将几张照片剪切后进行拼贴，都是对集合概念的运用。
在最终完成的摄影作品里，其效果都是对多个影像元素进行挪用、拼贴、叠印或复制的结果。它在反映集合文本特征的同时，重组了一种新的不着实际边际的荒诞作品。比如:玛丽•贝尔于1968年创作的照片合成作品《北太平洋的时间》拼合出离奇的自然景象;大卫•霍克尼于1982年创作的照片合成作品《我的母亲》把照片分解以后重新组合使作品呈现出错位的空间感等等。此类例子不胜枚举，它们都运用了集合这一技术手法来创作作品。合成是此类摄影的创作手段，同时也是艺术语言的组成部分。合成摄影较为集中地体现了后现代艺术中诸如:挪用、移植、复制、集合的修辞策略。在观念艺术中，有很多艺术家采用的手法是用照片分解后的再组合来做作品。比如法国的克里斯坦•波尔坦斯基于1990年制作的由照片，金属抽屉、盒子、串联灯组成的名为《骨灰盒》的装置作品，运用了纳粹集中营的犹太儿童照片、暗淡的夹口灯光、铁饼干盒，并置构成了巨型的装置，将无辜之死的悲剧感引申在单纯的罪恶控诉之外，给予观者一种宁静、和平的宗教性敬畏。
“新达达有时是对后波普解构装置及20世纪70年代后材料性质的观念艺术的泛称。新达达主要指涉琼斯与劳森伯格的作品。”
其中劳森伯格的作品运用废弃物与摭拾物来创造“拼合的”杂种绘画/雕塑。在他的作品中，我们能够很清楚地看到达达思想的沿袭所产生的影响。他使用现成物与立体派惯用的粘贴技巧，那介于集合艺术与绘画之间的复合绘画即是对集合技法的平面的运用。
装置艺术与摭拾物的区别很小。如果要严格地区分它们，不同之处就在于装置艺术可以自创材料而不仅仅是堆砌现成的材料。装置艺术强调作品特定的空间性。全部要素或部分要素的汇集，给予作品另外的含义。当杜桑把自行车轮与四脚圆凳组成名为《自行车轮》的作品时，物体本身失去了其本来语言学上的含义，符号被独立出来，不再与物质相联系，它被唤起，被赋予新的意义。这也是装置艺术的意义之一。在形式上，图片、视像及各种方式本身，成为一种形式的集合，而集合本身成为一种言说方式，成为表现本身。
在废物雕塑的概念中，有人曾提到它是由工业残碎及废物集合而成的作品，根源仍然是立体派的拼贴与组构。“废物”是其材料特征，废物雕塑与摭拾物的差别，仅仅也在这一点。实际上无论是装置艺术还是摭拾物、废物雕塑，它们都利用了现成品，都赋予作品不同于材料本身含义的作品意义。包括在极限艺术、叙述性艺术中，都可以看到类似手法的运用。例如:德国艺术家伊娃•海斯创作的极限主义装置作品《关联》就采用了并置集结的创作方法;美国的爱德华•金霍尔兹与南茜创作的由综合材料制作的作品《阁楼7号》也运用了集合技法，而且在这里集合起到了在艺术语言中脱离符号与物质的作用，不是仅仅作为一种技术手段而存在。
在女性艺术中，也有运用集合概念的作品。最明显的就是日本艺术家草间弥生用那铺天盖地的圆点和生殖象征物的堆积所组成的作品。集合的互异性或无序性的特征，在身体艺术中也有表现。比如美国艺术家凯•朗1992年用树脂玻璃挤压人体而制作成的摄影作品《美国身体》，不同的人体挤压着并且被压平似的贴在玻璃上，不同的状态放在一起给人强烈的变异感和压迫感。还有君特•布鲁斯1965年名为《自画•自创》的作品，在记录了艺术品形成的全过程的同时，每个图像都成为一个元素，将这些元素组合在一起，才成为一个完整的作品。
艺术创作的意义篇2
文艺工作是党和人民事业的重要组成部分，在党和人民事业发展中走过了不平凡的光辉历程，取得了前所未有的历史性进步，积累了丰富的宝贵经验。系统回顾和认真总结党领导新中国文艺工作正反两方面的经验教训，我们就会发现，制定和实施正确的文艺方针，是推动文艺工作科学发展，社会主义文艺事业繁荣发展的根本保证。当前，我国文艺工作必须要坚持“二为”方向和“双百”方针，弘扬主旋律、提倡多样化。作为在基层从事医院工会工作的行政人员，笔者认为:在日常工会活动中，我们应该毫不动摇地坚持正确的文化艺术方向，这对做好新形势下的工会工作和文艺工作具有重大的指导意义。随着十的胜利召开，我国进入了以为总书记的第五代领导集体，在新的历史时期，党中央对工会工作也提出了新的要求。要想通过文化艺术活动创新医院工会工作，一定要适应社会的变化，积极响应党中央的号召，跟上时代的步伐。2013年是我国工运事业发展进程中极其重要的一年。两次就工会工作发表重要讲话，对工会工作提出了重要的论述精神:“让职工群众真正感受到工会是‘职工之家’，工会干部是最可信赖的‘娘家人’。”中国工会第十六次全国代表大会胜利召开，制定了下一届的工作计划。近期，全国总工会领导带队赴各地宣讲党的十八届三中全会、系列重要讲话、中国工会十六大精神。其中，全国总工会副主席、书记处第一书记陈豪在石家庄宣讲报告会上说:“牢牢把握全面深化改革的指导思想和总目标，牢牢把握中国工会十六大的精神实质，就要坚持工会工作与党中央保持高度一致，把广大职工紧密团结在党中央周围;要把工作的出发点和落脚点都放在全心全意服务职工上来，落实到职工身上。只有这样，广大职工才会‘认’工会，才能在工会组织的引领下，坚定地跟党走。”揭示了工会发展的本质。医院工会工作做得好不好、有没有取得明显成效，关键看有没有坚持正确政治方向。坚持正确政治方向，就是要坚持中国共产党领导和社会主义制度。工会是做工人阶级工作的，而工人阶级是我们党最坚实最可靠的阶级基础。只有坚持党的领导，工会工作才能方向明确、不走偏路，才能做得有声有色、扎实有效。医院工会要永远保持自觉接受党委的领导这一优良传统。要坚决贯彻落实党的大政方针和决策部署，自觉服从服务于党和国家工作大局，坚持中国特色社会主义工会发展道路，勇于实践、勇于创新，努力使这条道路越走越宽广。
2加强文艺组织建设是创新医院工会工作的实际需要
要想进一步创新医院工会工作，深入贯彻落实文化大发展、大繁荣的要求，一定要抓好文艺组织建设。一方面大力发掘培养本单位具有艺术特长的职工，鼓励他们投入到工会工作中。另一方面也要加强对外交流，多邀请外单位的或者外市、外省的艺术家来讲学，提高单位职工的艺术修养。还可以每季度的召开研讨会，无论从艺术方面还是专业技能方面，只要是职工喜欢的主题，都可以进行研讨，这样既使职工切实的受益，又增进了彼此的感情。我国《工会法》中明确说明:“工会负有组织和教育职工依法行使民利，发挥主人翁作用，维护全国人民总体利益，维护职工合法权益，发动和组织职工完成生产任务和工作任务，组织职工参加企业事业的民主管理和民主监督，提高职工思想政治素质和文化技术素质等等职责。”可见，想要更好的创新医院工会工作，必须加强工会的组织能力，只有这样，才能更好地把员工组织起来，一方面维护广大员工的切身利益，另一方面调动职工的工作热情，为医院的发展贡献更多更大的力量。要想加强医院工会的文艺组织建设，一定要坚持解放思想、以人为本、科学发展的工作思路和方法，深入把握的“中国梦”精神内涵。进一步加强医院工会的组建和职工入会工作，一定要做好职工入会工作，抓住薄弱环节，努力夯实医院工会工作的群众基础。一是在增强职工的会员意识上下功夫。通过对职工的宣传、引导和服务，增强职工入会的热情和内在动力，把上级推动建会与职工自觉入会结合起来。此外，还需通过切实可行的工会服务，增强工会组织的吸引力。二是在建立工会工作制度上下功夫。通过建立健全会员代表大会、会务公开、工会干部述职、会员民主评议领导班子等制度，吸纳会员代表参与工会日常工作，不断增强会员的责任感和归属感。三是在依靠会员开展工会活动上下功夫。通过深入开展建设“职工之家”等活动，发挥会员建家、评家、管家的作用，开展职工喜闻乐见的文体活动和服务职工群众的互助互济活动，积极营造健康向上的医院文化，使职工在活动中受教育、得实惠、获发展，为开展医院工会工作奠定良好的群众基础。最后，抓住关键点，夯实医院工会工作的干部基础。一是不断推进医院工会群众化、民主化进程。保证医院职代会的选举工作切实体现党的领导，切实保证工人阶级和工会组织的团结统一。医院工会每年组织会员(代表)对工会主席、副主席进行民主评议，经评议为不称职的，报经上一级工会批准，会员(代表)大会有权罢免其职务。同时，对民主评议中工作成绩突出的工会干部，报请院党委批准，年终从工会经费中拿出一定的资金，进行奖励，以增强工会干部的荣誉感和责任感，在院内形成工会干部争着当、工会工作争着干的良好局面。二是以建立健全教育培训制度为突破口，不断推进医院工会干部的知识化、专业化进程。
3提高工会的文艺服务能力是创新医院工会工作的关键环节
有许多人认为工会的工作就是“打牌照相，吹拉弹唱”，轻轻松松。其实则不然，工会实际上有很多工作，但归根结底就是为职工提供服务，如帮职工进行工资协商、为职工提供法律援助、组织职工参与民主管理、为文艺活动提高保障服务等。医院的工会工作想要从文艺方面创新，一定也不能脱离了为职工服务的根本工作。笔者对此有以下几点看法:第一，深入开展群众性文艺活动。以“病人为中心、以提高医疗服务质量为主题”，广泛开展“服务广大患者”为主题的征文比赛、歌手比赛、话剧比赛等活动。第二，在单位积极营造文化氛围。深入贯彻落实“创优争先”活动，营造良好的文化氛围，通过一系列的文化活动，激发职工热情，调动职工工作积极性，提高广大职工的学习能力、创新能力、竞争能力，更好地推动医院的文化建设。第三，充分调动广大职工的主人翁精神，保持和发展工人阶级的先进性。做好劳模先进人物的培养、选拔和宣传工作，积极帮助劳模解决实际问题，充分发挥先进人物的示范引领作用，用文艺作品来传递正能量，为医院发展凝聚强大的精神力量。第四，职工思想政治工作和职业道德建设应常抓不懈，结合医院实际，在加强医德医风建设中，应把培育职工爱岗敬业精神作为首要任务，培养每位职工对医院的感情，努力将职工队伍建设成为一支具有良好职业道德、现代科学文化知识和严格组织纪律的队伍。
4维护职工切身权益是创新医院工会工作的根本要求
我国工会的基本职责就是维护职工的合法权益。《工会法》中明确规定:“中华全国总工会及其各级工会代表职工的利益，依法维护职工的合法权益。工会在维护全国人民总体利益的同时，代表和维护职工的合法权益”。这些都进一步突出和强调工会维护职工合法权益的职能。当职工的合法权益受到侵害时，如克扣工资、随意延长工作时间、不提供安全保护等情况时，工会可以代表职工与企业、事业单位交涉，要求企业、事业单位采取措施予以纠正。同时，企业、事业单位应当予以研究处理，并向工会做出答复。拒不改正的，工会可以请求当地人民政府依法做出处理。那么，如何更好地维护职工的切身利益呢?笔者有以下几点看法:第一，抓住规范运作这个关键环节，积极推行以职代会为基本形式的职工民主管理制度，切实落实职工的知情权、参与权、评议权、监督权和决策权。医院重大事项必须经职代会审议通过，在医院绩效考核、岗位设定、岗位津贴的发放等方案制定中，充分考虑职工利益，坚持向临床一线倾斜，切实保证职工收入随着医院社会、经济效益的提高而逐步增加。抓住监督权这个关键环节，配合院务公开的执行，监督落实院务公开做到真公开、全公开、常公开。抓住预防预警这个关键环节，协助行政做好职工劳动保险、劳动保护工作。抓住学习教育这个关键环节，对职工进行思想政治教育，组织职工学习党和国家的方针、政策，鼓励和支持职工学习文化科学知识和管理知识，不断提高职工的思想素质，业务能力。第二，要坚持提高工会组织维权能力与提高职工自我维权能力相结合。做好工会维权工作，必须提高两个方面的维权能力。一方面，从建立评价考核机制和维权保障机制入手，着力增强医院工会干部的维权能力。要建立同级党委、上级工会考核与职工群众评议相结合，以职工群众的意见为主的考核评价机制，对在工作中做出突出成绩的工会干部给予表彰奖励，对维权乏力的工会干部进行通报批评、责令改正。要建立维权保障机制和维权保障基金，对因履行维权职责受到打击报复的工会干部应提供法律援助和经济支持。另一方面，要从提高职工法律和政策水平入手，不断增强职工的法制观念，增强职工的自我维权能力，以合法有序的方式表达其利益诉求。第三，要坚持医院工会维权与地方工会维权相结合。在加强医院工会维权机制建设、增强医院工会干部维权能力的同时，必须注重发挥产业工会(教科文卫工会)的作用，帮助医院工会解决维权工作中遇到的难题。
5总结
艺术创作的意义篇3
论述艺术家的修养与情感在艺术创作中的作用和意义，必然要涉及到对艺术的本质、艺术的审美本质、普通情感与艺术情感的概念。对艺术家们修养与情感的研究将会直接推出其艺术创作风格的不同。本文主要从艺术的本质、艺术家的修养与情感概述、艺术家个案分析三个大的方面进行展开，试论修养与情感在艺术创作中的作用和意义。
首先，提及“艺术”两个字，很多人会问到艺术是什么，艺术的本质是什么？在文化部教育科技司编写的《艺术概论》一书中对“艺术的本质”做了如下的阐释：“所谓艺术的本质，就是指艺术这种事物的根本性质，以及艺术这一事物同其他事物如经济、政治、哲学、宗教等的内部联系。即艺术这种事物内部的一种规定性，规定者艺术之所以是艺术，而不是其他什么事物。”将艺术的本质分为三个方面进行了分析，第一就是艺术的社会本质，这也是艺术的首要本质和第一层面的本质，即艺术是一种社会现象和社会事物，艺术的发生离不开社会；第二是艺术的认识本质，艺术以特有的方式掌控社会，艺术用形象说话，是感性与理性的统一；第三便是艺术的审美本质，说明艺术的创造是审美的创造，艺术的欣赏是审美的欣赏，情感性作为艺术审美的主要特征，反映了一件作品的格调、品味和意境，并且与艺术审美的实践性、形象性、创造性等特征相互作用。历史上关于情感与艺术的论证也比比皆是。罗丹曾说“艺术就是情感。”，我国清代的画家孔衍也曾说“不论大小幅，以情造景，顷刻可成。”符号论美学的代表苏珊朗阁对情感与艺术做过这样的论述“人类情感的符号形式的创造”“一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式”。在艺术中，情感、修养、思想是交融在一起的，没有情感的艺术是说教，没有思想的艺术是说梦。
艺术家只有高尚的情感才能体现其人格魅力才能使作品更具生命力产生更久远的影响，艺术家的情感与修养是丰富的，具有代表性的。一般而言，情感，就是指人的喜、怒、哀、乐等心理形式，它反映着人对外部世界的对象和现象的主观态度。对艺术家而言尤其需要强烈的健康感情、完善的审美情感与独立的人格。因为艺术家的情感是群体、大众情感的凝聚，其情感是日常生活情感的升华，要求品位更高。艺术家的修养就是指艺术家在具有一定的基础知识和一定的艺术实践的基本技能的基础上，进一步努力提高自己的艺术理论修养和艺术创作技巧，以达到一定的高度和水平，并熟练自如的创造出具有一定艺术意蕴和神韵的艺术作品。其中，进步的世界观和审美理想、深厚的文化素养、丰富的生活积累、超长的艺术思维活动能力和精湛的艺术技巧和表现才能是作为一个艺术家修养最重要最基本的五个方面。中国古代的画论中就把“技而近乎道”“艺而近乎道”作为最高追求目标，更有“气韵不可学”“人品不高用墨无法”等说法。艺术家在其思维的过程中，情感更具有移入的作用。艺术家要把主观的情绪、情感和感受灌注、融汇在艺术意象或据此物化的艺术形象上，使之浸透在主观的感彩中，从而才能获得一种感人至深的审美效应。而且情感还可以在艺术构思中起到结构上的连贯和内在纽带的作用，它是伴随着主题贯穿始终的，如同音乐作品中的主旋律一样。在艺术形象思维的每个环节上都伴随着强烈的情感活动，艺术家创作的激情一旦被强烈的创作目的、创作对象等调动起来，情感就起着强大的推动作用。如毕加索1937年4月所作的《格尔尼卡》就饱含了自己对法西斯罪行的愤怒之情，当时法西斯德国对西班牙的文化名城格尔尼卡进行轰炸，这一罪行激怒了毕加索。在他笔下，变形的牛头成了残暴的法西斯的代表，哀鸣的马代表了苦难的西班牙人民，画面中高悬的灯泡似乎暗示着要将这一切黑暗暴露在光照之下，让全世界人民都明白战争的罪恶。（见图1）
图1《格尔尼》
论及情感在艺术创作中的作用与意义，梵高的作品无疑有着最典型的代表。他着意于真实情感的再现，作品中都带有强烈的主观色彩。
文森特・梵高是荷兰后印象主义的代表人物，同时又是表现主义的先驱，他的作品中处处表现着他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。但是梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。在其早期的作品中，《吃土豆的人》具有典型的代表性（见图2）。梵高早期接触社会下层，对劳动者的贫寒生活深有感触，而且受到偶像米勒的影响，曾立志当一名农民画家，而这幅画也充分体现了他的社会道德感。他发现自己和这些劳动者有着某种情感和精神上的共鸣，他在给弟弟提奥的心中这样写道“我想强调，这些在灯下吃土豆的人，就是用他们这双伸向盘子的手挖掘土地的。因此，这幅作品描述的是体力劳动者，以及他们怎样老老实实地挣得自己的食物。”当有人指责他这幅画中的形象不准确时，他却这样回答“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，……我就是要制造这些不准确、这些偏差，重新塑造和改变现实，是的，他们能不真实，你可以这样说――但是比实实在在的真实更真实。”（见图2）
图2《吃土豆的人》
图3《星夜》
在他的《星夜》中，更强烈的体现了他内心的、最紧张的幻想，这幅画是他发泄无法抑制的强烈感情的创造性尝试，而不是对周围大自然平心静气研究的结果，这幅画也是梵高所画的为数不多的，不靠直接观察对象，仅凭想象创造某种气氛的作品中的一幅。创作这幅作品时，梵高与友人高更有过一次激烈的争吵，进而导致他的疯病又一次发作。在这幅画上，那些象海浪及火焰一样翻腾起伏的图像，充满忧郁的精神和悲剧性幻觉。画面上展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象，那巨大的、卷曲旋转的星云，那一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月，大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对梵高来说，画中的图像都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到梵高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，强烈反映出画家躁动不安的情感。房龙在《西方美术简史》中这样描写梵高：“梵高的激情远比高更来得激烈与外向，在梵高的绘画中，所有的色彩和形象都必须服从他不羁的激情表达。”（见图3）
图4《包扎着耳朵的自画像》
图5《乌鸦群飞的麦田》
这一次激烈的争吵也使梵高失去了高更这个朋友，高更大怒离开后，梵高仍无法抑制自己的激动，用镰刀割下了自己的右耳。他头缠绷带，面孔消瘦，眼睛深陷，流露出悲愤和绝望的感情，整个画面好像处于滚动的波涛之中，汹涌的狂流似乎在威胁着狂热不安的画家，他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。（见图4）
在《夜间咖啡馆》这张画中，梵高更将一个常人认为是欢乐的场所表现为充满悲惨和不快的地方，他认为这将是一个人可能犯罪、疯狂甚至自我毁灭的地方。画面散落在房间里的形象都令人深表同情，红和绿、蓝和紫之间的微妙碰撞也增加了画面的冲击力。（见图4）梵高，一个一个性格孤僻、行为固执的人，疯狂的作画，疯狂的爱一个人，疯狂的做每一件事情，但他一生几乎没有看到收获的希望。《乌鸦群飞的麦田》被视为梵高自杀的预告，他在给提奥的信中写到：“这是些在乌云翻卷的天空笼罩下的辽阔麦田。为了尽量表现忧伤和我那无限的寂寞，我毫不感到为难......”画面上乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，压抑的让人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂跳的笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面处处流露出紧张和不详的预兆，好像是一幅色彩和线条组成的无言绝命书。这幅画以后梵高带着极度的寂寞与悲伤自杀了，年仅37岁。（见图5）
梵高孤独的生活着，把整个身心都投入到了艺术创作上，每一幅作品都倾注了他全部的心血。画中的色彩便是他人生的色彩，画中的情感便是他的情感，作品中流露的是他的喜怒哀乐。也许没有人如此强烈的把个人情感融入到他的艺术创作中；也许很难再找到如此苦闷但又充满对生活热情的人了。梵高的让情感与艺术交织在了一起。
英国艺术史学家贡布里希关于艺术与自然、情感做了这样的表述“艺术与自然二者都不会像一面镜子那样平滑而冰冷，反映在艺术中的自然总是反映了艺术家本人的内心、本人的嗜好、本人的乐趣，从而反映了他的心境。总之，艺术家的个人情感不同，造成了他们作品面貌的差异性。”当艺术家情感最激动时，他的作品感染力也就最强，也就被观众所接受、所喜爱，这是因为作品中表现出来的情感是艺术家自己的情感：喜欢什么，反对什么，爱什么，恨什么，都在作品中体现了出来。
人，是有情感的生命。
艺术创作的意义篇4
关键词：设计教学插图创作能力培养
插图一词是根据拉丁文的字义而起源的。在早期的纯文字刊物里没有任何插图，读者常常会产生乏味感，为了增加刊物的趣味性才将插图引用到刊物中。如今，插图已经逾越了突出文字的衬托地位，在突出主体思想的同时，也增强了艺术的表现力。
一些西方国家很早就把插图作为一种独立的专业进行探讨与研究，在艺术设计教学中给予了插图设计足够的重视。而插图在我国现代艺术设计教学中，很长一段时期都受到了冷落与忽视，插图设计的内容只能在少数书籍或装帧设计的教学中有所体现，这种现象直到20世纪90年代末少数专业艺术院校陆续开设了插图设计课程后才得到改观。近年来，随着社会对应用型人才的需求越来越多，促使部分艺术院校相继开设了独立的插图设计专业，并渐渐得到普及。在普及的过程中，插图设计专业受到传统美术教学的影响，在一定程度上沿袭了传统模式中的绘画教学理论，这种教学模式淡化了设计能力的培养，而更关注手绘功夫的艺术表现，这在一定程度上影响了插图创作能力的进一步研究。所以，强化艺术设计教学中插图创作能力的培养具有重要的意义。
一、对插图设计概念的正确理解
插图设计广义上讲是以社会大众或目标受众为诉求对象，以视觉传达的形式而进行的图形设计，这些都可以称为插图设计。从对插图设计的界定可以看出，它已不是单纯的为画而画，而是承载了更多设计的相关内容，成为一种形式多样、内容丰富、传播迅速的视觉语言，逐步渗透到视觉传达设计的各个方面。
二、插图设计的课程设置
插图设计是艺术设计教学中非常重要的一门课程，作为艺术设计教育系统中一个重要的环节，它与展示设计、广告设计、标准设计、商品包装设计等多个课程具有十分紧密的关联。插图设计涵盖的相关知识非常广泛，设计基础知识、包装设计知识、广告设计知识及标准设计知识等多角度、多内涵的相关信息，都与插图设计有着紧密的交叉。插图设计的课程设置，对培养及提升学生的形象思维能力和创作能力有着重要的意义。
三、插图创作能力的培养
1.插图创作思维能力培养
插图设计需要具有创作性思维方式，这是一项具有发散性、创新性的思维活动。插图设计师需要具备创意性思维的品质，由创意而生发出富有灵魂的创作能力，在进行创作的充满想象、发散、推理、综合分析的过程中完成思维活动。现代插图创作能力的实质就是创新，充分发挥想象力，只有充满创意的插图创作才具有生命力。卓尔不群、优秀的创意能够赋予插图以灵魂，充满无限的震撼与动感。
在艺术设计教学中应注重插图创作能力的培养，要把创作性思维贯穿在学生的整个生活之中，在生活中用创新的视角去观察与思考。比如，一棵树、一片云彩都可以引起发散性思维，从而促进创作能力的进一步拓展。可见，创作能力需要日积月累也需要灵感的迸发。
2.插图创作表现能力的培养
插图设计需要扎实的绘画基础作为设计的保障，绘画功底是设计思维的助推手段，是设计师表达设计思维的媒介。可见，手绘表达是插图创作的重要基础。
在插图设计教学中，手绘是进行信息表达的重要基础，它在提高学生造型能力的同时，在设计思维创作能力的提高方面也发挥着重要的作用。手绘的另一大优势是在感官上容易让人产生亲切感，使设计作品更具有亲和力与浓厚的生活气息。随着现代科技的飞速发展，电脑绘图技术已成为了现代插图设计领域的重要手段之一。不同的创作手法凸显了高科技与手绘两种手法进行插图设计的冲突与融合关系，这对于插图创作表现手法的选择尤为关键。
3.插图创作的艺术素质和审美能力的培养
日本著名设计家佐野宽说：“只有从艺术家到设计家，没有从设计家到艺术家。”这句话充分说明了进行插图设计所应该具有的艺术方面的修养与素质。在艺术设计教学中，对于艺术素质与审美能力的培养是至关重要的。在艺术设计教学中，除了要求学生具有扎实的绘画基础作为设计的保障外，还应特别关注学生综合知识能力的获取，如多方面阅读经典文学名著、中外美术史、中外设计方面的优秀作品等。纵观成功的插图设计作品，优秀的插图作品都具有深刻的主题与情感，作品中往往蕴含着设计者丰富的思想与刻意的内涵，以人们能够理解与感知的绘图方式传达出作品的概念与故事，彰显主题及其情感的深刻性。
四、插图创作的多样化实践
插图创作的多样化实践，其目的是在广告设计、包装设计、书籍装帧、网页设计、宣传样本、展示设计等领域进行不同方向的设计。
1.插图创作的设计形式多样化
以往的插图设计大多局限于手绘这种形式，仅凭传统的手绘已经很难满足现代插图设计。而伴随着数字技术的突飞猛进，现代的插图设计已逐渐抛弃了手绘这种传统的形式，科技的进步让插图设计融入了更多新鲜的元素，电脑、摄影等技术都融合其中，多种艺术的表达形式丰富了现代插图设计，从视觉上可以直观表达出设计的诸多相关信息，现代插图设计可以说步入了一个全新的辉煌顶点。所以，这种丰富的设计手法、多艺术的融合、新鲜的元素与更加直观的信息运用在教学之中，给学生带来了更加广阔的发挥和创造的空间，无论是美术、摄影或是拼贴都可以在电脑中合成想要的插图设计，这不仅丰富了想象的空间，而且还能激发学生的创作灵感，让现代插图设计在不经意间获得意想不到的完美效果。
2.插图创作的艺术表现手法多样化
历经对其他艺术表现手法的融合与借鉴，以及自身对于设计方面的实践与反思，现代插图制作的表现手法已经具有多样化的特征，并使插图作品具有丰富的内涵与感染力。如矛盾的对比、有效的夸张手法、引用象征必要手法、直接展示手法、引发联想的手法、以情感进行渲染的手法、幽默诙谐等手法。可见，多样化的艺术表现手法在插图制作能力的培养中具有重要的作用。
3.插图创作的传播媒体多样化
插图设计的种类多种多样，从传播媒体来说大体可分为两大类：即印刷与影视媒体。需要特别说明的是，在插图设计教学中，必须明确插图的应用媒体并且关注应用媒体的属性。
结语
插图在现代设计的多个领域已经发展成为一种多元化的艺术表现形式，插图不再仅仅拘泥于固定的图像，它还是一个完整的设计流程中的重要组成部分，即设计流程中的绘画阶段。艺术的魅力在于创作，学生是艺术领域的继承者与开拓者，因此，对学生的插图创作能力的培养及对创作能力意义的研究是艺术设计教学中的关键。
参考文献：
[1]张雪.插图设计[m].重庆：西南师范大学出版社，2008.
[2]夏平.插图设计教学的现状及发展趋势[J].美术大观，2009.3.
艺术创作的意义篇5
一、德国新表现主义绘画艺术的特征
德国新表现主义是德国政治危机和恐怖主义混合构成的历史的产物，所以德国新表现主义的作品主要表现出来的大多都是对民族传统缅怀的抑郁的情境以及对战败历史进行反思的悲怆的心态，有些艺术作品则对社会的丑恶现象进行鞭挞或者对自己的无能进行嘲笑。德国新表现主义主要以自我表现为主旨，在画面、笔法以及情调等方面均表现出了一种对表现主义回归的倾向，德国新表现主义在理论上接受存在主义的哲学理念，在实践中学习抽象表现主义的艺术传统，在绘画的过程中追求情感的突发以及进行即兴的处理，它追求的是一种狂放自我、粗狂原始的简单踊跃的艺术之美。德国新表现主义的艺术家们他们所追求的是一种要打破传统束缚的艺术形态，但却又对表现主义传统的绘画艺术形式进行回归，德国新表现主义本身好像是自相矛盾的，但是这正是德国新表现主义思想所在，他想要表达的思想就是矛盾的，他们并不害怕矛盾，他们反而是要制造矛盾，没有固定的思维定式，也要打破传统的思维观念，这是他们在艺术精神上的追求。在绘画艺术形式上，他们所要做的就是要去突破、去创新，创造出他们内心所想要表达的艺术作品，因此他们的绘画作品样貌迥异，这说明了他们都在追求更多的可能性，更好的表现形式，但归根结底就是要消解技术问题所带来的直白的、没有层次的以及没有内涵的东西。比如德国新表现主义的领军人物之一巴塞利兹，他的作品以颠倒的绘画和变调的艺术极大地挑战了传统艺术观念，与当时社会上所流行的抽象的绘画艺术格格不入，坚持具象绘画的艺术创作。另外，他的绘画还极其强烈的表达了人们处于现代社会中的那种出境以及感觉。他用不同于潮流的具象表现手法将其笔下的形象设计为丑陋的形象，笔触狂放自我，颜色激烈，透漏出一种狂野之感，将人们心目中最为丑陋的象形结合在一起。他的艺术作品之中，没有平衡与优雅，颠覆了传统的艺术创作形式。艺术作品是自我的，不需要对任何事物负责，他只对绘画本身关心，有后现代艺术的精神风貌，他的艺术观念以及作品构思对德国新表现主义的绘画形式以及精神内涵起到了极大地丰富作用。德国新表现主义是对德国架上绘画艺术的一种回归，它不仅反对观念艺术，而且同时也对自我价值观以及审美观进行标榜，它绝对不是简单的重复和模仿其他的新的艺术流派，更不是对旧情感的依恋，它以前所没有的决心和气势完成了对艺术的创新与变革。
二、德国新表现主义对中国绘画艺术的影响
德国新表现主义传入中国起始于20世纪80年代。随着我国文化专制制度的取消，我国的文化艺术氛围达到了一个崭新的时期。而德国新表现主义艺术著作等在这个时候便传入了中国，这为当时中国艺术家找到了情感宣泄的途径，同时也为压抑了很久的艺术思想打开了灵感的缺口。德国新表现主义这种全新的创作艺术手法以及新颖的创作理念给当时中国的艺术家提供了很好的借鉴，使得当时的很多艺术家摒弃了传统绘画艺术的“以形写形”的创作方式，绘画艺术创作当中逐渐增添了许多德国新表现主义的因素。随着我国艺术要高度的不断提升，德国新表现主义在中国不断传播，越来越广泛。20世纪90年代是德国新表现主义在中国发展最为快速的一个时期，在这种新型的艺术创作形式的推动下，德国新表现主义在中国的题材主要体现为对社会现实的批判，并且更加的注意人文精神，强调的是一种“以人为本”的理念，追求的是更高层次的精神上的向往。中国的绘画艺术受到了德国新表现主义创作艺术表现方式、表现手法和创作的素材等方面的影响，中国油画的有关创作与德国新表现主义相差无几。中国的油画在创作的过程当中虽然在创作方式上借鉴了德国新表现主义，但是中国油画的创作并不是照搬德国新表现主义，而是通过中国的艺术家们不断的变通，不断取舍与总结归纳，探索出来的一种有中国特的新表现主义创作方式，他有机结合了中国的本土元素与西方绘画艺术元素的精华，是一种对艺术阐述的全新的方式。
（一）德国新表现主义对中国绘画艺术表现形式的影响
自从德国的新表现主义绘画艺术在中国传播以后，中国油画创作的过程不仅吸收了其优秀的表现形式，并且还对中国传统绘画艺术表现因素以及绘画相关理论进行了保留，中国油画创作与德国新表现主义有着紧密的关系。德国新表现主义对中国绘画艺术表现形式的影响主要体现在观念表现形式、写意表现形式以及意念表现形式三个方面。首先是观念表现形式。德国新表现主义的艺术家通常是以政治背景以及历史文化为依托来作为艺术作品的表现形式。以德国新表现主义作家基弗的《占领》等一系列的作品为例，基弗采用纯粹的军礼符号来表现纳粹主义者们的狂欢，将自己与民族的灵魂带到沉重的历史之中去。他的这种艺术表现形式具有浓重的色彩观念。这也是德国新表现主义艺术家们共同带有的特点。中国新表现主义绘画创作虽然很大程度上受到了德国新表现主义的影响，但也有不同之处，中国新表现主义在形式上对德国新表现主义艺术形式进行了吸收、归纳与转换化。以中国新表现主义艺术家马路为例，虽然受德国新表现主义的影响，但其艺术作品与德国新表现主义却有着很大的区别，马路的作品通常带有象征意义，这与德国新表现主义的观念形式有着较大差异。其次是写意表现形式。德国新表现主义注重油画的写意性，主张以情感作为出发点，把表现神韵作为出发点，对事物的本身并不去做过多的表现，而是通过简单的笔画去触动人们的内心深处，主要以历史题材为表现形式。这是德国新表现主义的另一个特征。中国新表现主义绘画也借鉴了德国新表现主义这种写意的表现形式。比如我国新表现主义艺术家贾涤的作品《贪婪的季节》便是这种表现形式，他并没有从历史方面着手创作，而是借景抒情，抒发自己内心的感受。但是，中国的新表现主义与德国新表现主义不同的地方是中国的表现主义不再以宣泄历史为主，而是表现出了一种对生活的热爱。最后是意念表现形式。意念表现形式是写意与观念表现形式的综合。不同的时期、不同的流派都有着不同的意念表现形式，德国新表现主义绘画艺术也不例外。德国新表现主义绘画有些处处渗透着对历史和文化的思考，表现出一种忧郁之美，有些画面则表现出一种对人性的思考。中国新表现主义绘画明显受到了德国新表现主义绘画艺术的影响，但在意念形式上却蕴含了一种中国特色的表现形式。中国的油画艺术通过对景物的塑造达到表现主题的效果。
（二）德国新表现主义对中国绘画艺术风格的影响
德国的新表现主义绘画艺术是20世纪80年代产生的一个全新的艺术运动，它以打破传统的胆识、神话一般的内容、反派的图像以及宏伟的画面为主要特点。德国新表现主义艺术家以粗俗和陈旧的意向作为手段来表现全新的艺术内容，以反派的形态摆脱传统的束缚，大胆的运用象征以及符号等一切现代主义所限制的手法来表现绘画艺术。稻草、灰土等非常规的绘画素材大量的运用在新表现主义绘画艺术当中去。中国新表现主义绘画家均不同程度的借鉴了德国心表现主义绘画的艺术风格，极大丰富了中国绘画的艺术风格。比如我国新表现主义艺术家陈曦，极大程度的受德国新表现主义的影响与启迪，他在创作过程中紧扣变现实质，初步形成了自己的绘画艺术风格，他的艺术作品强烈表现出了高视点、大面积色彩对比，色彩比较明快，笔触较为奔放，他的绘画艺术风格便吸收与借鉴了德国新表现主义的艺术风格。另外，中国新表现主义艺术家马路的绘画艺术风格很大程度的受到了德国新表现主义的影响，同时将德国新表现主义绘画艺术理论运用到实际当中去，形成了自己特有的艺术风格。
三、德国新表现主义影响中国绘画艺术的原因
德国新表现主义影响中国绘画艺术的原因一方面与中国当时的历史背景有关。在德国新表现主义传入中国之前，中国正处于改革开放的初期，这个时期的青年艺术家追求的是一种思想上的解放，德国新表现艺术传入中国以后对中国的艺术家产生了巨大的影响。新的艺术表现手法很快被中国的艺术家所接受，在他们创作的过程当中不再拘泥于自然世界，追求的是一种颜色的多变性以及视觉的冲击性。这一时期，中国的绘画艺术面临着某种原创性力量的枯竭，同时也恰逢85新潮迫切需要改革。另一方面，德国新表现主义绘画艺术为中国的艺术家所向往。德国新表现主义绘画艺术所表现的主题、艺术形式都深深的吸引了中国艺术家，德国新表现主义的表现形式与中国传统绘画的写意性又是相通的。所以德国新表现主义出入中国之后很快被中国的艺术家所借鉴，对中国的绘画艺术产生了重要影响。
四、总结
艺术创作的意义篇6
关键词：俄罗斯；当代油画家；实践特色；民族性；现实主义
油画艺术创作属于思想行为范畴之内，艺术思想展现了油画家的艺术创作实践特色，决定了油画作品的艺术内涵。本文对俄罗斯当代具有影响力的三位油画家：卡留塔、梅尔尼科夫、索科洛夫的艺术创作实践特色展开研究，结合当时的时代背景，探索油画家艺术创作的内在精神，提炼艺术创作实践的技巧技法，以期为同行提供艺术创作时可借鉴的宝贵财富。
一、俄罗斯当代油画艺术的历史渊源
俄罗斯油画艺术的发展历史悠久，期间造就了多位享誉国际的油画大师。俄罗斯当代油画起源于古罗斯圣像画；在沙皇时期出现了古典主义与新古典主义结合的艺术创作；现实主义油画在十九世纪下半叶得到繁荣发展；第二次世界大战后，现实主义的油画艺术得到较快的发展。俄罗斯当代油画艺术的发展由两条主线组成，一条是莫斯科地区画家展现的欧洲绘画艺术与本土化艺术的结合。一条是圣彼得堡地区画家展现的印象派绘画和现实主义艺术。世界油画艺术对俄罗斯当代油画艺术起到了良好的借鉴作用，推动了俄罗斯当代油画家艺术创作的全面发展。通过了解俄罗斯当代油画艺术的历史渊源，将帮助我们研究俄罗斯当代油画家艺术创作的实践特色。
二、俄罗斯当代油画家的艺术创作实践特色
首要特点是民族精神和人文主义精神相结合，与此同时现实主义创作精神与现代艺术创作精神相结合也是当下俄罗斯艺术创作实践的主要特色之一。下面通过对几位俄罗斯代表性油画家艺术特色的分析，可以从中挖掘出具有宝贵的学术价值的有效资源。安德烈•安德烈耶维奇•梅尔尼科夫是俄罗斯当代艺术大师，他开创了俄罗斯当代油画艺术的新格局。他的作品继承和发扬了俄罗斯现实主义油画的特点，通过传统现实主义的创作方法突显自身艺术创作的实践特色。与此同时他还有所创新与突破，在艺术创作实践中融入了现代艺术的某些创作手法。梅尔尼科夫进行油画创作的历程主要在苏联社会主义创作时期、人文关怀时期、追求艺术创作时期这三个阶段。梅尔尼科夫的艺术创作突显了现实主义的实践特色，将人性化融入创作思想中，通过写实的手法结合细腻的情感，充分展现出油画作品的艺术内涵。梅尔尼科夫的艺术创作关注自然与人性，结合现实生活中的实际情境，表达出具有真善美特性的实践特色，符合当时的现实时代背景。梅尔尼科夫的油画作品实现了俄罗斯传统艺术与欧洲美学思想的巧妙融合，拓展了丰富的油画绘画语言，创作出具有主题性和象征性实践特色的作品，推动了现实主义油画艺术的蓬勃发展。其中最具代表性的油画作品是《西班牙三联画》、《觉醒》等。画家将时代主题作为创作背景，通过象征性的表现手法展现画作背后蕴含的意义，在结合强烈画面感的艺术处理方法，展现作者细腻的创作情感，富有人情意味的艺术创作实践特色与观者形成了心灵的共鸣。梅尔尼科夫在这些作品中有所突破的是他将现代艺术中具有象征意味地，以及装饰意味的创作手法与现实主义写实的创作手法有机结合，使得作品具有了强烈的形式感与构成感。尤里•卡留塔是俄罗斯列宾美院当下最著名的画家之一，他的艺术创作实践特色主要表现为具备强烈兼容性的艺术语言。在当时的时代背景下，卡留塔进行油画创作时对多种艺术流派的特色进行兼容并蓄，不断实现自我的完善发展。卡留塔具有强大的色彩表现力，在素描能力的支持下，充分展现出油画的绘画技巧和特点。卡留塔擅长绘画人物肖像，传承了俄罗斯现实主义的绘画精神。通过基督教的信仰在艺术创作过程中体现出尊重生命的实践特色。卡留塔的油画艺术作品展现出对人性的关怀，其中最具代表性的作品是《我出去遛狗了》。这幅作品体现出分离派艺术特色和表现主义特色对卡留塔艺术创作实践特色的影响，梳密色彩的巧妙搭配和线条结构感的有机结合起到了强烈的装饰性作用。卡留塔在《樱桃》等作品中体现对巡回展览画派技法的应用，并突出自身特点的艺术创作实践特色。卡留塔具有兼容性的艺术创作中也结合了欧洲古典主义的油画特色，从构图到色彩设计方面充分体现出文艺复兴时期的创作实践特色，例如卡留塔的《圣母》，展现了人物的生活化创作特色。卡留塔的油画艺术创作中还蕴含了简单、隐喻的实践特色，他将作品的内心精神展现的淋漓尽致，合理的融入了形式语言的成分，通过大面积色块形成强烈对比来组织画面起到突显人物心理感受的作用。瓦西里•瓦西里耶维奇•索科洛夫是俄罗斯21世纪最著名的艺术家。他的艺术创作具有反映现实的实践特色，同时又具有极强的抒情的人文色彩。人文性是索科洛夫油画作品的主要特色。由于索科洛夫自身具有浪漫的诗人气质，在进行油画创作的过程中重视油画作品的诗意色彩。结合当时的现实背景，索科洛夫的油画艺术创作突显出崇尚美好的特色，他将对自然与生活的热爱充分展现于油画作品中，真挚的创作情怀传达出作者对家国及生命的热爱。索科洛夫的《春水》用优美的笔法和色彩展现出初春的景致，富有生机的景色使得观者从中中体会到现实的美好。索科洛夫的艺术创作具有真实的实践特色，突显了俄罗斯当代人文主义色彩。综上所述，俄罗斯当代油画家艺术创作中突显现实主义艺术创作特色，其中民族精神和人文主义精神有机结合时其创作观念的一大特色。另外现实主义特色与现代艺术有机结合也是其主要艺术实践创作的特色之一。从技法表现上来说俄罗斯艺术创作实践的特色主要呈现出扎实的造型基础、娴熟的技巧与表现性技法有机结合的特点。这些都是需要我们长期研究并学习的优质艺术资源。
作者:秦嗣英邵佳岭单位:黑河学院
参考文献：
艺术创作的意义篇7
随着我国当代美术教育的日趋多元化发展，不同类型的艺术创作信息大量的涌入高校课堂，高校专业学生在创作意识与手法方面与现代艺术、后现代艺术有了大量的接触、交流和探讨的机会。一个不争的事实是现实主义的精神价值取向方面受到了学生的质疑，值得我们关注。总的来说，在题材内容上当代美术的不会超越以下两种，一种是现实的，它是生活的，是视觉层面，和现实关联比较近；一种是非现实的它是现实的跨越，是心理层面，含有精神性。如果加以仔细剖析，两者的差异并不是截然的鸿沟不可逾越，而实际上，它们是构成现实的外部和内部的具体的形而上的表现，两者缺一不可。现实题材的绘画描写现状，而非现实题材，具体体现在幻想的、参与未来的或者回归过去的等等，这几方面的表现都是艺术家立足于当代，是其情感的宣泄和精神的需要。现实主义精神也是我国艺术家创作过程中长期关注的方面。那么，现实主义精神在我国当代高校专业学生的美术创作中又如何认识和彰显其价值，我们教育者又该如何因势利导，这些都是是本文重点探讨的问题。
现实主义精神在不同时期的发展与精神价值
原始社会中现实主义精神借助巫术的传载与表现形式，是对大自然的模仿，然后深刻反映出人们主宰自然的力量和希望。古希腊在经过一连串的革命之后，不仅将占有土地的贵族势力打到，对于古代的神话与原始社会中魔术活动进行了扫除，使得艺术创作从原始的想象往现实中转变，古希腊的艺术家开始有意识的借鉴生活，现实主义精神在这个时期是处在一个发展的时期，艺术创作开始了对于生活题材的选择，注重人的元素，在这个过程中不断的唤起人们不同的真挚情感，因而在社会生活中起到了积极的认知和探索作用。欧洲中世纪的绘画艺术在宗教图像的浩瀚镌制中，艺术家仍旧依据对当时生活的观察而描绘，兼顾对人的观察。因此，中世界的艺术也拥有现实主义精神。还为文艺复兴与现实主义精神在之后的发展埋下了种子。文艺复兴时期的艺术仍然是以宗教题材为主要形式，但是这时候的艺术家不再受束缚，可以自由的发挥，表现最真实的社会生活，而这个时候也是现实主义精神大发展的时期。这个时期的艺术中出现的现实主义精神，立足于现实，表现最为真实的现实主义世界。在这个时期的艺术创作对于现实主义精神的体现是在生活中人与人的关系。这是以往现实主义精神所不能企及的。之后到17-19世纪现实主义便迅速登上了艺术舞台的中心。
传承现实主义精神在当下的中国美术现实主义是对现实生活的真实体现。因此，现实主义的前提是真实性，是对生活艺术化了的具体体现，这对于注重实事求是的中国来讲，正是时代所需要的。实事求是与现实主义异曲同工、一脉相承。当代艺术家对于国家的命运与前途应该具有责任感与历史使命感，无论选择哪一种艺术形式，对于表达社会生活、劳动和人们的真实情感永远是不变的主题，这也正是现实主义精神所以能艺术创作的基石。现实主义在中国不仅创作土壤肥沃，也能够积极融入到艺术创作的环境中来，人们对于从内心深处表达的艺术形式感到亲切、真实，从这些真实的艺术作品中感受真善美与假丑恶，这是其精神价值葆存不衰的原因，这不仅仅是艺术创作的一种形式，更是民族审美价值趋向的所在。所以，现实主义精神已经融入到整个民族文化的建设中来，这也是现实主义精神的魅力所在。
现实主义精神的重新认识
现实主义所包含的范围非常的广泛，包括文学范畴、戏剧范畴、绘画范畴、音乐范畴等等，而现实主义是一场文艺运动，这对欧洲的艺术影响深远，现实主义精神的起源要追溯到文艺复兴时期，启蒙与十八世纪，十九世纪掀起了现实主义精神浪潮.现实主义包含了多种现实主义者的理论与观点，是建立在对道德的提升与人们对于悲观情绪的认识基础之上的，现实主义者把历史看作是不断进步的重复过程。现实主义更多的是看到人性中好的一面，而现实主义精神则是体现这一过程的精神层面，那么现实主义艺术作品中往往包含以下几个方面的特点。
首先是艺术作品细节中的真实性。对于细节描述要真实，要具体的真实的反应人类的生活现状。现实主义作品中就是用这样形象的现实来吸引人们的，这能够帮助观众身临其境的感受到作品所描绘的生活的真实和精神的写照。其次是形象的典型性。选择典型的形象，对现实生活中素材进行分析、提炼和总结，从而发现生活的重要特性。生活是简单的，生活又是复杂的，将这种既简单又复杂的典型形象真实的表达在艺术作品中，以此来抓住艺术表现的重心，感染人们的情感中枢。最后是具体描写方式的客观性。通过对现实生活客观的具体的描述，通过作品体现出作者对于生活的真实感受与对生活的热爱。法国文学史家爱弥尔・法盖解释说：“现实主义是明确地冷静地观察人间的事件，再明确地冷静地将它描写出来的艺术主张”。要从几千几万的现实事件中，选择出最有意义韵事件，再将这些事件整理起来，使之产生强烈的印象。
对于现实主义精神我们可以理解成为不同艺术所展现出的现实性，也要理解它是对艺术作品特质展现的原则与方式。所以现实主义精神对于艺术创作的意义深远。从事物内在发展和辩证统一的客观规律分析看，非现实的题材内容也能切入到现实里面来，也是对时代的心理反映和现状的折射，是现状对心理的刺激。而现实的艺术题材、绘画要赢取人们的认可，也必须要升华到非现实和精神层面上面去。因此，并不是说画点生活里的人和物，手法写实就是现实主义，很多绘画在风格上可能是表现主义的，但里面让人感受到对现实的探求和挖掘，有它客观现实的一面。至于绘画的风格流派上来说，就有现实、超现实、梦幻现实、表现现实等等很多还建立在具象基础之上的绘画形式，无论哪种风格、手法，只要是立足生活，表现生活，面对人生，它就都包含现实主义精神。
对高校专业学生美术创作的指导意义
当下高校学生的艺术创作，背离和缺乏现实主义精神的写实绘画比较普遍，这类作品比较表象，图像制作痕迹严重，背离了情感的真实体验，忽略人对精神生活的诉求。表现真实的确也是现实主义的一个表现，但有很多画真实的学生，知道记录真实，也有一定的意义，但是不深刻，很苍白，因为他们在作品中没有体现出关怀，只见呈现而无提升，缺乏精神力量。这种作品其实与现实主义的艺术精神相去甚远。深刻理解把握现实主义精神，在实践当中我们首先应该认识到其对学生的指导意义，总结起来可有以下几个方面。
1.帮助学生学会观察生活、分析生活
现实主义的特点就是反映真实的社会，通过对典型的形象进行细致的描述，以此来吸引人的眼球，因此，高校学生在艺术创作的过程中要结合现实主义的这写特性，学会认真的观察生活的细枝末节，然后进行剖析，这也是为学生在艺术创作中提供灵感的方式之一。客观存在的东西肯定是真实的，但是它不一定有价值，它之所以有价值在于我们对现实关注、关爱，把现实里有价值的深刻的东西呈现出来，挖掘出来，以此矫正现实，使我们在面对现实的时候不会迷失，让我们触摸到精神，不会被动的活着。这是绘画的意义所在，也是现实主义的艺术精神在当代美术创作的意义。因此，现实主义精神的价值首先要教会学生在进行艺术创作的时候学会观察生活、分析生活。
2.帮助学生提升对现实美的认识
现实主义精神是对事物的真实反映，是将人性的最真实的一面展现出来。因此，对于真善美与假丑恶的辨别一目了然，学生在艺术创作的过程中将社会生活真实的反应出来，就是对真善美与假丑恶的体现，所以，学生在这个过程中就会学会辨别是非好坏，而对于美的认识就会更进一步，这些都是现实主义精神在学生艺术创作中所带来的价值体现。同时也让他们更加关爱现实、关爱人和这个世界，把艺术创作的目的指向了现实背后的深刻而隐秘的问题，比如人和劳动的问题，情感的问题，生死的问题等等，通过反映可感可信而深刻的问题，引起自我反思，真正认识现实之美，以正确指引未来。
3.增强学生自身的社会责任感，建造实践到艺术创作的桥梁
在高校学生的艺术创作中，现实主义精神就是教会学生不仅要注重作品的吸引力，还要在作品中反应出自身的社会责任感与使命感，而现实主义精神则会在学生艺术创作的过程中引导学生注重这些内容的体现，描述我们当下所具有的好的东西，激励人们把好的东西发扬光大。比如鲁迅的文风很敏锐，甚至有点刻薄，但是他的背后是大的爱，是要唤起人们改造现实的热情，这也是现实主义精神。艺术创作是架在现实世界与艺术家理想之间的一座桥梁。艺术家把对现实的感受、对生活的渴望和自己的理想，通过艺术创作的形式表达出来，寄予作品之中。艺术创作就像是一把门上的钥匙，门的这边是生活，那边是理想，拿着这把钥匙的人，穿行于门的两边，在一边感受，在另一边升华，现实主义精神必会引领学生走向艺术创作的自由大道。
综上所述，现实主义精神的价值对于学生的艺术创作有着深远影响，这不仅仅是在学生艺术创作的过程中教会学生如何吸引人的眼球，更加教会学生在自己的艺术创作中体现一份责任，使艺术变得更有价值，使创作思路更加的宽广。
艺术创作的意义篇8
对于马蒂斯的油画作品，有些人曾批评道：“画中女人的胳膊太长了。”而马蒂斯的回答是：“这不是一个女人，而是一幅画。”不论是油画还是其他艺术的创作，都不可能依靠一成不变的经验支撑，而需要各种方法的综合运用。虽然油画不像平面设计那样需要不断求新、求异、求变，但是画者也不可掉入思维的固定范式。中国当代油画艺术创作存在同质化现象，这显然不是中国当代油画的发展方向。那么中国当代油画需要遵循怎样的方法理论呢？
一、油画艺术创作方法的构成
我们一般把艺术创作分为三个方面，第一是创作精神，用来处理艺术与现实本身的关系；第二是艺术原则，主要是从现实生活出发，以现实生活为归宿，或者从主观意念出发，以自我为归宿；最后是表现手法。这三点有机统一，并以创作精神为核心。
1.创作精神
创作精神尤为重要，其体现的是艺术家的精神生活深度。笔者认为创作精神的重要性远远高于其他原则，有了创作精神，才能利用艺术形象传达思想。不管用什么艺术手法表现作品，都必须以精神为支撑，有些艺术家也喜欢把创作精神称为灵感。当然，没有好的表现手法，创作精神也很难更加明确地表现出来，因此它们是相辅相成的关系。综上所述，创作精神体现了艺术家的精神生活深度，是作品审美的高度体现。
2.艺术原则
艺术原则的作用同样不言而喻，艺术家都有自己独特的艺术语言，通过这种特有的语言去表现其丰富的精神世界，这样才能使其思想的表现过程独具特色，从而充分表现艺术家的性格。这种艺术风格是基于精神表现的，艺术家在创作中通过发掘独特的表现形式，不管形式如何变化，其都有着创作者独特的精神印记。这种印记随作品而产生，是作品不可或缺的一部分。创作者的艺术原则在作品中服务于其特有的创作精神，从而形成一种更加个性化的艺术特色。
3.表现手法
艺术家的表现手法是艺术家的审美体验和艺术思想的最直观体现，是其表现思想的直观手法，也是指导创作的基本原则，对艺术作品有着全局性影响。艺术家利用特殊的线条、色彩、技法等塑造形象、反映生活、突出主题。表现手法是思想和技巧的有机统一体，其不仅仅是技巧、技法、艺术手法等，而是它们的有机统一体，创作者利用这些表现手法为作品增添艺术特色。
二、油画艺术创作方法之间的关系
1.创作精神为精髓
在国内的当代艺术作品中，大部分艺术作品都可以从创作手法中反映艺术家的独特思想，这些创作精神在作品中体现为一种特有的表现形式，也就是将思想符号化，从而表现作者独特的艺术风格，因此如果作品中没有创作精神，作品就成了一种单纯的形式，成为单纯的模仿，从而失去作品的本来意义。当代艺术家岳敏君将人们喜闻乐见的笑脸形象作为一种特有的艺术符号，在此基础上增加一些小的细节，比如让人物脸上多一些皱纹，或者头上长出了角。他的场景系列作品则把别人作品中的主体事物去掉，然后不断复制，形成一种独特的观念行为，从而突出特有的创作精神。
2.艺术原则为基础
绘画艺术并没有统一的原则，特别是中国绘画艺术，其绘画技法千变万化。过去艺术家喜欢用毛笔作画，且文人画以突出意境为主，对构图等并无严格要求；西方画作的写实感更强，画家通过颜料及画布去描绘其特有的内心世界。随着时间的推移，画家创作理念的多元化趋势愈加明显，后现代主义画作层出不穷，技法也在原有的基础上不断改革，但唯独不变的是画家的艺术原则。
3.表现手法为措施
要创作出富有新意的作品，画家不仅要在素材上下工夫，还要在思想上有独特感受，在技法上别出心裁。新的观念和技法是同生的，创作精神、艺术形象和表现手法有机统一。如，现实主义善于运用朴实的语言，组织符合生活逻辑的情节；浪漫主义则采用一些特殊的语言形式，设计曲折离奇的情节；等等。这些手法都是不同的艺术手法的有机统一，从而形成了特定的作品。
艺术创作的意义篇9
【关键词】现代视觉艺术创造性思维现代主义设计
一、艺术活动中创造性思维的界定
创造性思维是以创造人类主观思维活动中并不存在的事物为思考目标的一种思维活动形式，也是人类改造和利用自然的基本思维手段；它是打破常规的思维方式，是各种思维形式的综合运用。心理学家泰勒将“创造”思维分为两个不同内容和不同复杂程度的层次：一是基础性的即兴式创造，另一种为革新式创造。“艺术家在创作过程中，思维以不同形式做多方面的运动，从不同角度展开想象，提出问题，将各方面的知识、信息、材料加以综合运用。艺术的创新思维是高效综合运用和反复辩证发展的思维过程”。
二、现代视觉艺术创造性思维的源起和表现
创造性思维是现代视觉艺术发展的直接智力动因。它同时受到社会、科学等各种文化成果的影响。每当人类的社会生活发生变革时，人们的审美就跟着发生变化。每当有科技理论和思想有了新的内容时，人类在艺术领域就会有新的突破。长此以往，艺术和人类社会生活、科学、思想等各个方面互相渗透互相影响，共同推动人类文明的进步。其中，现代视觉艺术是20世纪的一个重要文明现象，它以前所未有的速度和广度扩展了人类的视觉体验，内容涉及绘画、雕塑、建筑、设计、摄影等各种艺术方式，在短短的100年中，几次经历大的变革，而每次的变革都是对前人成果的继承和极大推进，其中在艺术思维上的创新变化最为明显。
1.现代视觉艺术产生和突进的动因
19世纪是个蕴育思想的世纪，随着工业革命推进社会大发展，在当时科技发达的欧洲涌现出多位大思想家和哲学家。他们思考着人类的本质和去向，探索生命的真谛，为现代视觉艺术的产生创造了思想的土壤。自然科学发展也同时为现代视觉艺术的萌发创造了物质条件。光学、化学等材料学的进步直接刺激了现代艺术形式的诞生。
20世纪也是现代视觉艺术经历了前所未有的巨大变化的世纪。前卫的艺术思想和风格流派走向传统的反面。科技发展有利于生产的进步，效率的提高又丰富了商业的繁荣。在商品经济的刺激下，设计成为利用视觉艺术手段最为成功有效的例子，20世纪也可以称为设计的世纪。设计的巨大成功同时又反作用于视觉艺术在新领域的拓展，艺术方式成为表达人类情感的有效手段。
2.现代视觉艺术的发展概况及表现
现代视觉艺术体现了强烈的颠覆性，以往几百年都岿然不动的审美和艺术风格却在短短100年中被不断地否定，以往大众接受和认同的传统审美意识被彻底打破。艺术家在自我意识的释放中把个性和艺术创造力发挥到极致。
由于历史和科技发展的原因，现代视觉艺术基本上是以西方的现代艺术史为主体内容。从19世纪印象主义开始，到20世纪60年代末的极少主义为止，整个西方造型艺术就是视觉、知觉、语言系统的演变进程，不间断地进行着艺术的革命。现代主义视觉艺术流派包括：后印象派、野兽派、立体主义、表现主义、抽象艺术、达达派、超现实主义、未来主义、抽象表现主义、波普艺术、极少主义概念艺术等形式。现代主义的特征是：国际性、实验型、反传统、形式化、追求自我和新秩序的建立，以及结构的条理性。
艺术作为人类精神和社会的产物，必然会随社会的变化而变化。从20世纪60年代末开始，后工业带来的环境问题、生存危机和人格的扭曲使艺术家敏感地发现“重新发现和表现自然的人性”和“对人类面临的本质问题的关注”成为艺术思想新的共识。后现代艺术包括：新绘画艺术、多媒体艺术、集成艺术、装置艺术、影视艺术、照相艺术、观念艺术、环境艺术等。后现代主义的特征为：复归民族意识、地域性，复归传统；多元共存和差异性、多向度、多样化；复杂的折中和不确定性、亲近自然、承认大众文化、打破公式等。后现代主义是对现代主义的超越与升华，其深层意义在于：它是人类对精神解放的期望。重新发掘人的潜能，发掘人类的文化智性，在此艺术被赋予了新的使命。
3.创造性是现代视觉艺术的本质特征
视觉艺术从现代主义到后现代主义，经过了若干次否定之否定的前进。从对于艺术本体的关注到对于艺术对象以外的拓展，从传统的表现方式到多元性、多样式、多角度、多维度的形式突破，无论形式还是内容都在不断的发展过程中。
创造力、创新思维成为20世纪发展的代名词。创新带动了社会进步和科技发展，也更新了艺术家的创作主题。高科技多媒体艺术更加激发了艺术家的灵感和创作热情，新兴艺术形式和作品源源不断地创造出来。艺术形式向多元和多向度扩张，各种有效的方法被艺术家拿来表达各种情感和对生活的思考。
三、艺术的创造性思维推动了现代视觉艺术和现代设计在互相促进中融合发展
现代设计已经有100多年的历史过程，它同现代社会工业化大生产和现代生活密不可分。而20世纪最重大的发展和突破则无疑包括现代主义设计的发展。对于当代设计的认识和了解，特别是对于后现代主义的了解，应该是建立在对于现代主义认识和透彻了解的基础之上的。
现代主义是20世纪设计的核心，不但深刻影响到整个世纪的人类物质文明和生活方式，同时对本世纪的各种艺术和设计活动都具有决定性的冲击作用。在建筑设计、产品设计、平面设计、广告设计、服装设计和环艺设计等现代生活的诸多方面，艺术向现代工业和商业领域延伸，许多重要的设计家同时也是艺术家和教育家，如米斯梵得罗、格罗皮乌斯、佛兰克赖特、李西斯基、盖里等大师，他们在西方现代设计教育体系的构筑中起着关键作用。
现代设计发展到今天，一些超前卫设计作品走向概念性，这些作品弱化设计的功能性和实用性，强调作品的独创性和艺术语境。从形式上看，我们很难分辨这些超前卫设计和一些后现代装置艺术的区别。随着电脑的发明和图形制作软件的使用，结合数字摄像技术等高科技手段，设计师开始把设计和艺术搬上荧幕，从小小的电视广告到网络游戏再到投资数亿美元的科幻电影，艺术和设计完美地结合创造了20世纪最具传奇色彩的商业和视觉神话。电脑成为这些艺术家和设计师思想和灵感的主要创造平台。20世纪是设计和现代视觉艺术相伴而生的世纪，就像一个双腿行走的巨人，一条腿是现代视觉艺术，一条腿则是现代设计艺术。我们无从判定孰先孰后，人类文明在这个“巨人”的带动下步入了辉煌的21世纪。
参考文献：
[1]王受之.世界现代设计史[m].北京：中国青年出版社，2002.
[2]葛鹏仁.西方现代艺术·后现代艺术[m].长春：吉林美术出版社，2000.
[3]章利国.现代设计美学[m].郑州：河南美术出版社，1999.
[4]董占军.外国设计艺术文献选编[m].济南：山东教育出版社，2002.
艺术创作的意义篇10
关键词：偶然性非理性意象有我之境
所谓偶然性是指事物联系和发展中不确定的趋向。在我们的艺术创作中，有这样或那样不确定的因素支配作品的最终形态的形成。不管是用纸、笔、颜色，或是艺术家的兴致所至，灵感的闪现，本能的触动，无意识、潜意识状态下的自由发挥等，都存在很多偶然性，也往往给我们带来了意想不到的艺术趣味甚或某种艺术技巧上的新突破。
艺术家在从事艺术创作的过程中，作者的创作意图是需要借助一定艺术媒介来实现的，工具载体的属性制约着作者的主观意向的实现，所以与主观愿望的偏差也是在所难免的。种种“偶然”虽难以把握，却往往能生发出一种新鲜的审美意趣。所以，偶然性在艺术创作中的存在具有必然性，要成就好的艺术作品，就需要艺术家恰当地把控这些“偶然”。
1西方现代语境下的“偶然”
在达达主义之前的西方艺术中，偶然性一直处于隐性作用的状态。达达主义将“偶然性”放大到了艺术创作的主导地位，强调其显性作用，从而也将非理性主义推向艺术的主流。
非理性主义是19世纪末20世纪初盛行于西方的哲学思潮，是西方传统理性主义的对立面，也是20世纪西方形形的现代主义、后现代主义艺术流派的理论基础。非理性主义推崇艺术的偶然性和机遇性，叔本华和尼采主张审美的非理性和艺术创作的无目的性；弗洛伊德宣扬“无意识”。
1.1达达主义
达达主义是20世纪西方艺术发展历程中的一个重要流派，对整个现代主义艺术流派都产生了影响。达达主义寻求一种清醒的非理性状态而拒绝约定俗成的艺术标准，其创作的根基在于机遇和偶然性因素。“随机性创作的出发点并无特定意义，它乃出于全然自发的自由创作表现，也是‘达达’反理性、反秩序的必然结果，然其作品由活泼的表现型和流畅感，却是其他经营者无法企及。”[1]
杜尚可以算是达达主义的领军人物，对于杜尚而言，最令人振奋的创作，就是经由这种有意的偶然所引发的诗意。他以充满玩笑与戏谑的态度面对艺术的严肃性，并以现成物代替创造，彻底颠覆艺术对於“美学”以及“创作”的概念，对接下来的后现代艺术产生了深远的影响。
“杜尚似乎永远在作品无止境的变化中试图找寻的可能性，他曾不厌其烦地将意外摔裂的《大玻璃》重新粘合，为的是追求那份偶然，这意外的破裂却为上下两段玻璃带来联系和转换，杜尚并试图定着玻璃上的灰尘，将偶然洒的尘土留存，既是一种无关心的选择也是对瞬间变化之偶然性的随机掌握。”[2]
1.2抽象表现主义
抽象表现主义是从达达主义和超现实主义发展出来的，倡导通过形状和颜色式来表达主观情感，而不是直接描绘自然世界。
著名抽象绘画艺术家杰克逊・波洛克根据颜色的随意泼洒形成的偶然效果，巧妙地灌注进自身满满的情感表达中，在与潜意识的“对话”中完成自我情感的意象表达。波洛克说：“一旦我进人绘画，我意识不到我在画什么。只有在完成以后，我才明白我做了什么。我不担心产生变化、毁坏形象等等。因为绘画有其自身的生命。我试图让它自然呈现。只有当我和绘画分离时，结果才会很混乱。相反，一切都会变得很协调，轻松地涂抹、刮掉，绘画就这样自然地诞生了。”[3]线与色彩的自由渗透与交融昭示着作者对传统绘画的反抗，画面没有特定的视觉中心，作者的情感却扑面而来，整个作品充满着个性的自由和解放。
波洛克以所谓的直觉和偶然因素来表现下意识，颜色的泼洒所产生的痕迹并不是作者能完全把控的，但画家能做的就是让人觉得它们都是恰到好处。在可控范围之外，却又在意念之内，我们能感受到一种自由之外的超越。
达达主义、抽象主义等艺术流派开创了非理性主义艺术的新局面，也将“偶然性”艺术创作推向高潮，进而影响了整个后现代主义艺术对非理性的探索。
2东方“意象”魅力
“中国画法不重具体物象的刻画，而倾向抽象的笔墨表达人格心情与意境……其要素不在机械的写实，而在创造意象。”[4]中国画强调的随性随情，超然于世，就是在诉求一种非理性的“无意而为之”的创作引导。特别是写意画更讲究将笔、墨、水、气融为一体，笔墨随心随性而动，天人合一，营造视觉意象之美。“在“随性”状态下的创作历程，是通过“胸有成竹”走向“胸无成竹”式的成熟，从而进入到随机应变的艺术化境。这个化境，正是“随意性”艺术追求的本质所在。”“能‘胸无成竹’地处理画面效果，实质上对作者的艺术表现技能提出了更高的要求。”[5]在随意中创造偶然，在偶然间生发灵感，灵感不断地创造新的审美意境。
在中国画的创作中，只要一笔下去就会产生很多不确定因素，轻重、浓淡、粗细、干湿都不可能确切地把握。从第一笔开始就是对偶然性的把控和引导的过程，具有连续性和不可重复性，灵感就可能在这些个无意的偶然间迸发，进而得到意象的升华。
从“意”出发是一种冒险，也是一种挑战，要营造视觉意象空间，就需要我们恰当地运用艺术创作中的偶然因素，尽可能地利用“偶发”机会，来生发新的审美直觉。墨与水的相互自由漫渗、交融，产生一种偶发的不定型的趣味肌理效果。艺术家只把握着笔触的开始，但是痕迹渗透会在哪里结束却充满了不确定性，这些“偶发”带来了很多意外效果，但只要能对偶发效果进一步地探索，就会有所收获。所以，笔尖流露的种种“艺术偶然”，可以与灵感相应而生，也可以增加画面的审美趣味，并且为我们所用。我们要做的就是训练自己的感觉的敏锐性，不断地去熟悉这些偶然的痕迹，并尝试进一步地意象延伸；或者从中找出其“必然性”，即存在的内在的规律性。
“‘偶然性’是灵感的源泉，为我们的艺术创作提供了一种契机，它不仅能使艺术创作产生出‘偶然效果’，还可能创造出一种新的视觉形象，导致视觉语言的拓展，以至对个人艺术风格的完善或演变起到促进作用。”[6]
3融贯中西创造“有我之境”