古典艺术的特点篇1
关键词：中西方古典园林艺术对比分析
中图分类号：tU文献标识码：a文章编号：1007-0745（2013）05-0195-01
前言：中西方古典园林在慢长的发展过程中，因其在世界园林艺术中均具有独特的造林形式，被人类视为珍贵的历史文化遗产。中国古典园林的典型特点为山环水抱，曲折蜿蜒，花草树木讲究自然，没有统一的格式，给人以舒适安逸的感觉。而西方古典园林的体现形式则截然不同，在其设计的过程中，主要采用人工造林的手法来体现人工美的价值，采用对称的布局、注重花草木修剪组合而成的精美的几何图案。因此分析总结出中西方园林艺术的各自特点与精髓，将其融入到现代设计理念，从而设计出更加符合现代人生活与审美的新型园林。
1、中西方古典园林概述
园林艺术与其它艺术并无大的区别，中西方古典园林分别具有自己独特风格与特征，据资料显示中国古典园林艺术始于夏商时期，已有四千多年的历史，被兴誉为世界园林之母，从早期秦始皇时期的阿房宫，汉代的上林苑简单圈地开始，到了魏晋南北朝时代受到佛教和玄学的影响，开始模仿自然，在园林设计的过程中以自然因素为主，创造出类似于自然园林的景观。直到唐代受到各种艺术文化的影响，园林艺术又上了一个台阶，如唐代诗人王维的辋川别墅，其宅院与自然山水风景有机结合，在北宋时期园林建筑业又加入一些新的元素，形成了中国园林的主要特色。而到了清朝时期中国园林艺术发展到高潮，连续修建一系列弛名中外的经典作品，如狮子林、拙政园、留园等。
西方造园艺术则始于古罗马的中央是绿地，四周围绕住宅的模式，希腊又在古罗马的基础上加以改进，发展为大规模的山庄园林，其典型特点是以建筑为主体，以对称的形式为本，在树木与绿篱造景时，开始应用整形修剪技术。直到文艺复兴时期，西方的园林开始快速发展。以人工安排，布局方正的大规模的别墅庄园日益增多。直到凡尔赛宫的兴建，这种几何形式的西方古典园林艺术达到顶峰。
2、中国古典园林的艺术特色
中国古典园林园林在艺术上具有：自然与含蓄、造型与空间、借景与意境三大典型特点，主要采用人工仿造各种自然山水风景。在园林的空间布局、景观配置及其建筑群体几个方面均体现着自然式山水风光之美，在此基础上又适当融入一些中国的传统文化，从而形成了令世界瞩目的中国古典园林艺术。
中国古典园林的艺术特色重要体现在以下几个方面：首先中国古典园林在空间布局上追求自然美，可以简单的比喻为：“把大自然中的各种美景浓缩在庭院中”，在空间上通过借景、对景、分景，隔景等造园方法，通过空间局部的交错与曲折变化，在有限的面积内，给人以空间无限的感觉，从而形成了二维空间与三维空间相结合的艺术景观效果，犹如一幅完美的图画。其次是在园林的景观配置方面多以自然山水为主体，点缀适当的花草树木，其典型特点是假山设计自然逼真，池沼布局错落有致，花木品种多样化，不同的季节都设有可观赏的植物且高低分布有别，注重远景与近景的层次，在形式上充分体现了自然天成之美与意境美。再次是中国古代园林建筑虽然没有大型建筑，但其布置往往都很密集。经常设有厅、堂、轩、馆、楼、阁、榭、舫、亭、廊等功能不同的建筑，这些建筑与山、石、水、植物之间紧密的融合在一起，让人无限的接触自然，不知不觉中体会到天然环境情趣。最后是绘画、诗词对中国造园艺术也具有一定的影响力，中国古典园林常常采用各种山水诗、山水画的形式寄情于景，赋予园林超脱与自然协调共生的意境，承载着了中国丰富的传统文化信息，实现中国古典园林的艺术价值与文化内涵。
3、西方古典园林的艺术特色
西方古典园林艺术与中国古典园林艺术属于迥然不同的两个流派，西方人认为园林是人工创造的，就应该对自然的景观加以改造，才能达到完美的境地。因此在西方古典园林造园的过程中，以排斥自然为前提，追求严谨性与合理性的相互统一，以纯粹的几何结构和数学关系为基础，强迫自然接受匀称的法则。西方古典园林的艺术特点主要体现在所有要素之间比例协调、采用对称式的布局，其总体构图也以规则严谨、直观明晰的形式为主，从而呈现出一种几何图案之美，由此可见，西方造园艺术主要是立足于采用人工方法来改变自然状态。
总的来说，西方古典园林的艺术特点主要有以下两个方面：首先在西方园林的布局构造中，建筑物体积往往都比较大，在整个园林中占很大的比例，是构成整座园林的基础。所有的花坛、水池、喷泉、雕塑等都是以大型建筑为主轴，通过对称式的几何图案将园林的整体构造有序的组合在一起。其次是在园林的景观配置方面，非常讲究人为的创意，如水池、台阶、植物及道路形状、大小与位置等每一元素都设计的非常精细，各种植物也都是通过人工修剪而成各种形状供欣赏，绝不允许其自然生长，所有的园林构成元素经过严格地规划与布局后，呈现出圆形、方形、椭圆形或菱形等规则的形状，在形式上给人以规则整齐的感觉，在空间上给人足够的想象空间，在思维上给人以征服自然的。
结束语
总之，中西方古典园林风格各具艺术特色。一个优质的园林，无论是中国古典园林还是西方古典园林，都具有令人赏心悦目的共同特征，只是侧重点不同而以，西方园林给人的感觉偏重于悦目，而中国古典园林则突出赏心。然而对比分析中西方古典园林艺术并不是本文的最终目的，在日后的景观园林设计中借鉴中西方古典园林艺术的综合特点，将双方的优点运用到新型景观园林的创新设计非常关键，所以在分析比较的过程中，要着眼于借鉴与创新，充分发挥中西方古典园林艺术的优势，设计出更加符合现代政治、经济、文化的新型园林。
参考文献：
[1]祁颖；《旅游景观美学》；中国林业出版社；北京大学出版社；2009
[2]张玲；中国古典园林置石在现代园林景观中的应用[J]；农技服务；2010年11期
古典艺术的特点篇2
【关键词】古典舞;戏曲艺术;继承;发展;审美
中图分类号：J722.4文献标志码：a文章编号：1007-0125（2015）02-0106-02
一、戏曲艺术与中国古典舞的关系
中国的戏曲艺术与中国古典舞有着紧密的关系，舞蹈，是中国最古老的艺术形式之一，在中国古代并没有“舞蹈”这个专有的名词，在古代我们称舞蹈为“乐舞”。乐舞不仅只包括舞蹈，还包括音乐、诗歌、文学等艺术形式于一体的综合艺术形式。随着时代的变迁，乐舞逐渐消亡，取而代之的是戏曲。然而中国的戏曲艺术从创作、表演形式都与西方的歌剧、舞剧有异曲同工之意。中国戏曲艺术是集音乐、文学、舞与一体的综合的艺术形式，因此可以说戏曲艺术是中国艺术审美的集中体现。直至中国古典舞的出现，采用对戏曲艺术中提炼动作元素的方法，并进行归纳整理，将戏曲舞蹈中的动作、身段的元素运用于古典舞的身韵、体态、动作语汇当中，这也就是我们所说的古典舞对戏曲艺术的继承。具体来说，古典舞的“形、神、劲、律”等元素正是吸取了戏曲艺术的精髓，而这四点也正是古典舞身韵乃至整个古典舞“韵”所在，因此广大学者认为戏曲艺术是中国古典舞的母体这一观点就显得很贴切恰当，而我们也可以说古典舞是将戏曲艺术用另一种新的形式表现出来的艺术。所以可以说，古典舞的“韵”是以戏曲艺术为基石，对其进行继承与发展，继而形成的新的文化产物，这样的继承与发展，也对古典舞更深远的发展做好了垫脚石。
二、戏曲艺术与古典舞的审美特征
（一）戏曲艺术的审美特征
戏曲艺术是一门综合性艺术形式，它融入文学、音乐、舞蹈、武术、绘画等，使得戏曲艺术的审美呈现出整体化、立体化、多层次的审美特征，并且实现了将听觉艺术与视觉艺术、造型艺术与动态艺术、时间艺术与空间艺术的完美统一，更使得戏曲具有多方面的审美特征，并使得它成为一门极具观赏性的艺术形式。
1.戏曲表演艺术具有综合美
戏曲艺术如同舞蹈艺术一样是一门综合性艺术形式，因此它具有音乐与诗歌的听觉性审美;有美术与绘画的视觉性审美和空间性审美，同时又有武术的人物动作性与技巧审美。而各个门类的艺术在用于戏曲表演艺术时，为了适应戏曲艺术的规律以及身法的变化，进行一系列的变化使之更适应戏曲表演艺术。
2.戏曲表演艺术的“形”与“神”之美
在中国的传统美学中，大多追求用形的手法对神进行描写，也就是“以形写神”，与此同时，也更注重脱离形写神，通俗的说就是“形似”与“神似”。而作为中国传统文化中不可或缺的戏曲艺术，同样也具备“形”与“神”的统一。戏曲艺术是以表演为中心的一种舞台艺术，它不纯粹的追求外“形”并不等于不需要外部形象，而是说在戏曲表演程式中把“形”作为一种元素动作符号，是对生活动作元素的提炼，这个“形”是具有一定的程式化的;在整个戏曲表演过程中，更注重的是将“神”赋予在这个程式化的“形”之中，在塑造人物特征时所追求的“神似”也是依附于“形”之上的。将戏曲表演艺术发挥到极致，就在于善于利用诚实的艺术语言，赋予人物神情意态、精神气质以鲜明的外部形象，将“形”与“神”进行统一，造成传神的离合感，在神似中寻求形之所在。
（二）古典舞的审美特征
舞蹈不单单是一种“运动”的艺术形态，它更是一种“审美”的形态，而存在于“运动”中的“审美”也是古典舞所必须具备的条件。由此可见，在中国古典舞的历史长河中，整个古典舞会给人一种“行云流水”的审美之感。而这种审美之感要归功于古典舞身韵的运用。
在古典舞身韵的表现方法上强调轻与重、收与放、急与缓的对比;在动律中讲求欲上先下、欲左先右、封开闭合的辩证思维;并且在造型上强调拧、倾、圆、曲的特征，再加上对于戏曲艺术中身法的元素提炼，根据动律、造型以及表现方法，使其形成具有古典舞性格的韵律，也使古典舞成为中国具有时代气息新的舞蹈形式。古典舞如行云流水、动中有静这种艺术魅力，正是将“形、神、劲、律”这种古典舞身韵最重要的表现手法与韵律等的高度结合，才会有这样的审美效果，由此可见“形、神、劲、律”是对古典舞身韵的高度概括和重要体现。
而这四字原则的规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形和”，由此构成形神兼备，内外统一的特征，也构成了具有古典舞特色的美学价值。
（三）两者艺术审美的关系
中国古典舞的身韵来源于戏曲艺术，而古典舞身韵的精髓则在于“形、神、劲、律”这四字原则，更可以说这更深刻鲜明的体现了整个古典舞身韵的基本内涵，而这个“形”与“神”也正是戏曲艺术所要追求的一种艺术审美价值。在戏曲艺术中，“形”与“神”的统一，通过“神”写意，也是古典舞所要追求的审美价值的体现。
戏曲艺术与古典舞都有一种写意性，这也就如同绘画的写意，但两大艺术门类又将写意赋予了新的含义。在戏曲艺术与中国古典舞中，写意是通过表演得以实现的，通过肢体语等进行抒情，然而古典舞与戏曲艺术都是一种综合性的艺术形式，它们视觉与听觉的统一，更加深化了抒情的色彩，更能体会出“情动于中而形于外”的意境。
由此可见，不论是中国古典舞的形、神还是戏曲艺术的形、神，它们都注重形神合一、以神带形。这两种艺术形式在审美上又相互影响，两者存在共通点。
三、戏曲艺术与中国古典舞身韵的融合
中国古典舞身韵是在古典舞长期发展过程中，对戏曲艺术中的身段与动律进行提炼，最后形成动作元素，以此来训练身体韵律的重要手段。身韵是对身体韵律感训练的重要方法，强调的是以“圆”为运动轨迹，加上“点”和“线”，通过腰部发力点带动整个身体做“圆”的运动，从而产生韵律感，达到中国传统美学“圆”与“和”的思想观念。然而中国古典舞并不是依从于戏曲艺术而是从戏曲艺术剥离出来的一种归于舞蹈的艺术形式，因此古典舞的身韵是“身法”和“韵律”的结合，是对戏曲艺术审美中“形神统一”的一种升华，也相对于戏曲艺术来说更多了一部分的“韵”的理解。
（一）从“形”看古典舞与戏曲艺术的融合
古典舞身韵“形”的训练，是以腰为发力点、以腰部动律元素为基础，以平圆、立圆、八字圆为运动路线，以“拧、倾、圆、曲”为体态重点，组成古典舞中的典型性动作，但这些动作正是我国戏曲艺术中以圆为美的审美原则。中国戏曲艺术有一套自己的典型性动作，例如，“云手、风火轮、燕子穿林、青龙探爪”等，这些动作是极富有形象性和感染力的，但如果让这些动作成为一个个孤零零的动作而存在，必然会使得这类典型性动作缺乏生命力。在古典舞身韵中通过提炼、强化和发展元素，对单一元素进行“一生二、二生三、三生万物”的创造，将这些典型性动作韵律化，使其更富有生命力。
（二）从“神”看古典舞与戏曲艺术的融合
戏曲艺术的审美原则很重要的一点就是“形神合一”达到传神的离合感，在戏曲艺术中用“神似”带动“形似”。在中国古典舞的形与神的关系中，也是将神放在首位，以神带形，形神兼备。而正是这种形与神的转化，也造就了身韵的“韵”，“韵”可以说是中国古典舞的精髓之所在。例如，眼神运用中的聚、放、凝、收，这不单单指的是眼球的运动，眼神的收放一定受心理情感的支配。
戏曲艺术很十分重视动作瞬间结束时的亮相，亮相主要体现在神的瞬间停顿，再加之以姿态性的动作，这在中国古典舞中也广为所用，称之为舞姿的训练，这类训练是舞姿与节奏的紧密结合，在节奏中的瞬间屏息停顿或是在节奏末的停顿，都完全体现古典舞“神”的动律，也将戏曲艺术中的“神”发挥的淋漓尽致。
四、结语
中国的戏曲艺术与舞蹈艺术可以说是相互影响与依存的姊妹艺术。戏曲从形成开始就是在乐舞中吸收养分成长并发展的。而中国古典舞，即在戏曲舞蹈的基础上，又兼容吸收太极、武术等其他形式，进而形成一种新的舞蹈形式。这两种艺术都对中国的传统文化、传统审美观念有着高度的凝结与概括。而古典舞的“韵”虽对戏曲艺术有更多的继承与保留，但如果要向前发展，要从戏曲的程式化走出来，要在继承中传承传统，就要深入地研究并认识它，使传统文化艺术得到深入的发展。
参考文献：
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[7]王克芬.舞论（王克芬古代乐舞论集）[m].兰州：甘肃教育出版社，2009.
古典艺术的特点篇3
关键词：古典舞神韵美课堂教学
古典舞是一门非常具有中国古典主义舞蹈美学特色和艺术内涵的舞蹈形式，与当今时代流行的各种舞蹈之间存在着很大的差别，但同时也有很多关联之处。古典舞教学的重点和难点就是无法让学生深入的理解和领会古典舞的美学思想、主张和特性，使得很多学生不能把握古典舞的艺术精髓，不利于古典舞的传播和发展。为此，基于古典舞神韵美学特征进行课堂教学的改革越发显得重要。
一、古典舞的身韵美的内涵
所谓古典舞，并非直接发源于我国古代的一种舞蹈，而是对我国古代戏曲、杂技、武术等众多的曲艺表演艺术进行提炼，单独作为一种舞蹈艺术来研究和发展的一门舞蹈艺术。古典舞和我过的戏曲文化、杂技、武术等有很强的关联性，是讲究舞蹈者“手、眼、身、法、步”和谐统一并立共存的一门艺术形式。
古典舞的身韵美，其实就是对舞蹈者外在舞蹈表现和内在内涵、感情、韵律、节奏的整合把握。它体现的是舞蹈者在进行特定的古典舞表演的时候，通过举手投足间一动一静的动作和表演来深入的刻画舞蹈节目中的思想与情感。身韵在古典舞之中是辩证统一的，有“身”的演绎才有美的传递，有“韵”的把握才有思想的绽放和流露。号召在古典舞的教学中将身韵审美特征作为重点内容来学习，也恰恰是因为身韵美是古典舞的灵魂。不能很好的理解身韵美的特征，不能领会身韵美的表现，不可能获得理想的教学成果。
二、古典舞身韵审美的特征与具体表现
（一）形为外，古典舞审美的第一特征
古典舞的美学特征中，形是最重要的，也是最直观的表现形式。形在这里可以作多种解释，是形体、形态、动作、衣着、服饰等多方面的总称。我们对古典舞的审美研究和欣赏，全部是建立在这个形的基础之上的。在古典舞中，形主要是从两个方面来看待：第一是单独的、片面的研究，比如舞蹈者的步法、动作、举手投足是否到位，是否标准，是否过度，是否与舞蹈本身的旋律、节奏有冲突等。这是从一个断面、一个层面来解读的。第二种解读，是对整体舞蹈动作、舞蹈编排、舞蹈演绎的形的品鉴与欣赏。一个古典舞表演完毕之后，我们要通过对舞蹈者的个体的“形”的演绎来了解和评判整个舞蹈活动、舞蹈动作是否成功，是否能够起到预期的效果，是否有出彩的地方，是否有不足之处需要弥补。
在很多古典舞的艺术研究中喜欢把形的审美按照静态、动态、动态与静态的结合等形式来进行区别理解，这其实就是局部、片面与整体的鉴赏关系。形不仅是观赏古典舞的艺术特色，领会古典舞的艺术内涵，评判古典舞的特点与水准的重要依据，也是学生接触古典舞的最直接、最有效的一个层面。从直观的视觉效果入手，对古典舞的了解才会逐渐深入进去。
（二）神为内，古典舞审美的第二特征
神，是古典舞艺术中的精髓，是舞蹈艺术的灵魂。没有神，则形的演绎就成了盲目的、漫无目的的荒诞演出，丝毫谈不上艺术性、欣赏性、思想性。神在这里也有多种概念，是神态、神情、神采、情绪、气质、气韵、情感的统称。神的审美特征，在表面上主要归结为神情、神态、情绪和情感的流露等方面，比如悲怆的、苍凉的、激愤的、热烈的、沉闷的、忧郁的、紧张的各种情感的流露，这是神的表面化特征，是观众可以借助舞蹈者的表演直观的感受到和观察到的。
神还有一重内涵就是对古典舞的主题思想、思想感情、情感主张和文化内涵、文化本质、价值观念、美学理念等内容的解读。这些内容，需要观众结合古典美的形的审美特征和外在的神态、情感的流露等内容来思考、探究和分析。就像《黄河》、《梁祝》或《丝路花雨》等古典舞蹈名作，其本身的精神文化内涵、价值观念、情感诉求都因为舞蹈的创作背景而有很大的差别。这种差别就需要通过对神的审美特征的精细把握和解读来了解。
（三）劲为辅，古典舞审美的第三特征
劲是在形的表演中把握动作节奏和层次，确保形的表演、演绎遵从神的指导和意愿的特殊因素。劲是一个动作的规范，当然并不局限于动作，它还可以延伸到神情、情绪表现的幅度方面。劲的意思，在古典舞蹈中是指在动作表演中要把握一定的幅度，要确保动作干净利落不拖泥带水，要保证每一个动作到位，不多一分也不少一分。它也规范了动作的缓急快慢的节奏，在舞蹈表演中舞蹈者借此来把握动作的柔和与刚猛、舒缓与急切。可以说，是劲的把握和规范作用，让古典美的表现有了更加丰富的层次和内容。
跟据劲在人的神情动作中的不同表现，也可以区分为动作上的“寸劲”、“反衬劲”和“神劲”三种情况，寸劲的幅度小但力度很足，反衬劲的幅度很大，力度也很强烈，神劲则是用在眼神上较多一点，用眼神中的感彩和力度的大小来达到理想的表演效果。
（四）律为法，古典舞审美的第四特征
律是一种归于古典舞艺术特有的节奏和律动，也是一种章法和规范。律的演绎，赋予形的表演另外一重辅助，它与劲有异曲同工之妙，也有着各自不同的表现和价值。
在古典舞蹈中，对律的运用有两个：正律和反律。正律是指一系列的舞蹈动作顺畅连贯，不带有强烈的矛盾和突出，一气呵成。反律则是指在动作中加入一些明显的对比强烈的动作，比如左右冲突、上下起伏、骤然回转等，它的作用就在于将表演的内容、情感等以更强有力的形式表现出来。律的形式，类似于一种普遍的规律和遵循的原则，它是对古典舞的艺术魅力进行深化和强调的有力方式。通过对古典舞的四种审美特征进行解读和领悟，要掌握古典舞的美学特征就更加容易一些。
三、基于古典舞身韵审美特征开展的课堂教学尝试
（一）多媒体教学系统的运用
古典舞的身韵审美特征，不是单纯依靠一些理论介绍就能够让学生明白的。对古典舞的感悟和体会，其实还是要靠反复的观摩才能逐步了解。这其实和体育运动或者武术训练有类似的特点，必须要反复的训练和观摩，才能找到其中的窍门。在古典舞教学中，不可能频繁的反复的进行古典舞蹈的演练和编排来满足学生学习的需要。而通过多媒体系统再现一些经典的古典舞场景，通过视频系统定格一些画面，或者通过播放软件来快进和后退，可以让学员对古典舞中的特定的动作有更加清晰的认知和了解。比如要让学生了解古典舞中的形的美学特征，那通过对古典舞的画面进行定格，让大家静静的观摩和体会这一个姿势、一个动作的要领，体验这种动作、体态中蕴含的神、劲、律的特征，是一种非常直观有效的教学方法。多媒体教学系统还可以通过投影仪将特定的画面放大，这对于细致的观摩和了解古典舞的技术要领、美学特征也有积极的作用。
（二）课堂演练为主的体验式教学
多媒体教学系统让学生通过视频、图片来了解基本的美学特征。而课堂演练则是对多媒体教学系统教学效果的深化。通过课堂演练教学，其实是运用了体验式教学的理论和原理，通过老师和学生的亲自演练来体验其中的审美特征。比如让老师在课堂上摆出古典舞的动作来，一边做动作一边讲解，可以让学生在围观观摩中深入的了解其中的一些细节差别。比如对“劲”的审美特征的讲解，老师在同样的姿势下，通过手部的动作来演示寸劲的效果，或者通过眼神的表现来展示“神劲”的差异性，这些在多媒体教学中很难清晰理解的和感受的细节，通过现场的体验和观摩会有更加真实的效果。
通过体验式教学，还有一个好处就是可以让学生充分的参与到古典舞的教学活动中来，让学生充分的认识到古典舞蹈的身韵特征。学生的兴趣会在这个体验式教学活动中得到培养，这也有利于教学效果的提升。
（三）经验分享和话题探讨式教学互动
这一步是对多媒体教学和体验式教学的深化。和前面两种教学方式比较起来，经验分享和话题讨论是促进学生、师生之间的互动，通过这种交流和沟通来启迪学生对古典舞美学特征有更好的理解。在课堂上，学生的理解能力不同、天赋不同、水平不同，观察的角度和考虑问题的方式不同，所掌握的内容就会有所不同。通过经验分享，让学生们在课堂上对掌握的内容发表自己的观点，对体验式教学或多媒体教学中的内容讲述自己的理解，这可以让学生更加积极、主动的思考，强化学生对课堂内容的理解和认知。当一个学生讲述自己的经验和观点的时候，其他学生可以参考和比较，从而了解这种观点是否和自己理解的一样，让学生发现自己和对方有差异的地方。
探讨式教学有类似的特征，让学生分组探讨或者集体讨论某些话题，加深学生对这些话题的理解，强化学生对美学思想有更深层的交流。每个人发表自己的观点，就可以推动教学成果的扩大化。这比老师自己进行讲解更省力，也更能够体现教学思想的多元化。
（四）结合学习成果强化基本功训练
在前面三条教学项目中，以提高学生的艺术修养，提高学生的理解能力，提高学生的艺术素质为重点。在此基础上进行基本功的训练，这是完成教学成果的最后一步。在学生对古典舞有充分了解和领悟能力的条件下，学生在进行基本功训练的时候，能够深切的了解每一项基本功训练的意义和价值所在。这就增加了基本功训练的有效性和主动性。基本功训练的强化反过来也会加深学生对古典舞理论、艺术的理解和领悟。比如对基本功中的耐力、速度、爆发力、标准动作和呼吸方法的训练，可以让学生更好的感受到身韵特点中的各种美学效果。这其实是一个相互促进相互推动的过程，通过不断的强化基本功训练来加深对古典舞美学特征的认知，再通过深化的认知来指导基本功的训练。以此来推动古典舞教学效果的提升效率更高。
四、结语
古典舞身韵审美特征是古典美的灵魂。对这几个美学特征有充足的了解，就可以确保对古典舞的美学艺术有更加精准的把握。在古典舞的教学中，通过现代教学设备、结合形式新颖的教学方式就可以充分调动学生的积极性，让他们对古典舞的课程内容有更深刻的了解和掌握。在此基础上强化古典舞的基本功训练，让理论与实践充分结合，要活的理想的教学成果就会更加容易。
参考文献：
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古典艺术的特点篇4
论文关键词：古典主义，风格，形式因素
如果作为一个专有名词，古典主义艺术指的是古希腊、古罗马及文艺复兴时期秉承古典精神的艺术。而新古典主义，则相对古典主义而复兴的，相对于文艺复兴时期，新古典主义继承了“文艺复兴”。所以“古典”这个词充斥在这三个历史阶段中，在文艺复兴时期所指的“古典”是指古希腊和古罗马时期，新古典主义时期所指的“古典”是指文艺复兴时期，古希腊和古罗马时期。而我们现在谈的“古典”则是指这三时期的精神，由于古希腊和古罗马时期没有油画，一般所指的古典油画也就以文艺复兴时期为重要代表。而在这里我们所讲述的古典主义油画的形式特点也是这一时期的形式特点。在一幅画产生的印象中，静穆、伟大和重要等概念将作为决定性要素浮现出来，而不理会所描绘的实际题材，也就是说，我们在欣赏古典主义油画时形式因素，需要明白画面中所包含的形式特点。下面就从构图、色彩、线条四个方面对古典主义油画中的构成因素进行分析。
1.古典主义平稳的构图
古典主义的作品是建立在一种单纯而稳定的构图之上，对称是平衡画面的总则，古典主义油画构图中最大的特征是三角形构图。正如米开朗琪罗所说:“古典原则需要艺术家由理智、艺术、对称、平衡、精选、坚信来引导。”这是古典主义原则的一个强劲的宣言，它奠定了文艺复兴古典艺术大厦的基石。同时，自远古时代就为人类所熟知的黄金分割律在文艺复兴时期被系统的运用，使画面成为一个整体，和谐一致。几何学的严格和科学透视的融合，产生出在构图上无以伦比的平衡完美的作品。古典传统的作品是建立在一种单纯而稳定的构图之上的。对称是平衡画面因素的总则。几乎所有古典主义构图中最大的特征就是三角形构图。三角形的底部几乎占据了画面的整个下部，拉斐尔的许多作品就是采取这种格式。
古典主义构图当中还有一个重要的原则就是黄金分割律的使用。在远古时期，黄金分割律就为人们所熟知，可是只有在文艺复兴时期，才开始被艺术家运用到画面中分割形体使得画面作为一个整体更加和谐统一。几何学和科学透视的融合，将会产生出无与伦比平衡完美的作品。所以达芬奇在他的绘画中的科学性中说:“科学与艺术不但不相违背，反而因为彼此相互融合而产生更强的效果。如果没有科学，艺术的表现力将大大失色，它可以通过科学使其更具有张力。如果没有艺术，科学将只能通过逻辑的语言去阐述，失去了更为形象和准确的表现力。”所以，在达芬奇的画中，他将两者融为一体，它们是完整的结构整体，他的画中，充分表现着和谐的比例和各个形象之间的平衡感[1]。
2.古典主义微妙的色彩
就色彩分析古典时期的绘画,冷暖色彩变化极其微弱，几乎谈不上有真正的冷暖色彩对比关系，色彩是素描的附属物。所以古典绘画更多的总是以故事、形象和素描来打动观者，而不是色彩和笔触。西方著名美学家康德在《判断力评判》中，就色彩在艺术中的从属地位问题作了决定性的评价。他说，“在绘画和雕塑中构图是关键……给草图添辉的色彩是构图的一部分，色彩以它自身的方式可以给我们观察画面增添一种生气形式因素，但色彩自身绝不能使画变美。”这就是说，色彩不是绘画中的决定因素，充其量只是构图和画面的点缀而已。在康德前后好几个世纪中色彩的地位一直如此。［2］再现绘画体系的发展和写实技法的完善受到了色彩从属地位的制约，随着素描体系发展越来越完备，色彩语言逐渐受到艺术家们的重视。
3.高贵的线条美和有节奏的韵律美
线条是视觉艺术中的造型语言之一，是人类从自然界中抽取和归纳的主观创造。线条是人类抽象思维的成果，又是人的感觉、领悟和想象的结果。线条是人们在改造自然界时对经验的一种总结，它包含着人类的智慧。沃尔夫林在《艺术风格学》中讲述：“线描风格是由塑形感的清晰性的风格，多半表现固体的
[1]戴勉译《达芬奇论绘画》人民美术出版社1979年
[2]常宁生．《反叛与超越现代西方绘画艺术》．上海：东方出版中心
对象，其平静的、光滑坚实的、清晰的边界轮廓给观者以安全感，以致产生触觉的效果。这种风格的形象具有持久的、可测量的、有限的形式。”正是古典主义油画中高贵的、富有节奏感的线条美使得艺术家对古典主义绘画孜孜不倦的探索与研究。正如英国画家威廉.布莱克所说：“弹性的线条愈独特、醒目和坚韧，艺术品就愈完美；如果线条愈柔弱、模糊，艺术品就显得愈粗糙，想象力就显得愈贫乏，……舍弃线条就等于舍弃生命。”
举一个例子，我们可以从表现的观点来分析拉斐尔的线条，与15世纪过于琐细的轮廓线相比较来评述它的极高贵的风采；我们可以在乔尔乔内的维纳斯的线条运动中感觉到它同《西斯廷圣母》的密切关系。两人彼此的相似之处在于他们都代表着十分严谨的线的设计类型。而拉斐尔的崇拜者安格尔对线条的运用更是极为重视，他认为线条是造型的基础。安格尔喜欢用有?性的∠弑硐秩颂澹有大小不同的∠咦槌傻牟ㄐ蜗撸它的延伸方向缓慢起伏变化，而大大小小的∠呦嗔形成类似音乐般的韵律感，与和谐的古典审美趣味相适合。安格尔在素描中的线条是外显的，他的素描线面结合，线条对于?《西斯廷圣母》拉斐尔
造形体来说，具有很强的归纳性，以线带面，给人明确的形体感，干净利索。安格尔认为：线和形越是简练，就越富有美感和魅力。安格尔的油画充分体现出他在素描上用线的高度技巧形式因素，把线条内化在形体中，这种由弹性线条形成的节奏韵律，像音乐一样流淌在整幅画面中。
总之，古典主义油画几乎孕育了后来油画的所有风格，巴洛克、浪漫主义、现实主义等都是在古典主义的基础上发展起来的。古典主义油画在造型上追求一种理想化的美感，其精于观察，对形的追求以现实为基础，并能加以适当的主观处理。在造型时对形体态做了变形，形成有节奏的曲线，加强流动感，甚至为了符合自己的审美追求对自然形进行夸张改造，以获得古典主义油画理想化的丰满和圆润典雅。也就是说，古典主义油画家在作画时有一套高度的古典主义形式美的形式法则，这种形式法则将抽象的古典美与具象的古典写实技巧发挥到极致。严谨、雄伟和简单明了，加上精细的绘画以及清晰的形式与崇高的内容的完全一致，这一切作为古典主义的要素在诸如毕加索、马约尔和穆尔这些晚期艺术家的许多作品中继续存在。
参考文献：
[1]戴勉译《达芬奇论绘画》人民美术出版社1979年
[2]姚扣根赵骥《外国艺术十六讲》上海百家出版社
[3]常宁生．《反叛与超越现代西方绘画艺术》上海：东方出版中心
[4]唐敏油画色彩语言的精神表现性
古典艺术的特点篇5
关键词：古典园林；建筑艺术；艺术造型；发展
建筑与园林中的花木、山水等有着密不可分的联系，通过将建筑与园林中各项自然元素有效结合，为游客构建一幅幅优美的画卷。古典园林建筑艺术源远流长、历史悠久，利用建筑的类型、构造等进行设计，将古典艺术充分体现出来，并将其与园林整体设计进行有效地融合，从而形成一副回归自然的整体景色。而且园林建筑的运用同时可以起到为游客指引、提供休息之所的功能，更有利于园林的长期发展。
1.古典园林建筑艺术概述
古典园林建筑艺术是基于古典建筑基础上表现出来的一种艺术，园林建筑艺术的发展历史悠久，不仅能够给园林增添一份古典景色，更能通过古典园林建筑的应用对园林进行造景，供游客观赏、游览以及休息等。古典园林建筑在园林中随处可见，如何运用古典园林建筑是园林设计师设计中重点考虑的内容，园林建筑多种多样，大小不一，再加上园林存在的地域性、环境、人文等特征的差异性，使得设计师在园林建筑设计时也将面临着诸多的难题，如何将古典园林建筑艺术美充分地体现出来是设计师们重点关注的问题。从实际来分析，古典园林建筑是对自然美、生活美的一种雕刻和还原。古典园林建筑艺术从建筑的不同架构中体现出来，例如，楼、阁、廊、亭、屋顶、屋脊等，而且随着社会经济的不断发展，游客对园林的要求也越来越高，不仅要具备良好的观赏性，更要便于游客游览之需，如小卖部、游艇码头、售票亭等，这些建筑都应还原自然美，利用古典园林建筑艺术特色将其充分展现出来。
古典园林建筑在园林艺术中占有相当重的分量，不仅仅体现出建筑物的个体，更是与园林中的山、水、植物等进行有机结合，体现出整体的艺术美，更好地打造出园林景色，犹如画龙点睛为园林审美添上关键一笔，成为园林景观的重要点缀，为游客提供更为优美的风景画卷。随着社会经济的不断发展，历史进程的不断推进，园林建筑文化也不断赋予时代的气息以及崭新的精神面貌，园林景观也逐渐向着生态园林的方向发展，在这个过程中，古典园林建筑起到了关键性的作用。
2.古典园林建筑艺术在园林中的应用分析
2.1古典园林建筑艺术在园林中应用的作用
在近些年的发展中，园林景观也逐渐受到社会各界的重视，尤其是对园林中各项标志性景观的设计。当今有很多园林都引入了大量的古典园林建筑艺术，不仅能够代表园林的标志性符号，更是体现园林艺术水平的关键所在。一般情况下，将古典园林建筑艺术应用到园林中，都是将建筑作为园林风景画面的主景、重点等，形成一幅美丽的园林景色画面。也就是说，园林在发展的过程中，很大一部分都会依赖园林建筑参与到其中，这样才能将更加美好的画面凸显出来，从最本质的角度上来讲，如果没有建筑存在的园林也将不会称其为园林，尤其是古典园林建筑艺术的应用，更能凸显出一座园林的中心、标志等。例如，西安大唐芙蓉园侍女馆中的宝塔、杭州西湖边的雷峰塔等，这些都是古典园林建筑中著名的标志性建筑物，更为园林增添了一份古朴的色彩。
2.2古典园林建筑艺术在园林中应用的类型
园林是环境改善的关键，我国园林有很多，而受到地域性、环境、文化等方面因素的影响，也使得园林中的建筑类型存在很大的差异性，特别是古典园林建筑艺术的应用，更是从不同角度上突出艺术的特征。古典园林建筑艺术在园林中的应用主要有以下几方面建筑类型：
2.2.1楼阁。楼阁是园林中的重要建筑之一，在应用过程中要分析楼阁做的是主景还是配景，再对其选择恰当的位置。一般情况下，楼阁多处在园林的四周，普遍楼阁多为2层，当然，具体的应用要根据园林的实际情况来定，很多古典园林建筑艺术的应用也会对其取名，如狮子林的修竹阁、拙政园的浮翠阁和留听阁、留园的远翠阁等，这些都是园林的重要标志之一，更是园林的主要风景。
2.2.2廊。廊在园林中的应用极为广泛，起到园林中建筑物之间联系脉络的作用，通常也可以将其作为园林风景的导游线。廊的布置具有蜿蜒逶迤、随形而弯、依势而曲的特征，同时在廊布置的过程中，可以划分空间，廊的变化也可以增加风景的深度，而且廊也是古典园林建筑艺术的重要元素之一，没有廊的存在，园林古典建筑将会显得更加枯燥。廊多跨凌于水面之上，廊形式也分很多种，如楼廊、复廊、曲廊、水廊等，在园林环境下应用，也会体现出不同的艺术美。
2.2.3亭。亭为休憩凭眺之处，主要设立于园林中的山上、路旁、林中、水际等处，是园林风景的重要点缀，更是古典园林建筑艺术不可缺少的重要元素之一。亭的样式多种多样，样式与大小要做到因地制宜，这样才能凸显出古典园林建筑艺术美的特征。从园林中亭的平面来划分，主要分为方形、长方、原形、六角、八角、扇形、海棠、梅花等类型，例如，江南园林的醉翁亭、陶然亭公园的陶然亭、爱晚亭、湖心亭等。
2.3古典园林建筑艺术在园林中应用的建筑构造
古典园林建筑艺术具有丰富的表现力，从建筑的各个结构都能体现出艺术美的特征，如屋顶、屋脊、屋角等，根据园林特征的不同也会设置不同构造的建筑物，以此来与园林整个景色搭配，充分体现出古典园林建筑的艺术美。
如屋脊的构造：就当前园林中应用的古典园林建筑来分析，屋脊的构造主要分为纹头脊、哺鸡脊、甘蔗脊、雌毛脊、游脊等。屋角的构造：屋角的构造直接体现出屋顶的形式，例如，屋顶为攒尖式，屋角必定是反翘式。古典园林建筑艺术的多样性，屋顶也必定体现出不同的特征，其中屋角的构造将会对屋顶的特征产生直接的影响，因此，古典园林建筑艺术在园林中应用的过程中，要特别注重建筑构造。
2.4古典园林建筑艺术在园林中应用的功能
园林除了能够改善生态环境之外，同时还能供给人们旅游观赏，将古典园林艺术应用到园林中起到整合旅游资源、连接景区、造景等方面的功能『句。例如，园林中各种亭台、走廊等，将游客引入更深入的园林景色，更是游客缓解游览景色中疲惫感的绝佳场地，为游客提供有效的使用条件。在整个园林设计中，古典园林建筑艺术的应用将是园林规划设计的重要组成部分之一，同时通过对园林建筑灵活性、科学性、艺术性的设计，将其古典建筑艺术与园林景色充分融合，从而有效地突出园林与古典园林建筑的整体美。古典园林建筑艺术在园林中的应用，还具有导向的功能，尤其是对一些规模较大的园林，园林内的线路蜿蜒曲折，再加上园林树木的茂盛，很容易让游客迷失方向，而通过建筑作为导向，不仅可以作为园林景色的重要点缀，更能为游客的观光进行导向。
古典艺术的特点篇6
艺术流派的产生是艺术发展到成熟阶段才出现的现象，需要不同特点的艺术品作基础。形成艺术流派的先决条件是必须具有一定数量的艺术家队伍和较为丰富多样的艺术表现手段。事实上，艺术创造作为一种特殊的精神产物，包含着许多复杂的内容，艺术流派侧重从艺术史的角度来区分各种具有不同特点的艺术派别。17世纪以来，在艺术史上出现了产生重大影响的艺术流派，古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义、现代主义等。
1古典主义学说
古典主义艺术起源于17世纪的法国，随后波及英、德等国家，指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，一般具有明晰、严谨、形象、和谐的特点，歌颂理想主义、气魄宏大，多以神话、圣经和历史故事为题材。古典主义艺术以希腊的雕塑为最高范本。希腊雕塑表现了非常具体的形象，神总是作为人来表现的，在人体的形象中，神性由特殊转为普遍的人性，但是虽然在个别的形体里神还是要保持他们的普遍性，体现了古典艺术的静穆、典雅和理性主义精神。雕塑是最适宜表现这种特征的，因为它只以静态的方式存在。
拉斐尔对古典主义有着重大影响，作为意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一，拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，他的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序。如[意]拉斐尔《圣母子》作品，这一点与古典主义主张的典雅、和谐是一致的。18世纪以前的古典主义具有注意细节的真实强调典型化；具有强烈的政治倾向和理想，艺术作品普遍比较理性化；对于形式的要求很严格，艺术语言精练细腻。到了18世纪下半叶，资产阶级与封建贵族之间的矛盾日益尖锐，法国酝酿着一声场巨大的革命风暴。他们厌恶了过分娇柔和胭脂粉的洛可可艺术，期待着更雄壮、更高尚的艺术出现，大批艺术家以对新的现实主义的探索使古典主义传统丰富起来，掀起了学习和研究古代艺术的热潮，出现了一场新的复古运动，这场运动在艺术史上被称为新古典主义。
2浪漫主义学说
19世纪上半叶，经过大革命的洗礼，法国的资产阶级的地位逐步确立，此时的政治环境比较宽松，追求个人情感的表达、强调自我成为新的社会时尚。精神需要自由，而古典主义所措以表现的英雄与神的形象毕竟是有局限的，它已经与时代精神格格不入，这个矛盾导致了古典主义艺术的解体，接踵而来的是浪漫主义的艺术。
浪漫主义强调主观、个性、感情和非理性，是与学院派古典主义针锋相对的艺术，向往回归自然，表现理想，抛弃了古代希腊罗马的艺术传统，以强烈的激情和想象焕发出艺术的个性。与古典主义艺术相比较，浪漫主义艺术所表现的是人的主观世界，从物质的现实世界中退回到人的心灵世界里，追寻每个人自己内心的理想美，突出自我的主观性，从而激发了艺术家的创作情感。在艺术创作中，浪漫主义不再把自然作为原型，而是以它为假托，以一种诗情画意的想象和热情来通过具体的艺术形象寄予个人的情感。浪漫主义艺术家一般都以一种超越现实的精神表达自己对理想生活的追求，追求那种多姿多彩的境界。浪漫主义的特征是有理想性。对理想的追求使浪漫主义艺术家对艺术创作保持激情；有抒情性。浪漫主义艺术家注重表现心灵的世界，侧重心灵对于生活的感受；有非真实性。在艺术手法上多采用想象夸张，并不追求细节的真实性。神话故事《西游记》，其中孙悟空七十二变，就是运用了丰富的想象与夸张手法；又如英国浪漫主义艺术的先驱者之一布莱克，代表作《上帝创造亚当》，画面上上帝伸着长翅在空中急速向前飞驰，身体下面是被蛇缠绕的亚当，二者的形象都处在十分夸张的色彩和线条的律动中，对上帝的形象做了突破性的处理和想象，在技法和材料上也做了大胆尝试，运用了油画和水彩相结合，这种意想不到的艺术效果把人们带到一种梦幻的、神秘的气氛中。而在法国，浪漫主义运动影响更为深远，以籍里柯、德拉克洛瓦等为代表的浪漫主义绘画艺术代表了一个新的高度。
3现实主义学说
现实主义是19世纪西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮，它真实客观地再现社会现实，在艺术形象中能最充分地表现现实生活的典型特征。由于现实主义艺术家的作品大多是对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义。
古典艺术的特点篇7
关键词:新古典主义达维特
18世纪是中期新古典主义开始发端,直至19世纪上半期这股艺术思潮才震动了画坛。新古典主义极力反对贵族社会倡导的巴洛克和罗可可艺术风格,主张恢复欧洲古希腊罗马的艺术形式,追求一种在庄严中体现优美,在肃穆中结合雅致的艺术格调,虽然新古典主义画家钟爱体现古希腊罗马艺术形式的绘画元素,对这个古代艺术深深的迷恋,但新古典主义的可贵之处在于同时代精神,现实生活紧密相连,尊重真实和现实。
新古典主义画派认为艺术应该从现实出发,崇尚用理性的观点分析问题,服从理智和法律,认为公民应该以国家的利益为重。在艺术创作上以古希腊的理想美为审美的最高准则,在油画中色彩元素并不突出,反而强调素描的结构,在画面上力求呈现一种雕刻感,这样的油画作品庄重而典雅。
新古典主义的另一个名称是革命古典主义,原因是它虽然表现的是古代的绘画元素、题材,采用古代的表现手法,但是它与当时的资产阶级革命紧密联系在一起,借古代的英雄人物和重大事件比喻现实中的阶级斗争,为资产阶级吹响革命的号角,因此新古典主义有鲜明的政治倾向性,达维特可以是新古典主义的领导者,其油画作品有着极强的政治寓意。
雅克?路易?达维特Jacques-LouisDavid(1748-1825年)作为新古典主义画派的最具代表性的画家,出生于巴黎的一个普通家庭,父亲早年去世之后,年仅10岁的?达维特由亲戚抚养,并在亲戚的帮助之下投在了罗可可画派的着名画家布歇门下学习绘画,布歇觉察大卫的绘画风格与迥异于自己的罗可可风格,将他转送到皇家美术院教授维恩门下。达维特曾经认真的系统的研究过布歇、格勒兹、普桑、和卡拉瓦乔的油画作品,他早期的艺术风格受到过这些画家的影响。达维特在27岁时获得罗马奖赴罗马留学,在学习期间对古代希腊罗马艺术遗迹产生了浓厚的兴趣,专心钻研希腊罗马雕刻,受到了古想美的熏陶。在这期间,法国社会政局动荡,达维特在也受到了反对封建专制统治的古罗马共和政体的影响,涌现了极大的反封建政治热情,他在艺术创作中开始借鉴古代欧洲艺术形式,试图表达自己的这种热情和政治意见。
达维特早期的作品仍然保留着古典主义的基本特点,但又与之不同,这些作品以古代的理想美为典范,他曾说过,古代是当代画家的学校,它是当代画家艺术创造取之不尽的源泉。吸收古代营养的同时他又积极体验和表现现实生活,在当时法国反封建革命热情高涨的政局中,因为与雅各宾党有着亲密的交往,受资产阶级革命思潮的影响,他创作出了一批宣扬共和思想的油画作品。达维特果敢的将自己的艺术的创作与这个时代空前高涨的革命情绪联系在一起,表达自己的政治理念,反映现实生活,他曾经说过:“艺术必须帮助全体民众的幸福与教化,艺术必须向广大民众揭示市民的美德和勇气”。达维特以时代为视野,以画笔作为战斗的工具,将艺术与现实革命紧密的连接在了一起,成为了一名革命画家,《贺拉斯兄弟宣誓》是这个时期的代表作品,彰显着高亢的革命热情。
可以这样说,罗可可艺术显示着路易十五时期走向没落,达维特的绘画艺术则是资产阶级革命的旗帜,他不断探索新的反映时代的艺术,打破新古典主义的常规,以现实的姿态更真实的描绘了当时革命的斗争。达维特在革命生涯中找到了打开艺术个性的钥匙,毫无疑问,他的艺术感受力极强,其善变的气质,易波动的情绪,热情的内心,激烈的独立性可以帮助他对既定秩序的突破,实际上他与革命对接的艺术,虽然有时是狂热的,但出发点绝不是自私和嫉妒,这样的思想促使他在此期间的活动,他说:“艺术不是目的,而是手段,它为了帮助某一个政治概念的胜利而存在”。在大革命中,《马拉之死》是最具有鲜明革命时代特征的肖像画,这件作品代表是一个艺术家的政治信念直接体现在其作品中的最有力的证词,一个政治烈士——马拉被谋杀的瞬间被达维特真实的描绘在画布上,这种场景的重现更像是一种安静的控诉,大卫和马拉是许许多多的热切盼望社会改革的革命者的代表,而这些信仰就这样的被血腥和暴力的终止了。
“热月党”以后,罗伯斯庇尔被送上了断头台,达维特被监禁。革命理想的破灭使整个社会陷恐怖之中,达维特在出狱后心灰意冷,从此在创作上他放弃了现实的题材,期望和平,在这样的心境下创作了《萨宾妇女》,这幅画表现了被劫后与罗马人结婚生子的妇女勇敢地冲入战场,以血肉之躯隔开兵器,使自己的丈夫和父兄化干戈为玉帛的场面。暗喻了画家在经历牢狱之灾乞求和平的内心诉求。
当拿破仑夺取政权建立帝制以后,达维特为其服务,这一时期发展了自己的帝国风格,创作了很多反映拿破仑英雄业绩和形象的作品,如《拿破仑一世加冕》。1816年拿破仑被,代表封建势力的波旁王朝复辟,曾经追随资产阶级革命的达维特被迫迁居比利时布鲁塞尔,最终客死异国。
达维特的艺术充满了时代革命气息,具有鲜明的政治思想倾向性,将古典主义的艺术形式和现实生活的完美的结合在一起,他跌宕起伏的艺术生涯也与革命中自己的政治选择紧密相关,不管画家的政治选择如何,达维特给我们的启示是:一个艺术家只有投身于时代的变革,才能创造出震撼人心的优秀作品。达维特他曾经说过的一些话至今还是对现在的画家有所启示,他说:“绘画不是技巧,技巧不能构成画家。”他还说:“拿调色板的不一定是画家,拿调色板的手必须服从头脑”。
参考文献:
[1]罗尔夫?托曼.新古典主义与浪漫主义建筑.雕塑.绘画.素描:[m].北京:中国铁道出版社,2012,8.
古典艺术的特点篇8
从斯特拉文斯基的创作阶段来看，所谓的新古典主义时期是他全新音乐创作的高峰期，同时也是他美学思想个性化的重要时期。从创作体裁来看，他的钢琴作品体现出一种不带任何感彩的音乐风格，钢琴曲的严格规范与现代音乐语言相互融合，充分体现了作曲家强烈的创新意识，以及他作为新古典主义风格作曲家的美学观点。
一、钢琴艺术语言的形成背景
在20世纪上半叶，西方国家的政治、社会、文化、经济一直处于前所未有的动荡时期。人类社会需要某种全新的形式来诠释当下的变化与困惑，因此人们对艺术的要求和观念上所发生的变化，也直接反映在了音乐创作中。在这种情况下，大多数作曲家以早期音乐的风格特点作为新的出发点，尝试创造新的音乐风格，并由此揭开了一场新古典主义的音乐运动，而斯特拉文斯基的创作无疑是20世纪艺术文化史中珍贵的一章。
斯特拉文斯基受他个人成长经历的影响，历经了几个不同的创作阶段，由后浪漫主义和俄罗斯音乐风格逐渐过渡到新古典主义音乐风格，其后又发展至十二音序列主义风格，最终形成了多元化的音乐艺术特点。可以说，斯特拉文斯基每一次音乐风格的转变都是对他以往创作的重新审视。
俄罗斯时期是斯特拉文斯基民族意识较为强烈的时期，这一阶段的音乐风格继承了晚期浪漫主义的创作方式与创作技法，大量融合俄罗斯民族民间音乐的元素，他创作了多种形式的钢琴作品。“斯特拉文斯基创作的将近20首钢琴曲贯穿他创作的一生，有相当部分的作品堪称经典之作。这些作品当中有钢琴独奏作品、双钢琴作品、协奏曲或与乐器协奏形式的作品等。更有甚者，斯特拉文斯基自称有少量作品是为解释或解决作曲当中的一些问题而创作的。”①可见，在斯特拉文斯基手中，钢琴作品作为一种重要的创新媒介，被赋予了高难度的演奏技巧，以及内敛深沉的艺术价值。在斯特拉文斯基的钢琴曲中，《#f小调奏鸣曲》《谐谑曲》《钢琴奏鸣曲》等作品代表性较强。这些作品见证了作曲家所经历的各个创作阶段，也体现出他与“传统”之间仍然保持着的或深或浅的联系――他在继承“传统”的同时，又更新了古典音乐作品的创作手法，建立了个性化的现代风格，并将这种风格贯穿在他所有的新古典主义音乐作品中。
二、钢琴艺术语言的艺术风格
斯特拉文斯基的钢琴作品在新古典主义音乐的观照下，极大程度地扩展出多样性的钢琴创作思维、演奏思维，将全新的创作因素引入到作品当中。在此基础上，他还参考了18世纪的欧洲音乐风格，并总结出这一时期曲式、织体、和声、节拍等方面的多种规则，而在他“游戏”般的新古典主义实践中，他所做的一切突破又正是针对这些“规则”而展开的。斯特拉文斯基在音乐中采用不平衡的节奏力度，形成了非常具有冲击力但有节制的气势，可以说在新古典主义的钢琴音乐语言中，节奏的创新运用使得他的作品呈现出个性化的风格特征，这也是他对20世纪全新音乐语言的引导和影响。
斯特拉文斯基也常以模仿和解构巴洛克时期的音乐结构为创作动机，他的《钢琴奏鸣曲》便充分体现了这一艺术特点。从特定角度来说，《钢琴奏鸣曲》代表了斯特拉文斯基在新古典主义时期的典型创作特征，它将斯特拉文斯基的新古典主义美学思想与对钢琴音乐的探索结合在一起，较为全面地展示了新古典主义时期钢琴曲的创作面貌。总体而言，斯特拉文斯基的新古典主义，反馈了当下时代的音乐理性精神和艺术审美，他独有的创作理念为现代音乐的发展注入了新的元素，并产生了与19世纪“浪漫主义”相悖的创作特征与美学观念。
三、钢琴艺术语言的艺术特点
斯特拉文斯基的钢琴作品常以不断变化的乐思作为音乐发展的主线，在形式、结构、和声、节奏以及音乐素材上采用大量的非传统的织体形态，运用全新创作手法拓展出新的复杂节奏和音乐元素，形成了现代音乐的美学思想，并以其特有的美学观点和音乐风格独树一帜。可以说正是在钢琴体裁的创作和诠释过程中，他的音乐美学观点和总体音乐风格逐渐趋于成熟和稳定。他的每一部钢琴代表作，不仅颠覆了人们以往对传统音乐形式所惯有的认识，而且从音响上彻底改变了欣赏者对音乐的审美体验。
斯特拉文斯基在他的钢琴创作中，坚持不断地展示他的较为典型的自律论音乐美学思想。他认为，“音乐除了表现它本身以外，根本无力表达任何东西，如情感、内心观念、心理情绪、自然现象等，表现从来不是音乐固有的特性。”②对他来说，音乐并不是主观表现，它只能是客观存在，这也进一步验证了自律论“美在形式”的观点――作曲家出于对音乐形式美的追求，探索在音乐创作技法上的不规则与统一。斯特拉文斯基是在理性的掌控下，将音响作为主要创作媒介。在他所谓的新古典主义时期的钢琴创作中，这些美学思想得到了充分体现，他的大多数作品也因此具有更多的突破，体现出一种美学观上的艺术哲学。
斯特拉文斯基钢琴音乐的艺术特点与他的总体音乐创作风格有着密不可分的联系，而他的创作又始终与新古典主义有所关联，因此，在探究其钢琴作品的艺术特点时，对新古典主义的界定就显得尤为重要。从这个术语的界定视角来看，“新古典主义”是新的“古典主义”，还是“新古典”主义的概念一直存在着争议。“对于前者来说，‘新古典主义’强调的是‘古典主义’在新的历史语境中的再发展；对于后者来说，‘新古典主义’尽管表面上和‘古典’有着千丝万缕的联系，但是从本质上来看，它是一个全新的现象。”③以前者作为研究基础的学者，用传统的音乐方法探索斯特拉文斯基的新古典主义音乐，并与传统的古典音乐相比，来看他的创新与变化；以后者作为界定基础的学者，则不再关注他对音乐传统的继承和创新，用全新的音乐分析方法探究他的“新古典”主义。
从目前学术界对这个术语的界定视角来看，具有“简明、清晰、节制、纯粹”等特点的音乐能够较为准确地诠释新古典主义音乐风格，也有学者将之总结为“简洁清晰”“有机合成”。④但更重要的是，斯特拉文斯基的新古典主义风格的钢琴作品与传统之间存在某种外在的、形式结构上的联系，借助于这种解释，他的新古典主义则有了更为明确的界定。因此可以说，最理想的“新古典主义”首先应具有“简明、清晰、纯粹、节制、反浪漫”等美学特征；其次，这种音乐风格应与传统保持着相应的联系，这样做的目的是出于对传统的继承以及唤起对传统的记忆。
如此一来，斯特拉文斯基的新古典主义音乐成为具有多层次内涵的音乐，它既可以被称说成是对欧洲传统作曲技法与风格的继承与否定，也可以解释为以独特视角、风格和方法来继承欧洲传统的古典作曲艺术。将这种“矛盾”上升到美学观念层面上看，在这种关系之中，新古典主义对于传统古典主义音乐的技法与风格既可以是肯定的，也可以是否定的；既可以是继承、复兴传统，也可能是为了彻底打破传统。
结语
新古典主义可以说是西方现代艺术在音乐领域中的典型现象，而以斯特拉文斯基的钢琴曲作为研究基础，可以从中体验出新古典主义所特有的艺术品质，并且对他所创造的全新的音乐语言有多方面、更深层的理解。新古典主义音乐风格的产生和发展深受社会背景的影响，它同时也是科学进步、社会发展、物质与精神世界提高的产物，它崇尚理性，追求严密的逻辑、结构等艺术特征，这也正是那个时代不同社会因素的种种反映。诚然，纵观斯特拉文斯基新古典主义的创作特征，形式美的自律论美学成为他的主导美学思想，而“纯器乐”的钢琴曲将他的美学理念与其对新古典主义的探索结合在一起。
从斯特拉文斯基的钢琴创作来看，他既是传统音乐的革新派，又是对传统最“留恋”的继承人。他对于新古典主义钢琴音乐的创作与把握，是他作为一个现代派作曲家的主要标志，他所秉承的创作原则不同于以往的“古典主义”，也许用“继承与创新”能恰当地表达这一创作风格的本质特征，概括而言，在寻求现代音乐的创作方法上，他是一位传统主义的革新者。
注释：
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②朱琴.浅论斯特拉文斯基的美学观及其创作风格[J].新疆石油教育学院学报，2001(2)
③④纪露.斯特拉文斯基“新古典主义”的内涵[J].天津音乐学院学报，2010(2).
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古典艺术的特点篇9
【关键词】戏曲艺术；中国古典舞；影响解读
中图分类号：J80-05文献标志码：a文章编号：1007-0125（2015）12-0043-01
中国的戏曲艺术与中国古典舞有着十分密切的联系。中国古典舞的出现，通过艺术的归纳及整理，在古典艺术创作中将戏曲艺术充分地融合，充分展现了古典舞“韵”。可以说，古典舞中的“韵”将戏曲艺术作为基础，通过传承及发展形成了新的文化产物，同时也为艺术的发展奠定了良好的基础。文章对戏曲艺术对中国古典舞产生的影响进行了系统性的分析，旨在实现艺术文化的传承。
一、戏曲艺术对中国古典舞蹈情感的影响研究
舞蹈主要是情感艺术的表达，并通过身体的律动展现舞者的心灵以及所表达的情感，因此，这种艺术表达形式就成为人类情感最集中的形式。例如，《毛诗序》中的“情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”，对舞蹈艺术的情感表达进行了阐述，说明人在内心情感激动的状态下，用歌曲都不能对其情感进行表达，而需要借助舞蹈进行情绪的抒发。因此，戏曲艺术为中国古典舞蹈的情感表达注入了充分的情感元素。与此同时，戏曲中的眼神是艺术表达的精髓，而且舞蹈也是一种以“看”为基础的艺术形式，舞者出神的眼睛可以向观众充分表达自己的情感，使观众在欣赏舞蹈的过程中通过眼神的交流，充分感受到舞蹈的文化背景。而且，眼神不仅可以体现出古典舞中的意境美，充分展现人物性格，同时也为古典舞提供了生命活力。因此可以发现，古典舞在创作的过程中受到戏曲艺术中眼神的影响，并将以眼传情、以情系舞作为基本原则，展露了舞者的内心情感[1]。
二、戏曲艺术对中国古典舞蹈题材的影响研究
现阶段很多的古典舞都采用了戏曲的舞蹈题材，如《俏花旦》《牡丹亭》等，通过这些作品的展示不仅预示了古典舞蹈的发展趋势，同时也为戏曲文化的传承提供了充分性的保证。由于戏曲题材所涉及的领域相对广泛，很多戏曲题材蕴含了中国的古老文化，通过与古典舞的结合，可以不断激发舞蹈创作者的欲望，从而为文化的传承及艺术的表达提供充分性的保证。
三、戏曲艺术对中国古典舞蹈身韵的影响研究
首先，古典舞中身韵的“形”，主要以腰作为发力点，并将腰的律动作为基础，将平圆、立圆等作为运动的路线，并组成了古典舞蹈中较为典型的动作形式，但是，这些动作形式都是将我国戏曲艺术中的“以圆为美”作为最基本的审美原则。例如，古典舞蹈中的“云手”“燕子穿林”以及“风火轮”等，都运用了这一原则，体现了舞蹈艺术的形象性以及感染性。如果在艺术表达的过程中，只是将这些艺术形式作为单一的内容，会导致其艺术缺乏一定的生命活力，从而失去艺术表达最原始的价值[2]。
其次，在中国古典舞蹈身韵形式研究的过程中，较为理想的审美状态是“静中有动”“动中有静”的艺术形式，其中的“静中有动”主要是指在舞蹈过程中其体态应该将轻、重、缓、急等作为基础；而“动中有静”则应该将线中有点作为基础，充分展现舞蹈的运动形式。例如，在古典舞剧《木兰》的舞蹈创作中，巧妙地运用了戏曲中用枪系列的动作，在舞蹈过程中也充分展现了古典舞身韵的基本特点，从而完美地将两种艺术形式进行了充分融合，塑造了花木兰精忠报国的形象。
最后，在中国古典舞演绎的过程中，手位也具有独特的艺术形式。例如，按掌、托掌等都是固定的手势。而且在手位分析的过程中也具有一定的未知变化，通过这些位置的变化以及手型的展现，充分体现了简单而又多元化的艺术形式。在古典舞蹈中手型主要包括掌、指以及拳这三种类型，而且男女舞者的掌形也存在着一定的差异性。例如，女舞者的基本掌形是兰花指，也就是四指上翘，中指以及拇指相对，呈现出兰花的状态。而男舞者的基本掌形要求虎口张开，其他的四指微微张开，掌外要用侧力，手腕的位置应该与手背呈现出一定的弧度。因此可以发现，古典舞在一定程度上受到了戏曲艺术中身韵的影响[3]。
四、结束语
总而言之，通过中国戏曲艺术与中国古典舞蹈艺术的充分融合，可以实现艺术文化的传承及创新。而且，在现阶段舞蹈艺术发展的过程中，应该在戏曲艺术的基础上，进行舞蹈艺术的创新，通过深入研究减少古典艺术的程式化限制，通过艺术的多元文化的融合，为古典艺术的发展提供科学依据，从而为传统文化的传承及创新奠定良好的基础，促进中国古典舞的多样化发展。
参考文献：
[1]王春莹.浅谈中国古典舞基训中的戏曲武功元素[J].大众文艺，2014，（22）：176-177.
[2]王海涛.论戏曲与中国古典舞的关系――兼论“昆舞”的体系创建[J].重庆大学学报（社会科学版），2015，（03）：169-174.
[3]董江河.戏曲舞蹈在中国古典舞发展中的价值分析[J].晋城职业技术学院学报，2011，（03）：89-90+93.
古典艺术的特点篇10
“身韵”即“身法”与“韵律”的总称。“身法”属于外部的技法范畴,“韵律”则属于艺术的内涵神采,它们二者的有机结合和渗透,才能真正体现中国古典舞的风貌及审美的精髓。换句话说“身韵”即“形神兼备,身心并用,内外统一”这是中国古典舞不可缺少的标志,是中国古典舞的术灵魂所在。一个成熟的民族舞演员在舞台上展现的动作之所以具有审美价值和艺术魅力,是因为体现了“形、神、劲、律”的高度融合,这正是中国古典舞身韵的重要表现手段。“形、神、劲、律”作为身韵基本动作要素,高度概括了身韵的全部内涵。其规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。
(一)形:
一切外在的、直观的体态、动作;动作与动作之间的连接;姿态与姿态之间的过渡、路线;凡是一切看得见的形态与过程都可称之为“形”。“形”是形象艺术最基本的特征,“皮之不存,毛将焉附”,没有“形”作为艺术表现和传达的媒介。任何艺术的审美性都是不能存在的。[1]当然,不同民族和时代都有着对形式美不同的要求。作为中国古典舞而言,它在解决“形”的训练上要注意以下3点要领:1、舞蹈者在静止的体态(或姿态)情况下所必须具备的自我审美意识与气质。比如:“挺拔而含蓄”、“刚劲而柔韧”这种矛盾而统一的审美意识。2、掌握姿态与姿态、动作与动作的运动过程中所经过的路线与轨迹。正如书法艺术上的笔一样,“横、竖、点、撇”是有极其严格的规范而又有充分的发展余地的,“没有规矩,不成方圆”,人体运动艺术也是具有其自身严谨的规范和规律的。3、“由动到静”或“由静到动”这瞬间变化的运动法则。
作为“身韵”教材,究竟在“形”上应包涵哪些内容?众所周知,通过传统艺术审美特征和各种典型舞姿的剖析,得出了在“形”上必须首先解决体态上的曲线美和“刚健挺拔、含蓄柔韧”的气质美。中国舞在人体形态上强调“拧、倾、圆、曲”这决不是什么人杜撰出来的审美标准,从出土的墓俑和敦煌壁画中不难看出这一点是自古至今一脉相承而不断发展演变的。那就是“身韵”在“形”的训练中,是以“拧、倾、圆、曲”的体态美为重点、以腰部的动律元素为基础、以“平圆、立圆、字圆”的运动路线为主体、以传统中优秀的典型的动作为依据,以由浅入深并层层发展的教材为方法来培养真正懂得并掌握中国古典舞形态美的演员。古典舞作品《萋萋长亭》中,诸多造型都有上述特征:双人舞的个体做“圆”的同时,整体(双人)也在规划着一个由两个人组成的更大的圆的轨迹;各种提、沉、冲、靠、含腆等身法的运用形式,动作势态上的舒扬、闪凝、蓄发。
(二)神:
这是泛指内涵、神采、韵律、气质。任何艺术若无神韵,就可以说无灵魂。在中国文艺评论中,神韵是一个异常重要的概念。无论谈诗、论画、品评音乐、书法都离不开“神韵”二字。在古典舞中人体的运动方面,神韵是可以认识的,是可以感觉的。而且正是把握住了“神”,“形”才有生命力。
在神这一元素中,身韵强调内涵的气蕴、呼吸和意念。强调神韵,强调内心情感。在形与神的关系中,把神放在了首位,“以神领形,以形传神”,正是此意念情感造化了身韵的“韵”。譬如获得05年CCtV舞蹈大赛古典舞一等奖的作品《书韵》,其男演员可以说是用气在泼墨,用心在书法,气“心一想,归于腰、奔于肋、行于肩、跟于臂”,把中国千年来书法艺术的神韵通过古典舞身韵的一招一式充分地展现出来。[2]可以说,没了内心情感的激发和带动,也就失去了中国古典舞最重要的光彩。
(三)劲:
“劲”即赋予外部动作的内在节奏和有层次、有对比的力度处理。比如运动时“线中的点”即“动中之静”,或“点中之线”(即“静中之动”),都是靠“劲”运用得当才得以表达,有“刚中有柔”、“韧中有脆”、“急中有缓”等劲的区别。“劲”不仅贯穿于动作的过程之中,在结束动作时的“劲”更是十分重要的。无论戏曲、芭蕾舞、武术套路都是十分重视动作结束前的瞬间节奏处理,中国古典舞更不例外。它有如下几种典型的亮相劲头:“寸劲”———体态、角度、方位均已准备好,运用一寸之间的劲头来“画龙点睛”;“反衬劲”———给予即将结束的体态造型以一个强度很大的反作用力,从而强化和烘托最后的造型,“神劲”———一切均已完成,而用眼神及肢体作延伸之感,使之“形已止而神不止”。