工艺美术运动产生的原因篇1
关键词：工艺美术；艺术设计；设计观念
一、工艺美术到艺术设计的发展之路
1851年的”水晶宫”国际工业博览会上粗制滥造的工业产品，招致了以约翰?罗斯金和威廉?莫里斯为首的一部分英国艺术家们的极度反感，他们倾向于回归对中世纪古典传统手工艺的眷顾。以莫里斯为代表的“工艺美术运动”开始在民众中倡导“手工与艺术结合”的理念，提出工艺产品要“美观与实用”的口号，打破了艺术与手工艺之间的界线，使工艺美术以“美术加技术”的内涵得到承认。在之后的几十年里，又相继出现了以法国、比利时为中心的将英国“工艺美术运动”引入欧洲大陆的“新艺术运动”和以德国为中心的对于标准化、大批量生产方式探讨的“德国工艺联盟”。1919年格罗披乌斯在德国魏玛创建“包豪斯设计学校”，使设计教育真正从设计运动的外部效应第一次转入正规内在的学校教育，也标志着现代设计教育体系的确立和“设计（Design）”作为一门学科的兴起。包豪斯集中了20世纪以前欧洲各国先进的设计思想和经验，提倡“艺术与技术结合的新统一”，创立了工业化时代设计教育的基本原则和方法，其中还融进了对经济内容的重视和能力的培养，奠定了现代设计在20世纪的先锋地位，标志着旧有手工艺装饰思想在未来一百年的彻底转型。工艺美术与艺术设计在磨合中找到了一种新的平衡。
在我国，“工艺美术”作为专用概念的建立与使用开始于20世纪初。在新文化运动的中，前辈学者们借道日本移植了“图案学”。当时，中国正处于半封建半殖民地时代，工业革命的影响薄弱，而且是不完全的。新兴的民族工业弱小，农村自给自足的经济仍有很大活力，同时，泊来的工业品充斥市场。因此当时工艺美术的内涵被理解为：“应实际生活之需要，于各种器物上施于美术之技巧或装饰者，称工艺美术。”［1］这样的定义就包括了工业、手工业、民间工艺乃至历史上一切有审美价值的人造物。直到八十年代，认为所谓工艺美术：就是美术加工艺，或者工艺加美术等。可以说20世纪前期中国的“Design”，仍是19世纪后期、20世纪初期欧洲的”工艺美术运动”、”新艺术运动”的工艺思想影响下的中国式翻版，它们成为20世纪前期中国“Design”的主要形式。对其概念的理解也仅仅是停留在工艺美术基础的借用之上，“Design”的译名和原术语的语义不符，所以造成了理解上的思维混乱，从心理到方法的认知都是从被动的向西方学习和对传统手工艺国粹的膜拜，“Design”观念的更新成为一种必然趋势。
二、艺术设计观念的更新
艺术设计是借鉴西方现代设计理念并结合中国时下专业背景的实际情况组合而成的复合词，在某种程度上较好地反映我国学科专业的现状。因此，”艺术设计”是目前一种比较恰当且能解决问题的表述方法。目前对“艺术设计”的说法，有两种解释，一种是对“艺术与设计”的简称或模糊化思维，省略了其中的“and”，这种方式比较概括，但对艺术和设计的关系表达不明确。一种则是在当前中国特定阶段，设计教育者们对设计的“国情化”解释。所谓“国情化”解释，是在人们还停留在“工艺美术”的概念上，对“设计”的定义缺乏理解的情况下，在“设计”前面加注“艺术”二字，使人们更容易接受这一概念。然而在“艺术设计”一词中，“艺术”只是定语，它本身成了对“设计”的装饰。从更深层看，这一概念反映了中国当代一批工艺美术界学者们对设计的认识。我们也要看到“工艺美术”和“艺术设计”一样都是西方近代设计文化和思潮对我国设计教育界的影响而派生出来的。
设计的本质就是“按照美的规律为人造物”。“艺术设计”将艺术与设计合而为一，充分理解了现代设计的产生背景和原理，是一种较好地能解释和传达西方“Design”的复合词，较好地延续了包豪斯设计学校的思想，并充分体现了现代设计的本质要求，它已经超越了工艺美术的本体范畴，从人的根本出发，通过设计出一种创造性的人为事物，来美化和丰富人们的生活，影响着人们的生活方式，艺术与设计是一个不可分割的有机体。
如果说“工艺美术”是技术与艺术的结合体，那么“艺术设计”就是以科学和艺术作为结合体。现代艺术设计以实用功能为最终目的，反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的审美特征，强调功能美、技术美、社会美高度统一。［2］作为科学与艺术的结合体，“艺术设计”比“工艺美术”更能体现当代文化和人性的多元化，集成性和跨学科性是它的时代特征。它既要反映出工业化大生产和市场前提下的各种要求，又要反映出受众（消费者）与生产者双方的利益和生理、心理上的要求，是一项综合性的计划。所以，李砚祖先生在原来设计美学的功能之美与技术之美基础上又延伸出了科学之美，这也正反映了艺术设计作为一种学科是有机地向前发展的。
三、小结
当前，“艺术设计”已成为科学与应用、技术与生活、企业与市场、生产与消费之间的桥梁，是促进经济增长的工具，成为产品最富于形式表现力的“产品语言”。在生产、设计和销售三个环节的紧密配合中需要艺术设计来平衡、协调各种制约因素，使消费者与生产者的利益达到一个均衡的整体，将我们生活环境按照美和机能的统一进行造物的活动。因此，艺术设计必须考虑产品的各个方面：“物与物”的关系，即构成产品的技术原理所决定的产品内部零部件之间关系的问题。“人与物”的关系，即由产品的使用方式所决定的结构、外形、表面处理、色彩装饰等问题。［3］“物与社会”、“物与环境”，必须兼顾到产品的合理性、经济性、审美性、独创性这四个方面，才能成为经过优良设计的产品，才是好的产品。
艺术设计作为一种艺术质的造物活动，是谋求物与人及社会和环境之间更好的协调，创造符合人类社会的生理、心理需求的环境，并通过可视化表现达到具体化的过程，既注重功能、理性、与美观的完美结合，又强调人文因素，富有“人情味”，体现对多样化文化、政治、语言、传统的尊重和融合。它是集物质与精神、科学与艺术于一体的造物活动，已经超出“工艺美术”的本体之外。它的研究方向就是如何把科学与艺术有机地联合起来，从而创造出文化与价值，更好的为人类服务。当然，“艺术设计”作为一个有机体，也同任何其他自然界有机体那样具有产生、成长、成熟和消亡的规律。从“工艺美术”到“艺术设计”，语义符号的变化也并不能说明其本质上的区别，要真正的理解“艺术设计”，对其内涵和外延的认识和把握才是至关重要的。
参考文献:
［1］诸葛铠.图案设计原理［m］.南京:江苏美术出版社,1998
［2］李砚祖.论设计美学中的＂三美＂.黄河科技大学学报［J］,,2003年第1期
工艺美术运动产生的原因篇2
论艺术设计学精品源自教学论文
摘要:艺术设计乃是一个技术和艺术融通的边缘学科,其内涵虽然也渗透到实用的造型计划中,但主要是指实用的美的造型计划。本文对艺术设计学的形成和发展、性质和特点、内容以及艺术设计训练的终极目标等问题进行了论述。并指出艺术设计学必将充分利用现代科学技术条件和多学科的协作,更好地满足人们物质上、精神上对于艺术设计的需求,为人类提供适合现代的、更美好的生活环境和生活方式。
关键词:艺术设计学设计技术艺术
一、艺术设计学的形成和发展
设计是计划,是寻求解决问题的途径和方法。它既不限于事先构想,更不排斥实践,是人类智慧和技能表现得最为充分的领域;它涉及人类一切有目的的活动。例如造物,从原始到现在,造物的种类和数量不计其数,而在造物活动中,使物蒙受艺术光彩的因素就是“形”。作为一种创造行为,设计就是将某种观念转化为实体(给予特定的形)的过程;也是利用某些物质材料,在特定空间中“创造物体形象”的计划。考察物的造型过程,即可发现:
1.设计(即计划)是造物过程的中心环节。它源于需求,规约制作,决定使用。由此可见,自原始时代人类开始制造工具以来,设计就是人类不可缺少的实践活动。
2.产业革命迅速改变了手工艺者个人从事设计与制作的情况,出现了设计师这个新职业。造型计划也随之从混沌的生产关系中独立出来,这才产生了设计学及其后的发展。设计学是研究产品造型及其环境的学科,旨在总结人类设计活动的经验,以指导设计创作,创造某种体形环境。它的内容包括技术和艺术两个方面。(有人反对用这样的观点来谈问题,但学科细分化却是科学发展的历史事实。分化与综合是有机不可分割的两个方面,没有分子的分化,哪来量子力学的发生和发展?)
3.随着社会经济的发展和对设计的关心逐步加深,设计对象不断扩大。于是,造型计划又有了更细的分化。
其一,造型计划的性质有所不同。若将其按功能性、使用性或相反的无用性、无观赏性的要求进行整理,则造型计划的范围如下表所示。
通常我们所看到的造型,多是对材料和物体进行组织或加工、综合。这是专门研究“物与物”关系的机能造型和以“物与人”关系为目标的造型。前者的计划主要在工学方面(基于工学的知识和技术)进行,例如齿轮、发动机、人造卫星等。而后者,则还必须考虑人类的身体和心理。即便是后者,又有把使用者的生理条件作为设计重点的,即把人作为活动的物体来处理,例如驾驶座的设计。以上,一般被称为“工程设计”①。也有重视使用和接触制造物之人的生理与心理条件的(即寻求心理的、生理的、物理的条件的均衡),例如衣服、家具、住宅的设计等。这种计划常常不能用复杂的计算去解决,而更强调艺术感觉。此外,还有使用物体和物质来表现形象和色彩,以吸引注意,并打动受众的心,传达某种意义。此种情况是把造型作为作者与观众精神联系的媒介,通过物来建立“人与人”的交流关系,例如宣传画、广告等。以上,都被称为“艺术设计”,余者则属于“纯美术”②。
由此可见,艺术设计乃是一个技术和艺术融通的边缘学科,而并非理工科或者纯艺术的分支门类。再加上其又以实用性为基础,这就是为什么要叫“艺术设计”而不叫“设计艺术”的原因。艺术设计不是“艺术和设计”(写作“艺术·设计”),而是对design的意译(在国外,“设计”和“design”也是分别使用的),其内涵虽然也渗透到实用的造型计划中,但主要是指实用的、美的造型计划。
在这个领域中,复杂的公式和高等数学的计算方法无济于事,本质的东西在于以简化的公式为基础的方向性的估测,被称为“以直观为基础的力学意识和为探索方向而迅速、大致的估算”(属于直观感觉的技术经验领域),从而才有了艺术设计师自由驰骋并充分发挥自己聪明才智的空间。在实用的造型领域中,绝对不变的物理法则的因素变得越来越重要,艺术设计师只能密切配合工程师的工作,做二度创造(人性化设计)。而在纯粹美的造型领域里,则是美术家纯感性的专业范围(尽管有所谓“美术的工艺化”,那只是特种工艺,而不是艺术设计的主体),但艺术设计却可以帮助纯美术将“只可意会”变为“可以言传”的科学③,破除玄学。
其二,机械以机能价值为目的,却是为了人类而存在,所以必须适合人类并有秩序。遗憾的是,近代的科学技术排除了难于定量化的人类要素和社会道德等方面,只遵从容易对象化的自然法则,这样才在物的方面完成了急速的发展。不过,“无时求有,有时求好”。在科学技术高度发达和普及的时代,机械的形态也应该是美的,应该是反映一定时代人们的审美观念和社会艺术思潮的艺术品。因为美与真、善一起是人类最根本的愿望,具有最重要的价值。而且近代的产业组织又要求一切方面的专业化,于是,艺术设计学作为新的职业而诞生,并有了日益扩大的发展空间。这一点,完全可以由工业设计④的诞生得到证实。
传统的设计领域只有图案设计、工艺美术和建筑学。到20世纪初期,作为现代主义运动的一部分,视觉传达设计、工业产品造型、环境设计(室内设计和景观设计)才逐渐发展成为设计领域的独立分支,并统一为“艺术设计”。这是一种崭新的视觉文化,它将新的视觉现象(大众社会、批量生产的工业产品)与艺术、广告以及新媒介结合为一体。
二、艺术设计学的性质和特点
艺术设计的产品是社会物质文明、精神文明的集中表现。从原始社会以来,造物活动始终在社会生活中占有十分重要的地位。我国历来以“衣、食、住、行”来表达人类生活的基本要求。艺术设计学产生于人类的造物活动,又服务、指导着人类的造物活动,从而创造出新的生活方式。所以,如何应用造型技术和艺术来创造合适的环境以满足各种社会需求,是研究艺术设计学的根本任务,也是艺术设计学最基本的社会性质。
艺术设计学服务的对象不仅是自然的人,而且也是社会的人;不仅要满足人们物质上的要求,而且要满足他们精神上的要求。因此,社会生产力和生产关系的变化,政治、文化、宗教、生活习惯等的变化,都密切地影响着设计的技术和艺术。此外,艺术设计学的美学意识自然受到社会思想潮流的影响。这一切说明艺术设计学发展的原因、过程和规律的研究绝不能离开社会条件,不能不涉及社会科学的许多问题。
艺术设计学是融技术⑤与艺术为一体的应用学科,它不是“艺术与技术”的相加,也不是“艺术与技术”的相乘,而是融合。无论是古代还是现代,任何一件从美学观点上公认的杰作在技术上都是一件优秀的作品。这足以证实技术与艺术的融合关系,其具体表现为:
1.艺术设计追求机械和人的关系有机化。所谓有机化,就是把近代科学、技术纲目很难抄取的美、善、社会正义等对人类社会来说最珍视的要素,挽回到狭义的技术中,使物-人-社会的关系变得更和谐。也就是说,艺术设计师是在工程技术所提供的可行性条件下进行艺术创作的,所以艺术设计不能超越当时技术上的可能性和技术经济的合理性。而作为技术要求的约束总是保持为一个自由度的界限(只作为单一的下限或上限)。这个自由度将允许任何一个艺术设计师的创造性,即使在严格的技术约束下,也能创造出实实在在的艺术品。反之,在一定条件下,艺术又会促进技术的研究和发展。
2.艺术设计师是凭经验和感觉去解决问题的,但这种经验和感觉与艺术家不同,是把计算与直观综合起来,把一个技术上正确的工程变成一项真正的艺术品。所以,千万不要让学生认为艺术设计学的学位就等于一个艺术家的毕业证书。艺术设计师是一个营造师,他以人类所知道的最难于表现的语言,也就是功能的、力学的、施工技术的语言来解决具体问题,并使它具有美的形式。不过,艺术设计师也不同于工程师:艺术设计师必须以简化的公式或方向性的估测来理解和掌握力学——施工的领域,为的是能够创造新型结构的造型方案,并大致定下尺寸。而对工程师来说,则应该有足够的数学理论知识,才能够对已确定结构的各个部分予以分析,并定出精确的尺寸。简言之,工程师能给人以规矩,不能与人巧;艺术设计师则于规矩之外,更与人巧。盖非精熟规矩,不足语于巧。
3.在纯美术的创作中,美术家可以不受社会、经济、文化、生产等条件的制约,可以异想天开、随心所欲地去创造。而在艺术设计的范围内,由于受生产、技术、使用和消费等条件的制约,创作必须满足大多数人的需要,必须创造出一种适应人们普遍心理、视觉经验和审美趣味的形式和内容。必须在充分考虑社会、文化、经济以及生产技术的前提下,在一定的设计意念引导下进行创造。确切地讲,艺术设计是在各种因素(机能的、直感的,生理的、心理的,共性的、个性的……)的限制中所进行的一种综合性创造。
三、艺术设计学的内容
艺术设计是艺术设计学的核心,这是因为指导艺术设计创作实践是艺术设计学的最终目的。艺术设计是一种创造性技艺,需要通过设计实践来学习。有关艺术设计的学科内容大致可分为两类:一类是总结各专业艺术设计(如视觉传达、产品造形、环境艺术等)的设计经验,按照各种艺术设计的内容、特性、使用功论艺术设计学论艺术设计学：艺术试论美的追求与人的解放我对美学方法、学科定位及审美价
论艺术设计学精品源自教学论文
能等,通过范例阐述设计时应注意的问题以及解决这些问题的方式方法。另一类是探讨艺术设计的一般规律,称为艺术设计原理。其中,作为艺术设计基础的形态构成和立体设计是研究形态各部分的组合原理和构造方法(包括静态构造和动态构造)的学科。必须强调说明的是:设计技术不一定都是手头的工作,也不仅是仰仗手的灵巧,有不少是靠思考进行理智处理的成分。当然,大多数还是由手和眼这些人体器官的灵活动作所承担的。因此,特别是在学习的初级阶段,必须把重点放在提高并加强设计感觉及判断力方面的练习上。感觉的练习,一是靠比较(有比较才有鉴别),二是要理解(只有理解了的东西才能更好地感觉它),三是依照“计算-视觉化-对临-背临”的步骤,将计算转为直观化。
艺术设计史研究艺术设计、艺术设计学发展的过程及其演变的规律,总结教训,以利其发展。研究人类历史上遗留下来的有代表性的艺术设计实例,从中了解前人的有益经验,一边为艺术设计汲取营养,一边又成为掌握潜在的时代性和民族性之关键。
艺术设计理论因为“年轻”尚未达到十分科学的程度,留待研究的领域还很多。例如探讨艺术设计与经济、社会、政治、文化等因素的相互关系;探讨艺术设计实践所应遵循的指导思想以及艺术设计的技术和艺术的基本规律。艺术设计理论与艺术设计史两者之间有密切的关系。
艺术设计是一种创造行为,故而艺术设计理论必须是设计师能够根据自己的意图自由驾驭的。也就是说,要有可操作性,否则只能束之高阁。
四、艺术设计训练的终极目标
艺术设计的终极目标在于通过造型及其组合,控制欣赏者的观赏运动,以达到宜人之目的。印刷设计是控制人的视点运动;工业设计是控制人的视点和绕观运动;室内设计、建筑设计、园林设计、城镇设计则是控制人的视点和亲历运动,并通过此举调动人的思维活动,从而影响人的思想感情的变化。另一方面,在大千世界中,运动的形态又是最引人注目的形态。由此可知,创造运动变化的形态是多么重要。
所谓运动变化的形态,并不一定是真实运动的形态。在造型活动中,最普通的是创造有运动感觉的空间形态。换句话说,就是创造“不动之动”。即:客观形态是不动的,给欣赏者的感觉却是运动变化的。这是因为,欣赏者的视点在动,欣赏者的人身在动(绕观或亲历),并由此带动了欣赏者的思维运动,从而产生了“超乎象外”的“惊人”效果。这就是所谓“形态的生命活力”。
中国传统造型理论早就把生物生长运动的形态与人的品格和精神联系起来,并且论述了运动变化的形态所给予人们的影响。这种不动之动(亦称“空间张力”)共有七种:
⑴主要导向——水平的(暗示低能量、平静的)与垂直的(暗示高能量、兴奋的)方向。
⑵框围的磁力——画面的框围、银幕的四边,对靠近它们的物体施展强而有力的拉力,尤其是四个角(两个主要导向——高度与宽度聚合的地方)大力地牵引着附近的物体。
⑶块体的牵引——大的块体比小的块体更具独立性、更稳定,块体越大,其牵引力越大。
⑷画面(银幕)的不对称——我们倾向于把焦点放在画面(银幕)右边的物体上。这种左右不对称同时也决定我们把倾斜知觉为上坡或下坡。
⑸图形和背景——人们把图形(经验或群化)当作物体知觉;而背景只是“无遮蔽”的画面范围的一部分。图形位于背景之前,是被包围的领域;背景是包围的领域,好像在图形后面延续。分隔图形与背景的线条属于图形,而不属于背景。图形比背景不稳定,与背景相比,图形看起来像要移动似的。
⑹心理描绘——采用最少的线索去充实心理上不存在的资讯,而达成一种易于处理的图样。具体内容有“整平化与尖锐化”⑥、“力象”⑦等。低鲜明度的影像强迫我们变成积极的参与者,只有在促进而非阻碍心理描绘时,才见美学价值。
⑺诱导力——把我们的眼睛从一点领到另一点上去的力。如果仔细查验视觉诱导力所运作的不同途径,很容易发现诱导力的三种类型:
轨迹诱导力:由可领导我们眼睛到某特殊方向的静态因素创造出来(透视消失线、位移和梯度)。
动势诱导力:由某些东西确切地指着一个特殊方向而创造出来(注意方向、动势和箭头)。
位移诱导力:由实际上移动的物体或看起来在画面上移动的物体创造出来。
总之,运动感是激发感官并因此对机体产生效应的物质能量(刺激)。发出运动或“不动之动”的刺激的形体是刺激物。运动变化的表情因素有:节奏、速度的快慢,动作幅度的大小,形状的曲直,张力的大小,方向的确定与含混,内在支配力的主动、被动等。所有这些,都是艺术设计师应该掌握的能力。
工艺美术运动产生的原因篇3
从北京到上海，“薪技艺”给我们带来了一次又一次惊喜。本次“燃――首届‘薪技艺’国家青年工艺美术展暨学术研讨会”让海内外青年工艺美术家、教育工作者齐聚一堂，共话“薪火传承”。
“薪技艺”来源于清华大学美术学院和上海工艺美术职业学院一批热爱艺术教育，执着手艺理想的青年教师，连同国内外友好院校青年艺术家的倡导。这两所学校都立足于弘扬和继承中国传统文化与艺术，吸收世界各国文化和艺术精华，提倡以人为本的手工文化，关注人类生活品质，重视艺术与科技的结合，不断探索新的领域。本次“薪技艺”展览和研讨会将进一步深化两校的共同理念和交流合作，以此为契机探索完善的工艺美术教学与学术结合体系，促进中国工艺美术行业蓬勃发展。
“薪技艺”是一个充满活力、尊重传统、孕育新知的团体。他们倡导在继承文化和工艺血脉的基础上，引进新技术和新观念；他们努力将民族技艺与个人情怀相融合，用双手去感受、去制作；他们抛开东西方二元对立的桎梏，以全球化的视野来审视根植于民族文化和审美的“手艺理想”……我想，这正是“薪技艺”这群青年学者和艺术家对两所学院传统精神的延续和发展。
本次展览以“薪技艺”为核心，以“燃”为主题，寓意引燃开端。陶艺、金属、玻璃、漆艺、染织纤维等作品运用火元素抒发艺术真情，激发创意火花。“薪技艺”展出了12个国家的109名艺术家在各自领域内的探索实验之作。这些作品表达了“薪技艺”这个团体的学术主张的价值标准，但为大家提供了审视的素材。希望各方主张能够在这个平台上得以展示和交流，促进当代工艺美术繁荣创作，启迪思考。
工艺美术应在学科发展和构建和谐社会中发挥更大作用
随着社会的发展，科学技术使世界发生了巨大的变化，人们越来越关注以科技为主导的工业化生产，这也是社会发展的必然。在此，我想谈谈自己的感受，改革开放三十周年以来，国家在工业化进程中取得了相当大的成就，但我们也在深思在构建更和谐、富有人文情怀和艺术情趣的未来社会中还有许多缺失的部分。
众所周知，清华大学美术学院的前身中央工艺美术学院是以工艺美术为主导的学院，其实用美术在解放后很长一段时间内是领头羊的角色。虽然清华大学美术学院在改革开放中更关注现代设计，但一直将工艺美术当作重要的办学方向。这也是清华大学美术学院重要的学术积淀和学术传统。清华大学美术学院成立的工艺美术系在近些年发展较好，且做了许多具有国际影响力的品牌的学术活动。结合国内产业发展和工艺美术行业的再兴起，也为地方合作与产业发展举办了许多大型活动。清华大学的设计学科有七个系，面向传统的是工艺美术系，面向未来的是信息艺术设计系，另外五个系（染织服装艺术设计系、陶瓷艺术设计系、工业设计系、视觉传达设计系、环境艺术设计系）是面向当下的衣食住行，这些科系面向各行业和产业，并推动行业和产业的创新。我想强调的是，无论是面向前沿的信息设计系或是面向当下产业的五个系，其实都和工艺美术有相当大的关系。
在工业化初期，拉斯金和莫里斯倡导了工艺美术运动，当时还是清华美院工业设计系学生的我对这一运动不理解，觉得这种思潮是不是社会的倒退。经过了三十年的沉浮，我们在经济快速发展的情况下也在思考我们失去了什么，我们忽然想到了拉斯金和莫里斯的手工艺运动。我们知道手工艺是将人的思想观念、生活习惯、劳作方式密切联系的，而现代化的工业生产对人在某种程度上有一种异化作用。现在的中国越来越强调经济发展的新常态，不能以资源要素驱动，而改成以创新驱动，同时关注可持续发展，关注所有生产者的身心健康。这些反过来也让我们想到了手工艺运动。
工艺美术应寄托情感、继承传统、回归生活
一个国家的文明的构建和承传没有中断，我认为究其原因，一方面是代表精英文化的典藏文物，另一方面是民间艺术，即工艺美术。工艺美术代表民间艺术这一领域的重要方面，因为其继承了我们整个生活方式。今天我们转变发展，强调内涵发展，强调将人的情感注入生产环节和产品之中。我认为工艺美术是我们应当重视的艺术。
工艺美术发展也遇到了很多挑战，我们也考察了许多世界非物质文化遗产，我们看到许多大师对于传统工艺的完全传承，但是在商场或展厅里有些则是模仿和尝试性的创新，但是我觉得缺少文化内涵和创新高度。
学校应思考如何应对这一时期，继承传统文化，从理论构建基于当下生活的手工艺运动的范式，并做出一些具有示范性的作品。另外，我想强调的是工艺美术要想面向未来、持续发展，应回到初衷：与生活相关。否则工艺美术只是象牙塔，就无法融入现代化的生活当中。
工艺美术运动产生的原因篇4
关键词：工艺美术运动；包豪斯；科学技术；经典作品
中图分类号：J05文献标识码：a文章编号：1005-5312（2012）36-0199-01
一、传统美学与现代设计的关系
艺术变革与现代设计中：美术运动中对现代设计的发展起了推动作用的立体主义、未来主义、表现主义等流派促使工业及其产品成了绘画、雕塑的主题，由此而产生的视觉语言又对工业设计产生了重大影响，现代设计的美学原理正是以这些艺术运动的思想为基础的，使设计逐渐摆脱了古典艺术的禁锢而体现出工业产品自身的特色。
英国工艺美术运动的价值在于它对现代主义设计运动的前驱作用和启迪意义。1859年工艺美术运动首先提出了“美与技术的结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”。
说到艺术与设计的关系，不能不提到的是设计与建筑的关系。格罗披乌斯和包豪斯的设计理念强调自主地跟随心灵进行创作，这种观点源于格罗皮厄斯的艺术观点，即心灵（心理）是最基本、第一位的，感知来自内部。积极提倡建筑设计与工艺的统一，艺术与技术的结合，讲究功能、技术和经济效益。而包豪斯的基础课程由现代抽象绘画和雕塑发展而来的平面构成、立体构成和色彩构成等对现代工业设计做出的最大贡献之一，它对现代工业设计的影响是不可限量的。艺术的变革，将手工艺与机器生产结合起来，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代工业的特点，用手工艺的技巧创作高质量的产品，并能供给工厂大批量生产；而大量的工业产品并不是偏重于美学或实用价值，而是寻求两者的协调。这些艺术的变革影响了许多设计领域，为现代设计的发展开辟了道路。
现代设计有机地将技术与艺术、科学与美学、适用与美观等方面统一在现代工业产品设计上，设计中寻求和解决人一产品一环境一社会的和谐、统一与协调，除去某种产品中不符合人的使用目的的因素，以满足消费者的需求。
例如，1867年建造的新古典风格的蒸汽机，使用古典柱式作为早期蒸汽机的框架，就很难说是机器功能的必然体现。但这类具有几何特点的流行形式作为一种装饰手段是合适的，它并不会有损于实用功能。这就把传统美学很好的融入工业产品中，既不影响产品的使用价值，又使得工业化冷冰冰的机器更加人性化，这就是美学与现代化工业设计的交融与贯通。设计艺术之美作为艺术美的一个分支，在当代生活中拥有越来越重要的地位。
二、技术与艺术，科学与美学的相互影响、相互渗透下的现代设计
工业设计的性质决定了它是一门覆盖面很广的交叉融汇的科学，涉足了众多学科的研究领域，有如工业社会的粘合剂，使原本孤立的学科彼此联系、相互交融，结成有机的统一体。实现了客观地揭示自然规律的科学，主观、能动地进行创造活动的艺术的再度联手。
在很长的历史时期内人们或者将设计理解为技术，或者将设计理解为装饰性的艺术，对于设计艺术在整个人类社会生活中的地位和作用的重要性的认识一直存在着各种偏差。西方现代设计艺术的创始人突出的贡献是将设计与实用、与艺术统一起来。
工业革命不仅改变了传统的手工艺设计，而且随着技术革新步伐的加快，建立起了许多新的工业，这些工业将机械化过程应用到大量新产品的生产上。技术与设计的发展是与产品本身的发展相辅相成的，新技术的运用也是设计的创新。在两次世界大战之间，工业和技术的进展对于生产及设计产生了直接的影响，而别的一些因素的影响则是潜移默化的。随着经济发展，形式单调的产品已不能适应多元化市场的需求和商业竞争。
近代以来的设计艺术的发展，与工业化的进程、商业的普及、新技术和新材料的出现密不可分，它摆脱了传统的手工艺局限，而逐渐转为对机器美学的认可，在技术和艺术之间建立起了联系，为生活艺术化、艺术生活化做出了可贵的探索。
工业设计在技术上，是以现代工业化的生产方式为前提的，而产品结构的标准化正是这种生产方式得以实现的先决条件，这就离不开标准化技术。因此，工业设计与标准化有着不可分割的关系。要使工业设计思想能为众多工厂、企业、广大消费者接受，还要使工业设计中不断推陈出新的产品得以付诸生产实践，就必须运用标准化技术促进工业设计的发展。
同时，在工业设计中运用高科技，寻找新能源材料的方向。现代设计是跨越21世纪的设计，应不同于以往的设计。产品创新设计的物质基础就是现代科学技术，先进的技术必须与优秀的设计结合起来，才能使技术人性化，真正服务于人类。工业设计对推动高新技术产品的进步起到了不可估量的作用，工业设计的主要方向也开始了战略性的转移，由传统的工业产品转向以计算机为代表的高新技术产品和服务，在将高新技术商品化、人性化的过程中起到了极其重要的作用，并产生了许多经典性的作品，开创了工业设计发展的新纪元。
工艺美术运动产生的原因篇5
关键词:科技;古代工艺美术;发展
中图分类号:J022文献标识码:a文章编号:1005-5312(2010)13-0029-01
从原始社会开始,就出现以原始巫术和日常生活需要为目的的手工制成品,它们都凝结着科学和艺术,只是表现不够发达。之后,在早期的人类遗址中发掘出许多令人惊叹的器皿与饰品,其中多件文物直至今天都无法超越。自古以来,检验一件工艺品的好坏,功能、选材、技术、艺术各方面都要考虑到,工艺美术品最初是为了满足人们的生产生活需要而产生的,材料是基础,技术是手段、工艺,艺术最初只是为了满足审美需要,之后慢慢开始考虑使用的舒适度。这四种要素在自己的角度对工艺品的形成发挥着重要作用。
技术对工艺美术品的产生提供了一个空间,好的艺术构思通过借助先进的技术得以更好的完成。传统的工艺美术作品通常是艺术家独立进行的,最多是借助人力的帮助完成,随着科技慢慢进步,出现了计算机辅助创作,使得工艺美术品的形式极大丰富起来。可以说,在古代工艺美术品中,先进技术的应用程度与该器物本身的贵重程度是成正比的,当然也不能说,随着时间的推移技术越进步、技术手段施加得越多这个艺术品就越珍贵,越具有艺术价值。关键要看艺术品的艺术构思,自包豪斯运动以来,工业设计品越来越多的被运用到生活中,批量化的生产,使得艺术品普及到大众,简约的造型同样被人们所接受。所以,我们可以这样说:随着科技进步,工艺美术的表现手法越来越多,造型的多样化使得工艺美术品的形态越来越丰富。
科技向艺术转化必不可少的前提就是工艺技术的进步和审美情趣的变化。科学技术之中包含工艺技术,而工艺技术又包括了手工生产技术和机器生产技术。然而,机械化大生产也造成了传统手工艺生产和艺术相分离,使得恢复手工生产的呼声越来越强烈。现代工业设计产品的批量化更加加强了古代工艺品对实用功能的要求,并没有摆脱传统工艺品的制作技术,在工艺技术的改进过程中,解决同一问题可以产生不同效果,从而产生不同的审美效果。
以陶瓷为例,从远古时代制陶术的发明至今,陶瓷艺术已经走过了几千年的历史。最初陶器的诞生是以实用为目的的,但随着其慢慢发展,与艺术的关系愈加密切,更加离不开科学技术的支持。直到近代,工业革命爆发带动了科学技术的进步,带给人们以生产生活上的巨大便捷,不可避免的也造成了传统手工技术与艺术的分离,陶瓷艺术也不例外,现代陶瓷艺术在传统制瓷技术的基础上,充分利用现代技术表达自我,试图在加入概念技术因素的同时保留陶瓷艺术的自然性。以下我们简述一下陶瓷艺术的发展史,以实例分析科技进步对中国古代工艺美术发展的推动:
第一阶段:从原始社会到第一次工业革命之前,陶瓷艺术一直以传统手工制作为主导,体现着艺术与技术的充分结合,举个例子:远古时代陶罐上用的等距排行的条文装饰,不管人们是否假定了一种驱使手工艺人着手工作的主观“装饰陶罐”,手工艺人都必须服从客观实际,计算出行距之间的数据,算出这些数据间隔,直至这些装饰适合这个陶罐为止…可以说,在古代陶瓷艺术中包含艺术审美的同时,也包含着严谨的工艺技术。
第二阶段:17到18世纪,工业革命在英国爆发,这次工业革命影响范围非常广泛,而工业革命的成功也推动了陶瓷艺术的发展。这一阶段,科学技术快速发展,陶瓷制品不再局限于手工制作,机器大工业的发展促使制陶业向标准化、批量化发展,使这一时期的作品向非艺术化方向转变。但是机器生产与机器制成品很难满足人们对于审美与实用的双重需要,于是,陶瓷艺术必然要向技术与艺术统一的方向发展。
第三阶段:二十世纪初到现在,科学技术进一步发展,人们生活水平的提高促使了审美的巨大进步。手工艺运动、新艺术运动都主张恢复手工艺生产,包豪斯则主张手工艺和机器生产充分结合,这样,技术与艺术重新统一,使得艺术领域的审美追求发生了改变。
现代陶瓷是技术与艺术的结合,在其工艺内容中,有手工艺和机械技术之分,在现代技术的支撑下,手工艺更完美的被表现出来,以充分展现现代陶瓷艺术之美;而陶瓷作品如果没有一定的艺术成分,只注重技术的精度,那么生产出来的产品只是冰冷的器具,失去了它该有的艺术魅力。
当然,技术是一把双刃剑,在促使人们工艺技术和审美情趣不断提高的同时,也带来了许多负面影响。艺术家的个性逐渐消失在批量化标准化之中,导致传统艺术韵味的散失,艺术品的内涵逐渐淡化。基于这种情况,有人认为传统工艺美术作品的手工形式更能表现艺术家的艺术语言,加入过多的科技因素反而使艺术品冰冷、丧失了原有的艺术特性。在这个问题上,就要求艺术家在创作过程中协调二者的关系了。
参考文献:
工艺美术运动产生的原因篇6
关键词：现代主义设计机械美学装饰主义设计理论
中图分类号：J0文献标示码：a文章编号：1003―0069（2014）09―0168―02
引言
在1919年第一次世界大战结束到1939年第二次世界大战开始的这二十年中，整个世界经历了从自信到幻灭，从充满希望到忧心忡忡的历程。在经历了短暂的表面繁荣之后，出现了前所未有的经济大萧条。战争刚刚结束的那段日子是充满艰辛的，无论是战胜国还是战败国都面临着从战争恢复到和平的巨大困难。军队中复员的大批军人们，都无法找到合适自己的工作，无法再次获得社会地位，从而使整个社会产生了大量的不安情绪。战争期间为了制造战争用品而繁盛的农庄和工厂，随着市场经济的发展也逐渐衰败了，他们生产的大量产品无法找到合适的销路，出现了供大于求的现象。因此，在战争刚结束的时期直至1922年，欧洲各国都面临着急转直下的经济大萧条。在这样的情况下，整个社会都希望尽快的从战争的创伤中恢复，社会的各个领域都在为经济的复苏而努力。
民主政体的发展与公民的自由平等
威尔逊总统曾经说：“打第―次世界大战是为了使世界得以安然实现民主。”在20世纪20年代，民主政体一度在各地都得到了蓬勃的发展，而到了30年代，集权主义才开始在各地萌芽。在这两次世界大战之间的二十年，正是人类第―次进入大工业生产社会的阶段，其重要特征是大众的口味和去向对社会经济的发展具有根本性的引导作用。此外，战争也在深层次上催生了科技的发展和应用，在广泛的范围里改变了人们对自然以及人与外部事物关系的看法，人们也开始广泛的接受机械美学。
在一战和二战期间的20世纪20-30年代，设计界主要发生的设计风潮即是在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。这是在现代主义设计开始形成的时候，部分设计师、建筑师企图把没有装饰、强调功能和低成本的现代设计和具有比较简单装饰的动机结合起来的一次很成功的尝试。虽然，装饰主义艺术风格从立体主义、表现主义、以及构成主义等流派中借鉴吸收了不少元素，但其最主要的根基却扎根在“机械时代”（machineage）这一特殊文明形态的土壤中，装饰主义风格在本质上是一种“机械美学观”，这种机械美学观的现实化不仅表现在建筑艺术上，同时也表现在各个领域之中。这种机械美学观，不仅仅对装饰主义运动兴起的法国的设计理念起到了决定性的作用，同时也对当时的另外两个设计艺术大国造成了深刻的影响。
法国：装饰主义运动与机械美学
对于装饰主义运动来说，1925年的巴黎国际博览会无疑是一个重要的关键点，并且它还是一个极具象征性的含义的事件。装饰艺术风格的思维与实践在二十世纪的兴衰，恰与战争与科技的发生与发展有着紧密的联系。而装饰主义运动在一战之后的风行其实是世界特别是法国的战后反思：“人们对由战争破坏所带来的物质生活境况之破败的一种修饰和挽捉”；其在二战后的没落也可以被理解为战争对人们物质生活的巨大摧毁，而导致艺术的必然衰败。
1925年的巴黎博览会在举办前已经筹备良久，甚至最初的提议可以追溯至战前大约1900年，其初衷是为了重申法国对于时尚和艺术的领导地位。巴黎博览会的装饰艺术展览上，法国所向人们展示的是新艺术运动后的建筑与装饰风格，在思想与形式上是对新艺术运动的矫饰的反对，它反对古典主义与自然主义及单纯手工艺形态，而主张机械之美，希望可以通过对于机械美学的高度赞誉以及在装饰风格中的应用，使法国在商品设计的风潮中重获权威地位。然而，装饰艺术运动并非单纯的一种风格式样运动，它在很大程度上还属于传统的设计运动。即以新的装饰替代旧的装饰，其主要贡献是在造型与色彩上表现现代内容，其本质仍然是以为贵族制造为主的设计风格。当然，“在生活奢侈品的设计、制造和生产方面，法国依然扮演着世界领头羊的角色，没有哪一个国家能够举出一个他们自己的设计师来与法国的设计师媲美。”而当时的法国设计界有―种对“现代性”的反感情绪蔓延，―方面是由于去国艺术家对古典和近代艺术传统的留恋，另―方面，法国的艺术家敏锐的观察力察觉到，现代性的到来可能会对法国和整个欧洲的艺术发展产生的影响不是推动而是破坏。
因为这个运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，装饰艺术运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。装饰艺术，特别是法国的装饰艺术运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上，在色彩上，在装饰构思上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的，因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于装饰艺术运动的形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。
德国：包豪斯与机械美学
自从19世纪晚期德意志实现统一以来，德国的艺术设计与商品生产领域就在现代性的影响下，有了长足的发展。德意志制造同盟的建立和以凡，德，维尔德、贝伦斯等人为代表的众多设计师的艺术实践活动，最终造就了德国艺术设计与生产技术在一定程度上的有效结合，这种结合在本质上是一种在艺术与商业间采取的折衷主义。艺术设计在德国具有鲜明的“民主化”倾向，这种倾向成为德意志范围内获取社会与文化统一性的一种手段。
而自德国于1925年法国国际博览会的缺席开始，法国与德国的艺术风格走向已有分道扬镳的迹象。德国以包豪斯为首的设计界，接受了更多民主性以及现代性的理念。通过设计师与手工作坊或半工业化制造机构的合作，历练出一种比新艺术风格更加简洁、鲜明的艺术风格，以与当时正处于上升状态的机械化生产标准相适应。它具有一定的社会民主主义色彩，强调机械美、功能美、主张理性化的设计，主张简洁、实用，否定装饰的作用，把形式与功能的关系对立起来，从而发展出与以前不同的设计风格。
包豪斯是现代设计运动的摇篮，也预示现代主义设计高潮的到来。包豪斯于1919年由格罗佩斯创办于德国魏玛，在短暂的14年（1919―1933年）的办学历程中形成了整套的设计教学体系。提倡艺术与技术的结合，形成了现代主义设计风格。它标志着原来的装饰形态中的设计被现代主义理性设计取代。包豪斯的设计风格大体上可以分为两个时期，一是在1914年战争爆发之前，在亲眼目睹了科技在武器制造领域发挥的巨大破坏力，对之产生的恐惧感，学校在这一时期忽视了生产力、手工艺人的个性与经济复苏之间不可调和的矛盾。在20世纪20年代早期，遭到了人们的批评，人们希望学校朝着实用性和工业化的方向发展，在重新修订了学校的教学理念，具有了更为客观、科学的社会主义平等思想，对机械化大生产加强了使命感，强调设计中要充分运用新材料和新科技，同时也降低了专业手工技艺和传统工作室训练的重要性。包豪斯的这一转变与当时国际上其他国家的运动，包括俄国和欧洲国家的构成主义，法国的新精神运动以及荷兰的风格运动结合在一起，促成7--种朴素的机械美学观的形成。艺术家们开始信奉机械化大生产，信奉机械的选择，并且试图在无产阶级社会中将统一标准设定为设计的基准。而这些观点就意味着，个人主义价值要被取代，人们将个人主义已经视为在一战中煽动起斗争和破坏的战争之源。“包豪斯的重要性并不取决于他在工业产品的原型设计上取得的有限成就，而更多的在于他对设计师的培养和教育，以及他倡导的在艺术、手工艺与工业之间形成合作关系的理念。”包豪斯所创造的这一种环境，有天分教员和学生追求的目标是与科技相辅相成的工业设计。
美国：现代建筑与工业设计与机械美学
第一次世界大战与第二次世界大战之间的年代，是一个充满机械美学和工业文明新型精神的年代，在这一时期，最值得关注的文明形态变化和情势，发展在北美大陆上的美国。以美国为主的新大陆，在战火以外获得了有别于欧洲的发展良机。从世界范围来说，美国是一个不具有历史包袱的国家。因此，美国是一个对于变革承认且无所畏惧的国家。在这样的背景下，美国有属于自己特有的艺术设计风格，而由于参与一战的远征，使美国的眼光从北美大陆延伸到了世界各国，不但进行了资本输出，同时也由于美国科学技术的发展较亚欧大陆更为先进，导致美国人民当时所面对的现代性涵义比任何国家都更加丰富。
美国设计师建立了属于自己的两个机构：“美国设计师美术馆”（americanDesignerGallery）以及美国装饰艺术工艺联合会（americanUnionofDecorativeartistsandCraftsmen后称aUDaC）。这两个组织的成员以极其具有进取型的艺术观念和多样化的艺术实践不仅唤醒美国本土设计师和普遍民众关于艺术设计现代性问题的自觉意识方面起了开拓性的作用，而且还不自觉的拓展了现代艺术设计的涵义范围。他们突破了欧陆地区固有的艺术界限，在美国发展出了一种现代艺术新元素与新涵义，这为美国在现代装饰艺术设计发展历程中最后后来居上起到了重要的奠基作用。
装饰主义风格在本质上是一种“机械美学观”，在美国，这种艺术审美样式不仅发生在新型建筑技术与新型建筑材料的使用上，而且还体现在装饰纹样的造型与主题上，如汽车、飞船、轮船、收音机等，都被处理为建筑物的装饰性元素。这就不得不提到美国著名建筑师赖特（FrankLloydwright，1869-1959）和苏利文（LouisSullivan，1856-1924），他们所处的时代正是美国装饰主义运动和折衷主义盛行的年代，这样的年代提供了足够多的艺术实践的可能性。他们两人的设计风格，一个“轻灵挺拔”，一个“厚重安稳”，都充分使用了新型的工业技术以及建筑材料，使得他们所设计的建筑充满了现代性的风格。20世纪初的欧洲的现代装饰艺术设计探索和试验正进行的如火如荼的时候，在世界工业设计史上的美国设计异军突起，开始了以商业需要为服务导向的装饰设计运动。这个时代的美国设计以市场为导向，在美国这个工业化程度最高的西方国家进行7--场伟大的装饰设计革命，从中涌现了大批的世界级设计大师，其中不得不提到的就是雷蒙罗维（RaymondLoewy，1893-1986）。他主持参与的上千个项目，包括工业产品设计、包装设计和平面设计等，代表了美国一代工业设计师无所不为的特点，并凭借敏锐的商业意识，促成设计与商业的结合，取得了惊人的经济效益。其设计重视视觉敏感性，既具有工业化特征，也富含人情味，在20世纪30年代率先在火车头、汽车以及轮船等交通工具中引入流线型特征，而获得国际声誉，是美国设计“设计追随市场”的代表。
而到了20世纪30年代，美国的―系列机械艺术相关的展览，更是表明了，美国设计界对于机械美学观念的深表赞赏，而这种美学观念是同几何形式、新材料、实用价值、以及取代手工业的工业生产紧密的联系在一起的，并且在这一时期，美国已经摒弃了装饰，他们认为在失业率不断增长和经济大萧条的艰难环境中，使用这种没必要的装饰不仅是奢侈的表现，甚至是―种缺乏责任感的表现。在1939年纽约世博会中，对于装饰与实用性的矛盾愈演愈烈，美国在二战前夕，由大型企业赞助的现代工业设计通过其在新产品设计、科技、进步和效率、健康、自由、舒适等价值观之间建立起的广泛联系，吸引了更多的消费者，也证明了美国设计的成功。
工艺美术运动产生的原因篇7
教学艺术形成是教师和将要从事教师职业的人，为了实现教学过程的最优化与学生的全面发展，在教学实践或教师职业培训中发挥自己的主体性，从教学科学与教学艺术的角度，不断进行教学素养提高的一种长期的、有效的专业化方式。
一、教学艺术形成的价值与目标
1．教学艺术形成的价值
第一，教学艺术形成有助于丰富教师发展的内涵，提升教师发展的层次。从教师发展的目的来看，教学艺术形成的目的是实现教师长期的、有计划的全面发展。任何一种单一目标，如教学技能的提高，都不能实现教师发展的长远目标。教学艺术形成可以帮助教师对自己专业发展的内容体系有一个比较全面的理解，可以帮助他们了解“发展什么”的问题。
第二，教学艺术形成有助于教师形成自己的职业认同。教师的工作乐趣与工作成就是职业认同的两个重要前提。工作乐趣与工作成就是相互关联的，工作乐趣是工作成就的必要前提，工作成就反过来又会助长工作乐趣。前者是工作主体的主观感受，后者是工作的客观结果。将教学艺术形成客观的社会要求转化为教师的主观愿望，给他们的工作乐趣带来一种机缘。当教学由于教学艺术水平提高而取得成就时，教师的工作乐趣又会增强。在这种情况下，教师的职业认同就会逐渐形成。
第三，教学艺术形成有利于教师更好地履行教学责任。教学责任是教师责任中的核心内容。教师责任的履行仰仗于教师的职业道德、教学能力以及意志品质等。教学艺术形成是教师这几方面综合素质的一种较为全面的提升，它为教师更好地履行教学责任提供了重要保证。
第四，教学艺术形成及运用可以让教师体会到教师职业的美。教师职业的美是从事教师职业者对它的一种美好的感受与体验。只有当人发挥了自己的最大潜能时，才会最大程度地体验到他所参与的活动或从事的职业的美。这是因为在人的最大潜能得以充分发挥的时候，往往倾注了自己的情感，发挥了自己的创造性，而教学艺术最主要的特点就是情感性与创造性。教学艺术形成包括教师对职业情感的培养以及对各种赖以进行教学创造的能力的提高。因此，它有助于使教师体会到教师职业的美。
2．教学艺术形成的目标
教学艺术形成的目标是指通过教学艺术形成的具体目标，是教师教学水平变化的结果。
第一，知识与技能目标。教学艺术形成的知识包括理论知识与经验知识两方面，理论知识包括的范围比较广。基础文化知识、学科知识与教育专业知识都是教学艺术形成必要的知识体系，这是由教师职业的专业性决定的。教师在教学艺术形成中的技能目标是指教师通过练习，在教学艺术形成所需要的技能方面所应达到的结果。
第二，方法与策略目标。基本方法的掌握与运用是最基本的目标，多种方法、多种教学手段的组合使用是中级目标，教的策略的灵活设计与运用是高级目标，教师对教学方法与策略的创新是最高目标。
第三，价值观目标。首先要建立对教学艺术及教学艺术形成的认同；其次是确立对教学艺术形成的正确态度；再次是培养对教学艺术及其形成的酷爱情感，这是教师能够形成教学艺术的根本心理动力；最后是培养教师探索教学艺术的坚强意志。
二、教学艺术形成的保障系统
1．心理保障系统
第一，教学艺术形成需要。教学艺术形成需要是教学艺术形成的心理起始，也是教学艺术形成发生、发展的根本动力。教师对教学艺术功能与价值的认识以及对自身教学艺术的“我感”是教学艺术形成需要产生的前提。相关的高层次的需要，如尊重的需要、自我实现的需要的培养有助于教师产生教学艺术形成需要。
第二，教学艺术形成兴趣。兴趣并非是教学艺术形成行为产生的必要条件，但可以增加教学艺术形成的信心，改善主体对教学艺术形成的感受，从而维持与强化教学艺术形成行为。教师对教学艺术理论认识的深刻性与实践效果亲历性的感受是教学艺术兴趣得以生发的前提。培养或增强教学艺术兴趣的策略莫过于教学艺术形成与运用的实际过程。教学艺术形成与运用具有很强的共时性特点。即刻的教学艺术效能对教师来说是莫大的快慰，长久坚持所产生的教学艺术水平提高的显著效果又会把教学艺术兴趣变得更加浓厚。
第三，教学艺术形成意志。教学艺术形成是一个持久、艰难的过程，只靠一时的兴趣难以维持长远，这就需要教学艺术形成意志。尤其是当教学艺术形成进人“高原期”时，教师感觉即使付出了很大努力也没有明显成效，他们便开始怀疑自己的能力，产生放弃的想法，这时就需要意志发挥作用：意志具有推动与维持作用，确保教学艺术形成长期坚持下去。教师克服教学艺术困难的过程就是培养他们教学艺术形成意志的过程，它会逐渐增强教师教学艺术形成的自觉性、自制性与坚持性。
第四，教学艺术形成能力。教师在教学中应当有一种“能力恐慌”，它是教师对自己现实能力估计后的一个心理状态，也是教师的一种职业角色期望。教学艺术形成的过程就是一个产生能力恐慌，同时又消除能力恐慌的过程。比较与反思可以使教师产生能力恐慌，长久消除能力恐慌的唯一办法就是不断实现自己的发展，努力形成自己的教学艺术。
2．审美保障系统
在教师教学审美感知能力培养方面，要从培养教师社会感知能力人手培养他们的教学感知能力，通过培养教师的教学观察能力提高他们的教学审美感知能力。教师要具有教学审美能力，要善于通过观察发现教学中存在的美。
在教师教学审美想象能力培养方面，要使他们认识到教学审美想象的重要性，认识到教学审美想象是教学创造的前提。教学是极富创造的活动，它需要教师展开丰富的想象，因为它为我们提供了想象的空间。要培养教师诗人的气质，作家梁晓声曾经撰文，认为教育是诗性的事业。①教育既然是诗性的事业，那么，教师就应该是诗人，至少他们应当具有诗人的气质。要在教学实践中培养教师的审美想象力。在课后，教师可以进行教学反思，发挥自己的教学审美想象力，从审美的角度对教学进行自我评价，这是提高自己的教学水平的重要环节。
在教师审美情感培养方面，要使教师认识到审美情感的重要性。要培养教师的职业道德，而热爱教育事业，热爱学生，是教师职业道德的重要内涵。教师只有热爱教育事业，才能热爱自己的教学工作。概而言之，要培养教师的教育情感。
在教师审美领悟能力培养方面，要使教师认识到审美领悟可以帮助教师深刻领会教学内容所代表的科学与人生价值，所蕴涵的时代与社会意义，使教师不为传授知识而传授知识，学生不为考试而掌握知识，教学可以使师生共同体验科学之美、人生之美、社会之美。
3．社会保障系统
教学艺术的形成需要良好的社会舆论，需要一种先进的文化予以支持。教学艺术形成需要这样的社会制度：这种制度应当为人的发展提供优质的学校教育，这种制度应当为人的发展提供良好的条件，这种制度应当为人才的脱颖而出创造机制。教育行政因素在教学艺术形成中有着十分重要的作用。教育行政所制定的教育政策对教师发展有一定的影响；教育行政决定着校长的人选，而选什么样的校长对学校发展起着十分关键的作用；教育行政拥有对学校教育的评价权，对教师的评价权。学校是教师发展、教学艺术形成最主要最直接的环境。
三、教学艺术形成的过程
在教学艺术形成过程中，教师需要考虑教学艺术分层问题，把握教学艺术掌握原则，确立与养成教学设计的观念与习惯，进行教学艺术推广。1．教学艺术分层教学艺术分层是为了建立教学艺术个体化的动力机制，它可以给我们提供教学艺术形成的基本程式，有助于人们揭示教学艺术掌握的规律。教学艺术可划分为初级教学艺术、中级教学艺术、高级教学艺术和超级教学艺术。
初级教学艺术是最低层次的教学艺术，是个体教师教学艺术的萌芽阶段。中级教学艺术要求能合理地安排教学内容，语言形象生动，板书概括、明了，教学风度良好，整个教学具有一定的感染力。高级教学艺术要求能巧妙地处理教材，优选教法，能创造美好的教学情境，教学过程生动形象，具有鲜明的个性特点，教学效果突出，具有高级教学艺术的教师是学科带头人，能给其他教师进行示范与指导。超级教学艺术是个体教师掌握教学艺术的顶峰，它融个性风格、审美性、创造性于一体，有独特的教学模式，在教学法方面有独到的见解，自成一家。
2．教学艺术掌握原则
第一，立美和审美统一原则。所谓“立美”，就是建立美的形式的实践过程；所谓“审美”，就是认识美之所在或对美的形式的愉悦感受。②对教学艺术的追求或创造是立美，在教学艺术中认识美、感受美即为审美。
第二，借鉴与创造并重原则。指将吸收优秀教师的先进经验和教学中的独创结合起来，形成具有个性风格的教学。借鉴性与创造性贯穿于教学艺术形成的始终，是教学艺术形成的重要手段。
第三，分层分步原则。指在教学艺术形成中，教师根据自己的实际，制定近期、中期、长期奋斗目标，循序渐进，逐步掌握教学艺术。
第四，课内课外结合原则。指教师在教学艺术形成中，既要做到在课堂上尝试、调整、改良教学技能、技巧，不断提高教学水平，又要重视课后复习、思考、理论学习，为教学艺术的形成创造条件。
3．教学艺术设计
严格地说，教学艺术是设计出来的。教师在教学中运用教学机智时所表现出来的教学艺术形态是他们通过长期的教学设计实践而产生的。教学艺术的创作，既需要冥思苦想，又需要突发而来的灵感。教学艺术所传达的内容结构、顺序编排需要人们设计，教学方法的具体运用也需要设计，教学环境的布置，空间结构的摆布也都是教师设计的结果，即使是多媒体教学手段的使用，如怎样使用，在什么时候使用也需要设计。③教师的语言、板书如果不设计，就达不到“少而精”、“约而达”的效果。课堂提问的内容、怎么提问，包括提既然是诗性的事业，那么，教师就应该是诗人，至少他们应当具有诗人的气质。要在教学实践中培养教师的审美想象力。在课后，教师可以进行教学反思，发挥自己的教学审美想象力，从审美的角度对教学进行自我评价，这是提高自己的教学水平的重要环节。
在教师审美情感培养方面，要使教师认识到审美情感的重要性。要培养教师的职业道德，而热爱教育事业，热爱学生，是教师职业道德的重要内涵。教师只有热爱教育事业，才能热爱自己的教学工作。概而言之，要培养教师的教育情感。
在教师审美领悟能力培养方面，要使教师认识到审美领悟可以帮助教师深刻领会教学内容所代表的科学与人生价值，所蕴涵的时代与社会意义，使教师不为传授知识而传授知识，学生不为考试而掌握知识，教学可以使师生共同体验科学之美、人生之美、社会之美。
3．社会保障系统
教学艺术的形成需要良好的社会舆论，需要一种先进的文化予以支持。教学艺术形成需要这样的社会制度：这种制度应当为人的发展提供优质的学校教育，这种制度应当为人的发展提供良好的条件，这种制度应当为人才的脱颖而出创造机制。教育行政因素在教学艺术形成中有着十分重要的作用。教育行政所制定的教育政策对教师发展有一定的影响；教育行政决定着校长的人选，而选什么样的校长对学校发展起着十分关键的作用；教育行政拥有对学校教育的评价权，对教师的评价权。学校是教师发展、教学艺术形成最主要最直接的环境。
三、教学艺术形成的过程在教学艺术形成过程中，教师需要考虑教学艺术分层问题，把握教学艺术掌握原则，确立与养成教学设计的观念与习惯，进行教学艺术推广。
1．教学艺术分层
教学艺术分层是为了建立教学艺术个体化的动力机制，它可以给我们提供教学艺术形成的基本程式，有助于人们揭示教学艺术掌握的规律。教学艺术可划分为初级教学艺术、中级教学艺术、高级教学艺术和超级教学艺术。
初级教学艺术是最低层次的教学艺术，是个体教师教学艺术的萌芽阶段。中级教学艺术要求能合理地安排教学内容，语言形象生动，板书概括、明了，教学风度良好，整个教学具有一定的感染力。高级教学艺术要求能巧妙地处理教材，优选教法，能创造美好的教学情境，教学过程生动形象，具有鲜明的个性特点，教学效果突出，具有高级教学艺术的教师是学科带头人，能给其他教师进行示范与指导。超级教学艺术是个体教师掌握教学艺术的顶峰，它融个性风格、审美性、创造性于一体，有独特的教学模式，在教学法方面有独到的见解，自成一家。
2．教学艺术掌握原则
第一，立美和审美统一原则。所谓“立美”，就是建立美的形式的实践过程；所谓“审美”，就是认识美之所在或对美的形式的愉悦感受。②对教学艺术的追求或创造是立美，在教学艺术中认识美、感受美即为审美。
第二，借鉴与创造并重原则。指将吸收优秀教师的先进经验和教学中的独创结合起来，形成具有个性风格的教学。借鉴性与创造性贯穿于教学艺术形成的始终，是教学艺术形成的重要手段。
第三，分层分步原则。指在教学艺术形成中，教师根据自己的实际，制定近期、中期、长期奋斗目标，循序渐进，逐步掌握教学艺术。
第四，课内课外结合原则。指教师在教学艺术形成中，既要做到在课堂上尝试、调整、改良教学技能、技巧，不断提高教学水平，又要重视课后复习、思考、理论学习，为教学艺术的形成创造条件。3．教学艺术设计严格地说，教学艺术是设计出来的。教师在教学中运用教学机智时所表现出来的教学艺术形态是他们通过长期的教学设计实践而产生的。教学艺术的创作，既需要冥思苦想，又需要突发而来的灵感。教学艺术所传达的内容结构、顺序编排需要人们设计，教学方法的具体运用也需要设计，教学环境的布置，空间结构的摆布也都是教师设计的结果，即使是多媒体教学手段的使用，如怎样使用，在什么时候使用也需要设计。③教师的语言、板书如果不设计，就达不到“少而精”、“约而达”的效果。课堂提问的内容、怎么提问，包括提问的语气也应当是经过设计的。课堂上，教师应该自觉运用因材施教的原则，对具有一定差异的学生，怎么运用这个原则，需要教师进行设计，否则就有可能伤害教育对象的自尊。对课堂的组织，如秩序的维持，也需要教师设计。因此，教学艺术是教师在备课之前精心设计、策划，在上课当中积极发挥的结果。
4．教学艺术推广
教学艺术推广指群体教师认识、掌握、运用教学艺术的过程。教师个体教学艺术掌握是教学艺术团体掌握的基础，教学艺术掌握群体范围的不断扩大会形成教学艺术社会掌握，从而实现教学艺术推广。首先，要对教学艺术意义、本质、特点、功能、内容有自己的理解，把感性认识上升到理性认识；其次，应发挥优秀教师的中心辐射作用；再次，教师集体要有追求教学艺术的审美意志，从培养教学审美兴趣、动机开始，在克服困难的过程中，增强教学审美意志。
四、教学艺术形成策略
1．成为发展型教师
教师应努力使自己成为发展型教师。教师可以分为“生存型”、“享受型”与“发展型”三种不同的类型。教学艺术形成需要“发展型”教师。这种类型的教师怀着崇高的服务社会的理想走进教师的行列中，他们认为，教育是为了实现学生的发展，但学生发展的重要前提是教师的发展；教育是一门科学，也是一门艺术，这种工作具有一定的复杂性。这种类型的教师把教师看成是教育活动的反思者和研究者。最终唤发起生命热情的因素在教师自身，唯有教师本人才能为自己描绘出真实的形象。教师的反思与研究是自身成熟的第一步，反思与研究使教师的职业生活充满了理性，也是他们专业的一种生活方式，成为他们发展自己的内在需要。
为成为“发展型”教师，教师应学会学习。教学艺术形成的过程就是一个学习的过程，学会学习是教师形成教学艺术的必要条件。在教学艺术形成中要努力提高教师学习的有效性，教师应不断在研究中，在教学实践中学习，学会终身学习，学校还应建设教师学习的共同体。
2．确立教学艺术形成自觉
教学艺术形成自觉，一是指教师对自身的教学艺术水平的自我觉悟。比较与自我反省可以帮助教师了解自己的教学情况。与其他教师进行比较，可以达到“见贤思齐”的效果。反省自己的教学行为与效果是超越自我的前提。二是指教师对教学艺术的“自知之明”，即教师对教学艺术的本体及相关理论以及实践方法、策略的认识，这是理论建构的自觉与实践探索自觉的统一，缺乏理论发展的敏感性与实践探索的积极性就不会有教学艺术的形成。三是指教学艺术形成需要一定的氛围与条件，但教师主体性的发挥是关键，它包括自主性、能动性、创造性与社会性四个维度。教学艺术形成只有成为教师的自主选择行为，而非外在强迫行为，它才会更为持久。能动性指强的内驱力与强的作为性，这是教学艺术形成产生良好效果的重要保证。教师的创造性有助于他们形成个性化的教学风格。社会性主要指适应与合作，适应时代要求、学生发展要求、课程改革要求等可以为教学艺术形成增加必要的动力。与专家合作、与其他教师合作、与学生合作是教学艺术形成的必要策略。
2．开展行动研究
行动研究是一种理论实践化与实践理论化的有效方法。首先，教学艺术形成需要实践理论化，教师自觉地用理论去指导、去反观自己的教学行为，就可以使教学实践减少盲目性，去除纯粹的经验性。实践理论化的过程也是教师比较、分析、总结、提炼的过程，它有利于增强教学实践的理性化、科学化程度。其次，教学艺术形成需要教学理论的实践化，这是行动研究的重要内容。近几年专家学者与中小学教师合作进行理论一实践的研究，这种行动研究对专家学者而言是理论的实践化。广大教师学习接受了一种教学理论，在教学实践中进行尝试性的运用，这也是一种理论的实践化形式。教学理论见诸于教学实践就找到了归宿，发挥了应有的作用，教学理论与教学实践“两张皮”的现象也会得到解决。教学艺术理论只有内化为教师自身的素质，被教师运用于教学实践之中才会有意义，教学艺术理论的实践化也就是教学艺术的形成过程。
4．进行反思性教学
教师进行反思性教学，意味着教师应具备一定的实践理性，即善于对实践问题进行一定的理论思考。教师既是教学实践主体，又是教学理论主体。教师在形成教学艺术的过程中，要增强自己理性的反思意识与能力，应具有创造性地运用教育理论的意识与能力。扩大教师的教育视野与理论胸怀是培养他们反思意识与能力的前提。
工艺美术运动产生的原因篇8
关键词：动画电影美术造型设计民族
动画电影的美术造型设计是全方位的，包括动画角色的造型设计、角色服饰的造型设计、动画场景的造型设计等。从绘画艺术的角度来看，中国的绘画艺术样式多样，造型形式丰富，为影视动画造型创作提供了丰富的艺术样式，艺术工作者可以基于此进行深度的创作和加工。各个国家和地区都有属于自己的本土动画造型样式和艺术风格，如油画之于俄罗斯动画造型风格，中国水墨画之于中国动画造型风格。民族的就是世界的，我国的动画电影应更加着力于摆脱对好莱坞或其他地区动画造型的模仿，创造出具有我国民族特色的影视动画造型风格。
一、造型设计创新，从现实生活中获取灵感
每一部动画影视作品的创作和发行，都有其所针对的受众群体，要做到让观众买账，就必然要迎合当下时代的需求。针对当下受众的审美趣味，在现实生活中汲取资源和灵感就显得尤为重要。艺术源于生活，动画美术造型设计者需要用心观察生活的点滴，了解当下的时代需求，获取创作灵感。动画影视的受众群体具有低龄化、年轻化的特点，这就需要设计者有针对性地迎合受众的审美需要，创作出具有艺术美、情境美的动画场景，探求当下现实，挖掘青少年的审美趣味，以当下青少年的生活原型、成长原型、审美原型为基础，进行更进一步的艺术加工。中国是一个有着五千年文化的文化强国，在历史长河中积淀了丰富的文化遗产，深入探索具有民族符号意义的文化是当下美术造型设计艺术发展动力之所在。如何将这些本土文化资源开发、利用好，并运用于动画造型创造，是发展中国当代动画产业的一大课题，也需要设计者深入民间，善于观察和思考生活中的点滴情感，在现实中迸发出创作的灵感。
二、开发民族化的动画形象，将民族与时代特
征融入动画美术造型各个国家和地区的绘画艺术发展之路各有不同，各有所长，这就决定了不同国家和地区的艺术造型风格的不同，因此具有个性化的特点。而我国艺术在发展历程中更是有独具特色之处，尤其是我国水墨画的美术造型形式颇为独特。在我国动画影视美术造型上，也融入了具有中国传统文化特点的水墨画，并成功创作完成了《小蝌蚪找妈妈》《哪吒闹海》等多部优秀作品。然而，在回顾我国影视动画美术造型成功之处的同时，我们也应该意识到自身的不足。近年来，我国的动画作品产量较大，但动画产业的收益并不尽如人意，其中很大的原因在于我国动画美术造型缺乏特色。要开发民族化的动画形象，设计者应从我国本土传统文化出发，深入民间，了解民间艺术和传统文化，汲取其中的精华并结合当下的时尚元素，将二者融入动画美术造型，以此创造出真正具有中国民族特色的动画形象。我国早期的动画作品是非常具有本土特色的，它们在美术造型上充分借鉴水墨画、剪纸、皮影等民族性很强的造型语言，但综观我国当下的动画产品可以发现，这些成功的造型形式并没有得到很好的传承。中国的传统文化艺术丰富多彩，美术造型师如何能将之转化成动画形象，使传统的本土符号转化成一种能够为当代受众所喜闻乐见的艺术形象，还需要动画美术造型设计者深入地探究。
三、将高科技充分运用到影视动画美术造型设计中
工艺美术运动产生的原因篇9
一、功能美——第一性设计原则
产品的功能是指产品所具有的某种特定的功效和性能，由产品这种有用性功效在使用过程中给人们带来的愉悦感，我们称之为功能美。我们必须强调产品设计的功能美的第一性原则，产品的设计和生产必须满足人们某种使用功能的需求，功能美是产品最基本的属性，也是产品设计的核心。在产品的设计与生产过程中，功效与美是联系在一起的。产品是适应实际生活需要的产品，合目的功能的有效性是判断产品价值的重要标准。从古至今，物的功能都是设计所要考虑的首要因素。
索尼公司的产品在当今世界已成为最优秀产品的同义词。它“创造市场”的产品设计和开发的八大原则的第一原则就是：“产品必须具有良好的功能性。产品的功能必须在产品处于设计阶段时就给予充分考虑，不但要在使用上具有良好的功能，并且还要方便保养、维修、运输等。”这些例子无不说明产品设计作为一种“为人造物”的活动，它不可能完全忽视产品的功能价值。产品的功能之美，能给人带来生理和心理上的愉悦感和满足感，无论社会生活如何从物质性社会向非物质性社会转变，产品的功能永远是产品设计的核心，它体现着社会生产的目的性。作为人们生活和文化需要的产品设计，强调产品功能价值仍然是设计的基本逻辑，它是产品的文化意味和美学价值得以生长的基点。
二、材料美——新材料与工艺的运用
材料是产品的构成要素，是产品设计的物质载体。各种材料都有着各自独特的品格和特性，它是直接关系设计想法能否很好体现的物质载体，在设计中起着举足轻重的作用。材料以其自身特有的质感和肌理传递设计美，使产品具有审美价值。不同的材料结合各种加工工艺呈现出不同的设计美。通过改变产品表面的色彩、光泽、纹理、质地等方式，可以直接提高产品的审美功能，从而增加产品的附加值，以获得美观的外观效果，给人以美的感受。
著名的丹麦设计师潘顿，在20世纪60年代末，他就成立了设计工作室对玻璃纤维、化纤等新复合材料进行试验研究。他的工作室在探索中创造出了许多富有表现力的设计作品，其中最具代表性的作品当属玻璃纤维增强塑料椅，这种椅子的优点是一次模压成型，几乎不需要人工再进行修整。它的设计造型直接反映了生产工艺，具有强烈的雕塑感，色彩十分鲜艳。充分体现了材料在产品设计中的重要性。捷豹X型汽车的内饰采用了胡桃木这种能够体现奢华的木料，经过精细抛光处理的内饰板显得格外光滑和具有美感，让人有想要触摸一下的冲动，很好地诠释了捷豹品牌的豪华与品质。
三、技术美——科学与艺术的融合
设计是人类把自己的意志施加在自然界之上，用以创造人类文明的一种活动。设计需要科学技术的支持，同时又需要艺术来表达情感。于是，设计也就成了艺术与科学的载体。无论是艺术，还是科学，在今天这个大融合的时代，谁也离不开设计。
丹麦设计师汉宁森设计的“pH”灯具是运用“科学与艺术的融合”的经典范例，同时也体现了设计的根本原则：科学技术与艺术的完美统一。该设计使光线通过层累的灯罩形成了柔和均匀的效果，从而有效消除了一般灯具所具有的阴影，并对白炽灯光谱进行了有益的补偿，以创造更适宜的光色。灯罩的阻隔在客观上避免了光源眩光对眼睛的刺激，更有利于视觉的舒适。在这里，科学自觉地充当了诠释“以人为本”设计思想的渠道。另一方面，灯罩优美典雅的造型设计，如流畅飘逸的线条、错综而简洁的变化、柔和而丰富的光色使整个设计洋溢出浓郁的艺术气息。
艺术与科学从分离到靠近，进而实现优势互补不仅是时代的需要，也是两个学科各自发展的需要。对于以现代科技为依托的设计来说，其中的意义显而易见。科学不仅极大地拓宽了设计师的视野和想象空间，也从本质上为设计的实现奠定了物质基础。只有勇于接受对方的优势，加以合理地消化和吸收，才能创造出真正意义上的经典设计。
四、结语
设计是一种带有创造性的感知、想象、体验、理解和评价并使人获得精神上的愉快的一种活动。美学为产品设计开发提供了极大的发挥空间，为产品设计创作带来更多新理念，美学在产品设计中的运用越来越引起人们的重视，在这个多元化的时代，美学使产品设计更贴近人们心灵，更具生命力，最终满足并引导人们的需求。
参考文献：
[1]何人可.工业设计史[m].北京：北京理工大学出版社，2000.
[2]胡守海.设计美学原理[m].合肥：合肥工业大学出版社，2011.
工艺美术运动产生的原因篇10
一、材料的选择原则
从现代儿童美术课程开发和发展的总体趋势来看，凡是有利于儿童艺术创作的材料、资源都可以被开发、改造和利用，这需要开拓思维，拓展材料开发的广度和深度，但如何选择材料应遵循以下原则。
（一）美学原则
材料的开发和选择是综合材料艺术创作的基础。不同的材料，蕴含着不同的文化内涵和艺术美感，使得单一的艺术理念变得更加广泛。艺术美是作品的生命力，而符合美学原则的作品才是优秀的作品。好的材料能为儿童自我的表达和展现提供广阔的空间。因此，教师在教学中首先要注重引导学生遵循美学原理来选择材料：
1.质感美质感就是物体呈现出的外在特性，即材料的质地。材料在质感上的美也就是指材料本身具有的特性。“质感美”主要表现为材料的软、硬、轻、重、粗糙、光滑等本质特征，例如，在视觉和触觉感受上：玻璃给人光滑透明，岩石给人粗糙厚重，羽毛给人轻松柔软，金属给人沉重坚硬的感觉，不同的材料会体现出不同的质感美学特征，巧妙利用不同的质感美学特征及与人的视觉和触觉密切相联的特性进行儿童艺术创作，就会产生具有美感的视觉效果。
2.肌理美任何物体的表面都有肌理，具体包括材料本身的纹理与组织构造，“肌理美”是指物体的纹理美，它是认识物质最直接的媒介，不同的材料有不同的肌理。美学艺术中的“肌理美”，是指材料本身图案化的肌理在艺术创作中与儿童艺术表现手法融合的产物。它利用不同的材料与表现手法创造出儿童美术作品中特有的艺术效果，使不同的“肌理美”在组合重构后呈现出特有的视觉感受。但有时“肌理美”在组合重构的过程中也会难以控制，即使是相同的材料，也会因为表现技法的不同，产生不同的肌理效果，这反而会给儿童美术作品带来意想不到的效果，是其他材质很难实现的乐趣。
（二）趣味原则
儿童艺术创作动力来源于趣味性，有趣的材料可以激活玩乐感官、丰富美术知识，可以让儿童在艺术创作过程中获得成就感，提升自信心。因此，在课堂教学中，材料的选择应遵循新颖、有趣的原则，这样可以激发儿童学习的欲望和好奇心，使儿童更加喜欢综合材料艺术创作课程，提升学习的动力。
（三）经济原则
综合材料艺术创作因为选用的材料较多，所以其在开支上会比传统美术创作的花费要高。因此，在材料选择上，我们应尽可能地降低成本，用最小的耗费获得最大的教育效果。在教学中，我们要善于发现身边可替代的物品，尤其是可循环利用的废旧物品，以降低经济成本。同时利用可循环使用的日常生活用品培养儿童的环保意识，让儿童在创作中发现生活中的美，提升儿童的创意性。
（四）合理性原则
材料的选择应遵循学生的认知和身心发展规律，因为材料资源的开发最终是为学生服务的。教师应遵循合理合适的原?t以实现教学目的：（1）选择具有趣味性，简单易学，方便制作，视觉效果强烈的材料；（2）选择在课堂上能充分发挥教师自身专长的材料。
（五）开放性原则
因为综合材料艺术的选材与传统艺术不同，根据这一特点，首先，教师要通过结合构成、绘画、雕塑，手工等相关学科和教学形式，多采用各种创新教学方法，这样会有利于学生掌握综合材料课程教学内容。其次，多引导学生自主学习，鼓励学生了解发现各种新材料，探索尝试各种新方法，也有益于儿童的自主创新能力的养成。
二、材料的选择方法
（一）走入自然
“走入自然”就是在教学中引导学生学会在大自然中寻找创作材料。“自然材料”即是天然存在或自然生成之物，是自然界中存在的实体物质。可以分为三类：植物、动物和无机物。“自然材料”是很好的天然艺术材料，常常应用在儿童艺术创作中：
1.植物类蔬菜、鲜花、干花、树叶、树皮、树枝、果实都是常见的植物类材料，是自然界中获取最方便、最容易的材料之一，运用合适的表现手法如通过拓印肌理，直接拼贴都容易出效果，是最合适的儿童创作的自然材料之一。典型的代表就是《树叶贴画》。
2.动物类动物类的材料运用也较多，可以采用动物标本，或者依据动物本身的象征意义来表达某种艺术思想和创意。虽然利用动物类材料对儿童来说难度较大，但比如儿童绘画中常出现的蛋壳、羽毛、贝壳等材料都是简单合适的自然材料。
3.无机物类自然界中除了有机物，还有无机物。无机物主要包括金属、石头、沙子、土、水及冰等都是比较适合地创作材料。比较容易学习，其中适合课堂教学的如沙画、泥塑等。
（二）、体验生活
“体验生活”就是学会在生活中选择材料。日常生活中接触最多就是“人工材料”。“人工材料”是人为对天然材料加工所得的材料。人工材料的种类很多，选择范围极广。在教学中可以将其划分为美术材料和非美术材料两类。现在儿童美术材料品种繁多，如针对儿童生产的黏土，刮画纸，扭扭棒，海绵纸，卡纸，荧光笔市场上到处可见，在课堂教学上可以直接作为美术材料运用。非美术材料如日常用品，工业产品等生活物资，只要符合美学，趣味等原则也都可以纳入到选择范围，为艺术创作提供便利。随着美术观念的发展创新，材料的界限常越来越模糊，很多材料都可以运用到儿童艺术创作中。
（三）奇思妙想